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ALBERTO Y LA BALLENA
Un fascinante viaje a través del arte, la naturaleza y la vida.
En un caleidoscópico recorrido por el mar y la existencia, nos sumergimos en la historia de un genio en busca de su propio Leviatán. En 1520, Alberto Durero, reconocido como el artista más eminente del norte de Europa, emprendió una travesía ansiosa hacia Zelanda, una de las doce provincias costeras de los Países Bajos, con un anhelo particular en mente: observar por primera vez una ballena.
Nadie plasmaba el mundo de la misma manera que Durero. Sus representaciones capturaban la esencia frágil de las bestias, las personas y la naturaleza, revelando la verdadera esencia de la humanidad y profetizando nuestro porvenir. A pesar de su genialidad, se encontraba sumido en la melancolía tras perder el respaldo de su mecenas, el sacro emperador romano, y anhelaba explorar nuevos horizontes. En ese punto crucial de su existencia, la ballena se erigió como su ambición suprema.
Philip Hoare nos sumerge en este relato apasionante que explora la estrecha relación entre la pasión creativa y la naturaleza, desde el estudio de un visionario hasta las profundidades del océano. En sus páginas desfilan alquimistas medievales y poetas modernistas, emperadores excéntricos, almas rebeldes y artistas proféticos, desafiándonos a reflexionar sobre la frontera difusa entre la realidad y la fantasía en el arte, y sobre si este posee el poder de redimirnos.
«Un libro maravilloso. Un viaje lírico hacia el mundo natural y lo antinatural. […] Nos transporta desde las manos de un grabador hasta la monstruosa belleza que habita en el mar agitado.» – Patti Smith
«Una obra maestra, un frenesí, un resplandor y, sobre todo, por razones que serán evidentes cuando el lector se sumerja en sus páginas, un día en la playa.» – Simon Schama
«De Durero a David Bowie, una reflexión maravillosamente ecléctica sobre la relación entre naturaleza y arte.» – Michael Prodger, The Sunday Times
«Hoare evoca como Próspero, con una pluma mágica que nos trae al presente a la gente del pasado. […] ‘Alberto y la ballena’ es su obra cumbre hasta la fecha.» – Laura Cumming, The Guardian
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ANGELICO GRECO: EL CIELO SE LLENO DE MUSICA
¿Alguna vez te has preguntado cómo suenan los cuadros de El Greco? Pues ahora puedes descubrirlo con Angélico Greco, un innovador libro-disco diseñado especialmente para experimentar las pinturas del famoso artista de una manera completamente nueva.
Este proyecto revolucionario combina la música y la pintura en una experiencia multisensorial única. La grabación del CD se ha realizado utilizando los mismos instrumentos musicales que aparecen representados en las obras de El Greco. Además, la música ha sido grabada en lugares históricos de Toledo, como la majestuosa Catedral, lo que le confiere un ambiente auténtico y lleno de historia.
La selección de obras maestras de compositores de la época, como Tomás Luis de Victoria, Francisco Guerrero, Diego Ortiz o Alonso Lobo, crea un ambiente sonoro que se complementa a la perfección con las imágenes de las pinturas de El Greco. Cada pieza musical ha sido cuidadosamente elegida para transmitir las emociones y la esencia de cada cuadro de forma magistral.
Pero Angélico Greco no se limita solo a la música. Este libro también nos sumerge en la fascinante vida y la creatividad artística del propio Greco. A través de una cuidada selección de imágenes de alta calidad, podemos apreciar y entender mejor la obra del pintor.
Angélico Greco explora las conexiones entre la música y la pintura a través de la sinestesia, una condición que permite experimentar una sensación en un sentido a partir de un estímulo en otro sentido. En este caso, la música nos invita a ver los cuadros de El Greco de una manera completamente diferente, mientras que las pinturas nos transportan a un mundo sonoro lleno de emociones y significado.
