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GEOMETRÍA DEL ORDEN
Este libro es un fascinante resultado de un viaje por la intuición creadora de Eduardo Chillida. La investigación que lo originó descubrió que la geometría está en el núcleo de su abstracción personal y no aparece como un concepto a priori, sino como uno de los elementos fundamentales de la mente del escultor. Se revelaron trazados reguladores, juegos de contrastes diversos, simetría o asimetría y congruencias musicales, todo ello sin intención aparente, sin la menor señal de haber sido deliberadamente utilizado.
Estos elementos compositivos que el cerebro del espectador percibe son el germen de la comprensión y, quizás, una puerta por la cual adentrarse y disfrutar del arte de Chillida. Su obra, con una deslumbrante riqueza en la definición del espacio, el volumen, la materia y la textura, se vuelve singularmente cercana gracias a las tramas geométricas o lógicas subyacentes. En la mente del escultor, la geometría libera sus estrategias, desde las más simples hasta las más complejas.
Este libro nos invita a realizar un viaje por el universo creativo del artista y sus armonías, revelándonos la profundidad de su pensamiento y la belleza de su obra.
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CORREGGIO DISEGNATORE (ED BILINGÜE ITALIANO-INGLES)
Los Quaderni della Fondazione Il Correggio son una serie de publicaciones que abordan diferentes temas relacionados con el arte, la historia y la cultura. En el Quaderno 3, titulado «Letture Allegriane», se exploran las obras y la vida del famoso pintor Antonio Allegri, más conocido como Il Correggio.
Il Correggio fue un artista italiano del Renacimiento que vivió en el siglo XVI. Su obra se caracteriza por su estilo único y su habilidad para representar la luz y el movimiento en sus pinturas. A lo largo del Quaderno 3, se analizan algunas de sus obras más destacadas, como «La Asunción de la Virgen» y «El Nacimiento de Venus».
Este Quaderno también ofrece una visión detallada de la vida y la carrera de Il Correggio. Se exploran sus influencias artísticas, su participación en importantes proyectos arquitectónicos y su relación con otros artistas de la época. Además, se examinan los aspectos técnicos y estilísticos de su trabajo, así como su impacto y legado en la historia del arte.
El objetivo de «Letture Allegriane» es brindar a los lectores una comprensión más profunda de la obra y el contexto en el que Il Correggio desarrolló su arte. A través de análisis detallados y citas de expertos en el campo, este Quaderno busca resaltar la importancia y la relevancia del legado artístico de Il Correggio en la actualidad.
En resumen, el Quaderno 3 de los Quaderni della Fondazione Il Correggio, titulado «Letture Allegriane», es una publicación que ofrece una visión completa de la vida y obra de Il Correggio. Con su enfoque en las principales obras y la influencia del artista, este Quaderno es una lectura imprescindible para aquellos interesados en el arte renacentista y la historia del arte en general.
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SAGRADA BENARÉS, SANTA VARANASI
SAGRADA BENARÉS, SANTA VARANASI
Varanasi, también conocida como Benarés o Kashi, es una ciudad más antigua que la historia misma. Es inmemorial y posee una larga existencia que la equipara en importancia con Jerusalén, Atenas o Pekín. Esta antigua ciudad nunca ha sido abandonada por sus habitantes, a pesar de sufrir inundaciones, invasiones y conquistas fanáticas.
Es un próspero centro espiritual, repleto de dioses, templos, ídolos y supersticiones. Es un lugar thirta, puro y poderoso; un umbral entre el cielo y la tierra, entre «esta orilla» y «la otra orilla». Es un magnífico escenario asociado a los grandes mitos, leyendas, héroes y dioses de la India y sus manifestaciones sagradas.
La ubicación particular de Benarés, su compleja geografía simbólica y su relación con el poderoso y sagrado río Ganges, han determinado la vida de la ciudad a lo largo de los siglos. Esta energía singular impregna y atraviesa a la ciudad, condensándose en su cultura, monumentos y peculiaridades del paisaje urbano. Benarés es un punto de encuentro entre el este y el norte de la India, así como el centro-norte de Nepal. Su posición central la convierte en un imán capaz de ejercer un fuerte poder de atracción e intercambio entre la diversidad de personas que la pueblan o la visitan. Además, su ubicación facilita el acceso desde todas las regiones vecinas, convirtiéndola en un lugar de encuentro de las distintas religiones asociadas al Ganges.
Benarés es considerado el ombligo de la tierra, un ónfalos indostánico que se encuentra geománticamente en las coordenadas más armoniosas del arco crucial trazado por el signo Capricornio sobre la geografía subcontinental. Este territorio capricorniano es especialmente significativo el 5 de enero, momento en el que la tierra se encuentra más cerca del sol y en alineación astral perfecta con las armonías cósmicas. Benarés representa una India anímica y emocional, en contraposición geográfica con su antagonista planetario, Estados Unidos, que encabeza los valores materialistas y corporales.
Sobre Benarés se ha escrito e ilustrado en numerosos libros, desde sus habitantes vivos hasta los que son incinerados. Se han relatado las relaciones físicas y metafísicas entre la ciudad y el río, los seis kilómetros de convivencia histórica del Ganges con el borde de la ciudad, convertidos en ghats. También se ha tratado sobre los invasores, ocupantes y visitantes, así como sobre sus ritos y festividades, su arquitectura y los proyectos urbanos pendientes de mejora y continuidad.
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PARIS-BARCELONE: DE GAUDI A MIRO. EXPOSITION, PARIS, GALERIES NAT IONALES DU GRAND PALAIS, 9 OCT. 2001-14 JANV. 2002, BARCELONE, MUSÉE PICASSO, 28 FÉV. -26 MAI 2002 (edición en francés)
(11 de octubre de 2001 – 14 de enero de 2002, Galeries nationales du Grand Palais)
Ese día, sufrí una insolación. Sí, lo has leído bien. A pesar de la fina y penetrante lluvia que empapa París, a pesar del viento frío que se cuela bajo los abrigos impermeables, a pesar de los charcos que reflejan un cielo tan sucio como ellos, sufrí una insolación. Una insolación de belleza e inteligencia. Fue en el Grand Palais, entre las 14:00 y las 16:30 horas. Microclima garantizado. Fue durante la exposición Paris-Barcelone (de Gaudí a Miró… en realidad mucho más allá, pero suena menos atractivo en un cartel). Rara vez una exposición te deja con esa sensación de plenitud y confianza en el ser humano. Rara vez te suelta en la ciudad gris con la convicción de haber aprendido algo, de ser un poco más inteligente.
Cronológica sin ser didáctica (pero mal iluminada como todas las exposiciones francesas), se despliega como un vals entre estas dos ciudades matrices que han engendrado tantos talentos… o más bien, los han criado, lo cual es mucho más difícil. Por supuesto, los nombres son tan conocidos que da la sensación de estar hojeando un álbum familiar. Pero precisamente, el increíble éxito de esta exposición es obligarte a mirar de manera diferente, con una mirada nueva, lo que parecía trillado. La exhibición de los planos en el suelo de los edificios orgánicos de Gaudí les devuelve toda su fluidez y razón de ser a imágenes casi caricaturescas por ser tan emblemáticas. La correspondencia con Guimard es inquietante en su diferencia y similitudes, como dos gemelos que han crecido separados. Un poco más adelante, el Moulin de la Galette v
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SAGRADA FAMILIA S. XX: GAUDI ARA/AHORA/NOW
Este libro nos revela cómo se lleva a cabo la aplicación constructiva de cada una de las partes del Templo a partir de una geometría simple y un desarrollo complejo. Según nos cuenta Daniel Giralt-Miracle en el prólogo, esto nos permite comprender lo que Gaudí llamaba «mi método experimental», que combina teoría y práctica, investigación científica y el oficio y la artesanía. Además, esto demuestra que en la Sagrada Familia todo sigue surgiendo del obrador, un centro de investigación que, a pesar de utilizar las herramientas tecnológicas más avanzadas, se basa en la forma de hacer más auténticamente gaudiniana.
Por lo tanto, este no es simplemente otro libro sobre Gaudí, sino que es el libro que nos revela las claves de la modulación geométrica de Gaudí. Es decir, nos proporciona el vocabulario necesario para comprender y continuar la obra de la Sagrada Familia.
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JUXTAPOZ TATTOO (edición en inglés)
En los inicios del renacimiento moderno del Tatuaje, a mediados de los años noventa, surgieron una serie de artistas destacados en Juxtapoz Tattoo. Estos artistas estaban hambrientos de un nuevo acercamiento a las artes, pero a la vez envueltos en sus tradiciones.