En resumen, Angélico Greco es mucho más que un simple libro o un disco. Es una experiencia artística completa que nos invita a sumergirnos en el fascinante universo de El Greco, tanto visual como auditivamente. No te pierdas la oportunidad de descubrir cómo suenan los cuadros de uno de los pintores más importantes de la historia.
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ATLAS ILUSTRADO DE LEONARDO DA VINCI: ARTE Y CIENCIA Y LAS MAQUIN AS
¿Quién fue Leonardo da Vinci? ¿Cuáles fueron sus gustos e ideas? La curiosidad, como una fiebre devoradora, era una constante en su vida, impulsándolo a sumergirse en un viaje de búsqueda, estudio y experimentación en todos los temas. Desde la astronomía hasta la arquitectura, desde la anatomía hasta la hidráulica, desde el vuelo de los pájaros hasta las máquinas de guerra, y por supuesto, la pintura.
Este libro aborda la irrepetible síntesis de arte, ciencia y tecnología que representó Leonardo da Vinci, devolviéndonos toda la complejidad de este símbolo del Renacimiento. Nos sumerge en la mente inquisitiva de un genio cuyo legado ha dejado una huella imborrable en la historia.
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BOSCH, REALIDAD, SIMBOLO Y FANTASIA
Esta nueva obra, fruto de la colaboración entre un experto en el Renacimiento y un medievalista, tiene como objetivo principal situar a Jeroen van Aken y su obra en el contexto histórico del «Mundo Moderno». Con rigurosidad científica, se analiza cómo el artista neerlandés se desenvolvió en un período de crisis, caracterizado por la transición entre la Edad Media y la era renacentista.
El estudio comienza examinando las influencias medievales que marcaron la formación artística de Jeroen van Aken, conocido como El Bosco. Se destaca la importancia de la tradición gótica y su impacto en la temática y el estilo de sus obras. A través de una meticulosa investigación, se revelan los elementos simbólicos y las representaciones alegóricas presentes en su pintura, que reflejan la mentalidad medieval y su visión del mundo.
A medida que avanza el análisis, se pone énfasis en la crisis que vivió el Medievo y cómo esto influyó en la obra de El Bosco. Se explora la agitación social, política y religiosa que caracterizó a este período de transición, y se examina cómo estas circunstancias se reflejan en sus pinturas. El estudio detallado de sus obras maestras, como «El jardín de las delicias» y «La nave de los locos», revela las críticas y las reflexiones sobre la sociedad medieval que el artista plasmó en sus lienzos.
Asimismo, se analiza la relación de Jeroen van Aken con el Renacimiento y su influencia en su obra. Aunque El Bosco no se adhirió completamente a los ideales renacentistas, se evidencian algunos elementos innovadores en su estilo y en la representación de la figura humana. Se explora cómo su visión única del mundo se entrelazó con las corrientes artísticas de su tiempo, y cómo su obra sentó las bases para la evolución del arte en el período moderno.
En resumen, este estudio exhaustivo ofrece una nueva perspectiva sobre la vida y obra de Jeroen van Aken, situándolo en el contexto histórico del «Mundo Moderno» y mostrando cómo su arte fue moldeado por el período de crisis que marcó la transición entre la Edad Media y el Renacimiento. A través de un enfoque científico y riguroso, se desentrañan los simbolismos, las críticas y las reflexiones que el artista plasmó en sus obras, dejando un legado duradero en la historia del arte.
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BOTICELLI
Con delicados detalles, líneas fluidas y figuras femeninas entre las más adoradas del arte, esta introducción a Botticelli explora una leyenda del Renacimiento. Desde retratos de la poderosa familia Medici al icónico El nacimiento de Venus, descubra a un maestro de la pintura secular, religiosa y mitológica.
Bajo el mecenazgo de la poderosa familia Medici, con un importante catálogo de obras religiosas y seglares, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) tenía asegurada la fama. Aún así, tras su muerte su obra quedó en el olvido durante cuatrocientos años. Fue en el siglo XIX cuando el pintor empezó a obtener un importante reconocimiento histórico y artístico.
En la actualidad, Botticelli está considerado una figura destacada del Renacimiento temprano florentino. Sus obras seglares El nacimiento de Venus y Primavera, sobre todo interpretadas como alegorías de la primavera, se encuentran entre las pinturas más célebres del mundo, espléndidas con sus delicados detalles, líneas elegantes y equilibrio compositivo. Sus disposiciones son fluidas pero preparadas; sus figuras, serenas pero sensuales. Venus, en particular, está considerada como un icono histórico-artístico de la belleza: de tez pálida y rasgos delicados, con una tenue promesa de fecundidad.
Esta introducción esencial presenta obras clave de Botticelli para comprender el nacimiento de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas alegóricas y mitológicas más famosas del pintor, así como de sus brillantes obras religiosas, exploramos su maestría en figuración, movimiento y las líneas que ha inspirado a artistas como Edgar Degas, Andy Warhol, René Magritte o Cindy Sherman.
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CARAVAGGIO (edición en italiano)
No es sorprendente que, para una historia tan tormentosa y desafortunada como la de Caravaggio, los historiadores del siglo XVII más románticos y del siglo XIX más romántico se esforzaran por transformar cada paso, desde el principio, en un retrato notablemente popular (lo que para ellos sonaba «plebeyo») y adecuado para explicar la naturaleza desenfrenada y, según se decía, «indecorosa» del artista. Así fue como Caravaggio, desde joven, en Lombardía, se convirtió en hijo de albañil, en mezclador de cenizas y preparador de pegamentos para los pintores de Milán. El resto de su vida, especialmente en los años de Roma, Nápoles y Malta, no necesitaba ser reforzado en absoluto, pero aún así se hizo y hasta su muerte, por razones de correspondencia simbólica, se afirmó que ocurrió un año antes de lo verdadero.
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CARAVAGGIO
Caravaggio (1573-1610) es indudablemente uno de los pintores más destacados en la historia del arte. Su genialidad y su estilo único le han otorgado un lugar de honor en la pintura universal. Sin embargo, a pesar de su relevancia artística, su vida sigue siendo en gran parte desconocida para muchos.
Existen numerosos aspectos controvertidos en la vida de Caravaggio que aún generan debate. Uno de ellos es su presunta participación en un asesinato, un suceso que ha sido objeto de especulación durante siglos. Además, otro tema que ha generado controversia es el giro repentino que dio en sus obras, pasando de retratar escenas mundanas a enfocarse en temas religiosos.
Helen Langdon, luego de años de exhaustiva investigación, logra reconstruir magistralmente la época en la que vivió el pintor y los ambientes en los que se movió. Su impresionante biografía combina de manera única la trayectoria personal de Caravaggio con un análisis detallado de su evolución artística.
Su obra ha sido aclamada como la mejor biografía jamás escrita sobre Caravaggio. Langdon logra capturar la complejidad y la intensidad de este genio artístico, ofreciendo al lector una visión completa y profunda de su vida y su obra.
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CARAVAGGIO, 400 ANYS DESPRÉS (edición en catalán)
Cinco estudios de especialistas en arte nos proponen nuevas líneas de investigación en la obra de Caravaggio.
Estudio 1: La influencia de la luz y el contraste en sus pinturas
Uno de los aspectos más destacados en la obra de Caravaggio es su manejo magistral de la luz y el contraste. Los especialistas analizan cómo el uso de luces y sombras dramáticas crea una sensación de realismo en sus pinturas, y cómo esto influyó en otros artistas de la época.
Estudio 2: El simbolismo en sus composiciones
Caravaggio era conocido por su habilidad para crear composiciones llenas de simbolismo. Los expertos examinan en detalle los objetos y personajes presentes en sus pinturas, revelando significados ocultos y mensajes subliminales que el artista quería transmitir.