Ya sea dando un giro moderno a un arquetipo clásico o empujando las fronteras de la estética primitiva del futuro, estos tatuadores tienen un objetivo común: la innovación. Entre los talentosos artistas incluidos se encuentran Troy Penning, Alex McWatt, Brian Randolph y Chris O’Donnell de New York Adorned, Scott Campbell, Daniel Trocchio, Steve Boltz, Bert Krak, Henry Lewis, Joseph Ari Aloi, Jason Schroder, Eli Quinters y muchos más.
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THE DOLL’S HOUSE SHOPKEEPER: INCLUDES FIVE SHOP PLANS IN 1/12 SCA LE
Este libro contiene planes e instrucciones para crear cinco tiendas modelo de diferentes épocas en una escala de 1/12. Incluye una librería victoriana y una ferretería, una tienda de juguetes eduardiana, una sala de té de estilo art deco y una tienda de comestibles de la década de 1930, para todas las cuales proporciona consejos sobre accesorios y complementos, embalaje, letreros, pisos, escaparates y stock.
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STUDI DI STORIA DELL ARTE, ICONOGRAFIA E ICONOLOGIA:LA BIBLIOTECA DEL CURIOSO (edición en italiano)
Dal Maestro dell’Osservanza, attivo nella Siena del ‘400, ai caravaggeschi Orazio Borgianni e Carlo Saraceni; da Guercino a Mario Ceroli, dalla critica di Libero de Libero al cosiddetto «Ciborio di Sisto IV»; da Rutilio Manetti alle questioni lessicali delle «Vite» del Baglione; dall’analisi delle strutture linguistiche e retoriche sottese al metodo compositivo di Giorgio de Chirico al riesame della «disputa critica del Barocco»; dalla ricognizione del pensiero di Lionello Venturi sul ritratto antico all’indagine sul processo d’informatizzazione di Iconclass; dalla cultura domenicana di Caterina da Siena, a quella francescana e al suo profondo amore per la Creatura; dalla contemplatività di san Girolamo al carisma profetico di Giobbe; dalla revisione ideologica imposta alla figura di san Carlo Borromeo alla mariologia di sant’Ambrogio; dall’iconografia alla filologia, dalla ricerca archivistica all’iconologia.
I saggi di questa raccolta, scritti fra il 1997 e il 2006, sono collegati dall’idea della profonda continuità della Tradizione, che vige anche al di là delle fratture e delle discontinuità, e che ancora in questi tempi, nascostamente, mantiene viva la nostra identità.
Non può esistere idea dell’uomo che non si radichi nella realtà di una Tradizione che, da quello creata, finisca per accoglierlo nella propria rete, trascenderlo e organizzarne il pensiero, l’esperienza e anche la capacità di trasporre sul piano dell’azione l’esperienza così acquisita.
I saggi qui raccolti vorrebbero, in questo senso, sottrarsi alla semplice definizione di «studi di storia dell’arte», aspirando a essere, nella loro prospettiva interdisciplinare, indagini su come l’uomo ha organizzato in piena coscienza, nel corso del tempo e in epoche diverse, la propria «autorappresentazione» culturale, confidando che l’opera d’arte non sia solo un campo di sperimentazione della forma e del colore in rapporto alla visione, bensì anche e soprattutto una cosciente e volontaria rappresentazione del sistema dei valori e delle conoscenze dell’uomo, e in ultimo delle sue aspirazioni, non dimenticando che l’arte è un riflesso dell’anima umana.
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STUDI SU RAFFAELLO (edición en italiano)
El volumen recopila una selección de contribuciones sobre Raffaello de John Shearman, un historiador del arte inglés fallecido en 2003, reconocido unánimemente como uno de los estudiosos más sólidos y perspicaces del Renacimiento italiano y, en particular, de Sanzio. Esta colección incluye artículos y ensayos sobre el tema, publicados entre 1959 y 1986 en varios lugares y hasta ahora nunca traducidos.
A través de un enfoque metodológico ejemplar, que entrelaza el análisis del proceso creativo del artista con el estudio de los dibujos y una reconstrucción del contexto de la cultura figurativa, el autor ilustra algunas de las obras más famosas y los principales aspectos de la actividad de Raffaello, como la organización del taller, la comisión y la relación con los mecenas y la literatura.
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MUSEO DEL PRADO Y EL ARTE CONTEMPORANEO
Dieciséis especialistas internacionales altamente cualificados en historia del arte demuestran cómo se ha articulado el mejor arte de vanguardia del siglo XX a partir del arte tradicional. Esto ha sido posible gracias al diálogo constante que se ha establecido entre el pasado y el futuro.
El arte de vanguardia del siglo XX ha sido una manifestación artística que ha revolucionado el panorama cultural. En este sentido, los dieciséis especialistas en historia del arte analizan cómo este movimiento ha encontrado su inspiración en las raíces del arte tradicional.
El diálogo constante entre el pasado y el futuro ha sido fundamental en la evolución del arte de vanguardia. Los artistas han tomado elementos y técnicas del arte tradicional para crear nuevas formas de expresión. Esto ha permitido que el arte de vanguardia se renueve constantemente y se mantenga en constante evolución.
Los especialistas internacionales en historia del arte han estudiado minuciosamente cada movimiento artístico del siglo XX y han identificado cómo se han utilizado referencias históricas para crear obras innovadoras. El análisis exhaustivo de estas conexiones entre el pasado y el futuro revela la importancia de esta interacción en el desarrollo del arte de vanguardia.
El arte de vanguardia del siglo XX no ha sido una ruptura total con el pasado, sino más bien una evolución natural. Los artistas han tomado inspiración de las obras de los grandes maestros del pasado y han reinterpretado y reinventado sus ideas y técnicas. Esto ha permitido que el arte de vanguardia sea una expresión única y original, pero a la vez enraizada en la tradición artística.
En conclusión, la investigación llevada a cabo por los dieciséis especialistas internacionales en historia del arte demuestra que el mejor arte de vanguardia del siglo XX se ha articulado a partir del arte tradicional. El diálogo constante entre el pasado y el futuro ha sido clave en este proceso, permitiendo que el arte de vanguardia se renueve y evolucione constantemente.
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HISTORIAS MORTALES
Aunque el tema de las ‘historias mortales’ en el arte occidental tiene una delimitación académica clara, su importancia en el arte contemporáneo nos obliga a ampliar nuestra perspectiva y considerar otras disciplinas en su análisis. Es imprescindible tener en cuenta todo lo que se ha escrito recientemente sobre este polémico asunto desde diferentes puntos de vista.
La obra ‘La muerte de la Historia’ de Francisco Calvo Serraller aborda este tema de manera revolucionaria, desbordando los límites convencionales y abriendo espacio para el material variado que la era contemporánea nos ha brindado. Este título en particular nos invita a reflexionar sobre la trascendencia de este concepto en el arte actual.
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CULTURAL TREASURES OF THE WORLD: FROM THE RELICS OF ANCIENT EMPIRES TO MODERN-DAY ICONS (edición en inglés)
Embárcate en un recorrido guiado a través de la historia y descubre los objetos más preciosos, icónicos y celebrados jamás creados.
Reverenciados, admirados y protegidos, cada país y cultura tiene ciertos artefactos que son valorados por encima de todos los demás. Tesoros Culturales del Mundo reúne más de 200 de estos objetos, explorando las fascinantes y únicas historias detrás de cada uno de ellos.
Desde el Busto de Nefertiti hasta las Bronces de Benín, y las pinturas de la cueva de Altamira hasta los Girasoles de Van Gogh, estos artefactos y obras de arte son venerados por su belleza, artesanía o significado histórico, y a menudo los tres a la vez. Descubre cómo y por qué fueron creados, desentraña los significados ocultos y la simbología que contienen, y aprende sobre el legado cultural que han dejado atrás.
Entonces, ¿qué estás esperando? Sumérgete en este impresionante libro de historia del arte para explorar:
- Un enfoque de «visita visual» inmersiva, que combina fotografías impresionantes con un texto y anotaciones accesibles
- Casillas de información sobre influencias culturales, simbolismo y técnica que ofrecen contexto adicional
- Cubre una amplia gama de regiones, períodos y medios, incluyendo escultura, pintura, joyería, tapicería, arte rupestre, documentos, objetos sagrados y más
Un tesoro de la creatividad humana que ofrece una perspectiva fresca e inolvidable sobre civilizaciones y sociedades, Tesoros Culturales del Mundo es el regalo perfecto para amantes de galerías y museos, y viajeros de sofá en todas partes. Además de ser un gran libro de mesa de café, Tesoros Culturales del Mundo combina fotografías impresionantes con anotaciones detalladas para resaltar los elementos clave de técnica, artesanía y simbolismo, lo que convierte a este libro en un museo perfecto para cualquier persona interesada en el arte, la historia y la cultura por igual.