Estudio 3: El uso de modelos reales en sus retratos
A diferencia de otros pintores de su época, Caravaggio prefería utilizar modelos reales en lugar de idealizar a sus personajes. Los especialistas investigan la identidad de estos modelos y cómo su presencia influyó en la representación de la individualidad y el realismo en sus retratos.
Estudio 4: La técnica del claroscuro y su impacto en la pintura barroca
El uso del claroscuro, la técnica que combina fuertes contrastes entre luces y sombras, fue una de las principales contribuciones de Caravaggio al arte barroco. Los estudiosos examinan cómo esta técnica revolucionaria influyó en otros pintores de la época y marcó un antes y un después en la representación visual.
Estudio 5: La representación de lo profano en sus obras religiosas
Caravaggio desafió las convenciones artísticas al representar escenas religiosas con personajes y situaciones cotidianas. Los investigadores exploran cómo esta ruptura con las representaciones tradicionales generó polémica en su época y cómo su estilo se convirtió en un referente para futuros artistas.
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CARAVAGGIO. UNA VIDA SAGRADA Y PROFANA
El genio maldito de Caravaggio se revela en un oscuro claroscuro. Según el Daily Mail, la biografía de Andrew Graham-Dixon es una lectura obligada. Caravaggio, también conocido como Michelangelo Merisi da Caravaggio, vivió una vida oscura y peligrosa en comparación con otros grandes maestros de la pintura.
En este libro, Graham-Dixon nos sumerge en los ambientes de Milán, Roma y Nápoles por donde Caravaggio se movió. Estos lugares están llenos de cardenales y prostitutas, oraciones y violencia. En las calles que rodeaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran comunes.
En una de estas disputas, Caravaggio, impulsivo como era, mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión después de verse envuelto en otro episodio violento. Tiempo después, en Nápoles, él mismo fue víctima de un intento de asesinato. Su vida llegó a su fin mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal por sus crímenes, tenía solo 38 años.
Andrew Graham-Dixon pasó una década investigando y reuniendo evidencias sobre la vida de Caravaggio. En su libro, responde a muchas de las preguntas que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de las personas comunes, a menudo prostitutas y mendigos, que fueron modelos para las representaciones de escenas religiosas clásicas del pintor.
Graham-Dixon describe lo que realmente sucedió durante ese fatídico duelo y ofrece el relato más convincente hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. En el centro de su relato, el autor realiza una interpretación reveladora de las pinturas de Caravaggio, mostrando cómo este maestro creaba drama, inmediatez y humanidad, rompiendo drásticamente con las convenciones de su época.
La crítica ha elogiado esta biografía, considerándola impresionantemente erudita y bien escrita. Según el Daily Mail, es una extraordinaria historia de un hombre que solo nos habla a través de su pintura. The Times destaca cómo Graham-Dixon ha moldeado la vida de Caravaggio entre informes policiales y lienzos exuberantes, ofreciendo una visión profunda y vívida del artista y de la sociedad en la que vivió.
Neil MacGregor, director del British Museum, afirma que esta maravillosa biografía permite contemplar a Caravaggio con una profundidad y relieve raramente vistos. Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art, comenta que es refrescante leer una biografía que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.
Finalmente, Publishers Weekly destaca la dedicación de Graham-Dixon durante una década para investigar y escribir este libro lúcido y fascinante, resaltando su habilidad para combinar el análisis histórico y artístico con una expresión hábil y fluida. Una proeza poco común.
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CARTAS SOBRE CEZANNE
En esta Selección Doce Uvas, se recopilan las cartas de uno de los poetas más trascendentales del siglo XX, Rainer Maria Rilke. Estas cartas están dirigidas a su esposa, Clara Westhoff, y revelan la profunda influencia de su alma gemela, Cézanne.
Rilke tenía un firme propósito: pintar el mundo con palabras. En sus cartas, comparte sus opiniones con destacados artistas de su época como Orlik, Paul Klee, Vogeler, Rodin y Pasternak.
Pero también hay espacio en estas cartas para abordar los deberes de todo artista. Rilke enfatiza la importancia de la sumisión a la naturaleza y la sinceridad en la expresión artística.
Rainer Maria Rilke, nacido en Praga en 1875, es considerado uno de los poetas más relevantes del siglo XX. Durante su vida, tuvo la oportunidad de relacionarse con grandes artistas de la época, como Tolstoi, Cézanne y Zuloaga, y también trabajó como secretario de Rodin.
Entre sus obras más destacadas se encuentran las Elegías de Duino, los Sonetos a Orfeo y las Cartas a un joven poeta, las cuales también se incluyen en esta Selección Doce Uvas.
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CORPUS MURILLO: BIOGRAFIA Y DOCUMENTOS
Desde que Joachim von Sandrart fabulara la vida de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) un año después de su fallecimiento, numerosas aportaciones documentales y críticas han construido una figura artística plenamente reconocible, aunque no ajena a determinadas adherencias críticas que desvirtúan en parte su excelencia artística.
Con la celebración del IV Centenario del nacimiento del pintor, es necesario revisar el estado de la cuestión de los documentos alusivos al maestro sevillano. Para ello, acudiremos a las fuentes de archivo con nuevas lecturas y transcripciones, incluyendo además otras noticias inéditas. De esta manera, fijaremos sobre bases documentales, es decir, fehacientes, la vida de Murillo en la Sevilla de su época.
Este relato vital nos descubre una de las personalidades más respetadas del seiscientos sevillano. Murillo basaba su reputación en profundas convicciones religiosas y, sobre todo, en una independencia intelectual y profesional que lo alejaba del entorno endogámico sevillano. Esta fórmula fue clave para crear una obra artística extraordinaria que no dejó indiferente a su generación ni a las posteriores.
Pablo Hereza (Sevilla, 1964) es historiador del arte y conservador de museos.
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CORPUS MURILLO: BIOGRAFIA Y DOCUMENTOS
Con motivo del IV Centenario del nacimiento de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), es fundamental revisar la documentación que ha moldeado su figura artística a lo largo del tiempo. Desde que Joachim von Sandrart narrara la vida del pintor un año después de su muerte, diversas contribuciones han perfilado un retrato reconocible pero no exento de críticas que han cuestionado su excelencia artística.
Es imperativo acudir a las fuentes de archivo con una mirada fresca, reinterpretando y transcribiendo documentos, así como incorporando nuevos descubrimientos que permitan establecer de manera fehaciente la vida de Murillo en la Sevilla de su época. Este recuento vital revela a una de las figuras más destacadas del Siglo de Oro sevillano, cimentada en fuertes convicciones religiosas y en una independencia intelectual y profesional que lo distanció del círculo cerrado de la sociedad sevillana, creando así una obra artística extraordinaria que impactó a su generación y a las venideras.
Pablo Hereza (Sevilla, 1964) es un historiador del arte y conservador de museos que se ha dedicado a profundizar en la vida y obra de Murillo, aportando nuevas perspectivas a la comprensión de este genio del Barroco español.
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CORPUS MURILLO: BIOGRAFIA Y DOCUMENTOS
Desde que Joachim von Sandrart fabulara la vida de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) un año después de su fallecimiento, numerosas aportaciones documentales y críticas han construido una figura artística plenamente reconocible, aunque no ajena a determinadas adherencias críticas que desvirtúan en parte su excelencia artística.
Con la celebración del IV Centenario del nacimiento del pintor, es necesario revisar el estado de la cuestión de los documentos alusivos al maestro sevillano. Esta revisión implica acudir a las fuentes de archivo con nuevas lecturas y transcripciones, así como incluir otras noticias inéditas. El objetivo es fijar sobre bases documentales, es decir, fehacientes, la vida de Murillo en la Sevilla de su época.
Este relato vital descubre una de las personalidades más respetadas del seiscientos sevillano. Murillo se basaba en profundas convicciones religiosas y, sobre todo, en una independencia intelectual y profesional que lo alejaba del entorno endogámico sevillano. Esta independencia fue la fórmula para una obra artística extraordinaria que no dejó indiferente a su generación ni a las posteriores.
Pablo Hereza (Sevilla, 1964) es historiador del arte y conservador de museos.
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CORPUS MURILLO: BIOGRAFIA Y DOCUMENTOS
Desde que el historiador del arte y conservador de museos Pablo Hereza (Sevilla, 1964) revisara la vida de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), numerosas contribuciones documentales y críticas han ido conformando una figura artística ampliamente reconocible, aunque con ciertas críticas que han distorsionado en parte su excelencia artística. En el marco del IV Centenario del nacimiento del pintor, es necesario analizar el estado actual de los documentos relacionados con el maestro sevillano, recurriendo a fuentes de archivo con nuevas interpretaciones y transcripciones. Además, se deben incluir noticias inéditas que permitan establecer con bases documentales, es decir, fidedignas, la vida de Murillo en la Sevilla de su época.
Este relato vital nos descubre a una de las personalidades más respetadas del siglo XVII en Sevilla. Murillo se sustentaba en profundas convicciones religiosas y, sobre todo, en una independencia intelectual y profesional que lo alejaba del círculo cerrado de artistas sevillanos. Esta fórmula fue clave para su extraordinaria obra artística, que no dejó indiferente a su generación ni a las posteriores.
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CORPUS MURILLO: BIOGRAFIA Y DOCUMENTOS
Desde el fallecimiento de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), Joachim von Sandrart nos ha presentado una visión de su vida que ha sido ampliamente aceptada. Sin embargo, es necesario revisar el estado de los documentos relacionados con el pintor en el IV Centenario de su nacimiento. Para ello, es fundamental acudir a las fuentes de archivo y examinar nuevas lecturas y transcripciones, así como descubrir noticias inéditas que nos permitan conocer la vida de Murillo en la Sevilla de su tiempo en base a evidencias documentales.
Al analizar su vida, descubrimos que Murillo fue una figura artística reconocida y respetada en el siglo XVII en Sevilla. Su excelencia artística no estuvo exenta de críticas, pero su trabajo dejó una huella imborrable en su generación y en las siguientes. Su personalidad se basaba en profundas convicciones religiosas y en una independencia intelectual y profesional que lo alejaba del círculo cerrado de la sociedad sevillana.
Pablo Hereza, historiador del arte y conservador de museos, se ha dedicado a investigar y dar a conocer la vida y obra de Murillo. Su labor es fundamental para entender la importancia y relevancia de este gran pintor sevillano del siglo XVII.
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CORPUS MURILLO: BIOGRAFIA Y DOCUMENTOS
En el IV Centenario del nacimiento de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), es imprescindible hacer una revisión exhaustiva de los documentos que han contribuido a construir su figura artística. Desde que Joachim von Sandrart escribiera sobre la vida del pintor un año después de su muerte, se han sumado numerosas contribuciones documentales y críticas que han delineado su legado. No obstante, persisten ciertas críticas que, en parte, empañan su excelencia artística.
La vida de Murillo en la Sevilla de su época debe ser estudiada con detenimiento, recurriendo a fuentes de archivo para realizar nuevas lecturas y transcripciones. Además, es necesario incluir información inédita que permita establecer de manera fehaciente los detalles de su vida. Este relato revela a una de las personalidades más destacadas del Siglo de Oro sevillano, caracterizada por sus profundas convicciones religiosas y una notable independencia intelectual y profesional que lo distanció del entorno endogámico de Sevilla.
Pablo Hereza (Sevilla, 1964) es un reconocido historiador del arte y conservador de museos, cuyo trabajo ha contribuido al estudio y difusión del legado de Murillo.