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LOS SIGLOS DEL BARROCO
Este libro forma parte de una serie que tiene como objetivo abarcar de manera general y concisa una Historia completa del Arte Español, junto con las obras del Renacimiento y del Neoclasicismo al impresionismo. El presente volumen, siendo el primero en ser editado, se centra en el periodo barroco y abarca todas las manifestaciones artísticas que se incluyen comúnmente en los programas de Historia del Arte, como la arquitectura, la pintura y la escultura.
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GRANADA CONTEMPORÁNEA. 35 ARTISTAS
Granada contemporánea: 35 artistas, es un libro que explora la trayectoria y el impacto de numerosos artistas plásticos que han dejado su marca en Granada en las últimas dos décadas. A través de esta obra, se examinan los orígenes, las inquietudes, la evolución y los procesos creativos de estos artistas, muchos de los cuales tienen fuertes lazos con la ciudad de la Alhambra.
Estos artistas, ya sea que hayan nacido en Granada o no, han logrado un reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional a lo largo de sus extensas carreras profesionales. Granada contemporánea: 35 artistas, ofrece un análisis profundo de sus obras, explorando temas clásicos del arte como la naturaleza, la abstracción, la figura humana y el misticismo.
Este enfoque amplía los argumentos artísticos de la tradición europea y española, al incorporar la modernidad de estos artistas españoles que actúan como puente entre el siglo XX y el siglo XXI. Los textos de Pilar Aranda, Óscar Alonso Molina, Mar Villafranca y Juan Alfonso Contreras proporcionan una mirada enriquecedora y perspicaz sobre la obra de estos artistas.
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COLOR MATCHING
Los diseñadores emplean una amplia gama de conceptos específicos, como el branding, el diseño editorial o el packaging, para analizar cómo los colores y sus múltiples combinaciones se utilizan de manera simultánea y estratégica. Su objetivo es otorgar fuerza a su mensaje e intensificar la eficacia del lenguaje gráfico.
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RESTAURACION DE LA TORRE Y EL CLAUSTRO DE LA CATEDRAL DE OVIEDO
Este nuevo proyecto editorial se centra en la catedral de Oviedo y detalla las obras de restauración realizadas en su torre gótica y claustro. Los autores han recopilado todos los estudios realizados sobre la historia, arquitectura, iconografía, decoración, petrología y arqueología de estas áreas restauradas, abordando tanto las intervenciones y técnicas utilizadas como los registros gráficos del estado inicial y final.
La publicación resultante complementa y actualiza el trabajo realizado por Ediciones Nobel en 1999, acercando al lector al conjunto de la catedral de Oviedo y sus contenidos. Además, se hace referencia al grado de desarrollo y cumplimiento del Plan Director durante sus nueve años de vigencia.
Como síntesis del proceso constructivo de este edificio tan complejo, se incluye un plano desplegable con la planta general de la catedral y su crecimiento orgánico a lo largo de un milenario proceso de agresiones y reformas.
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LOS VALETS DE CHAMBRE DE LOS DUQUES DE BORGOÑA Y SUS TAREAS ARTISTICAS (1419-1477)
El grupo social de los valets de chambre desempeñó un papel relevante en las estructuras cortesanas del Estado borgoñón durante los gobiernos de Felipe el Bueno y Carlos el Temerario. Esto se desprende de los privilegios que disfrutaban, los salarios que les correspondían y la identificación de sus profesiones, lo que demuestra la diversidad de la cámara ducal.
Estos valets de chambre no solo se encargaban de tareas administrativas, sino que también desempeñaban un papel artístico de gran importancia. Entre sus responsabilidades destacaba su contribución a la preparación de las fiestas cortesanas, donde su labor tenía un impacto significativo en la creación de la iconografía del poder.
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LIVING IN COLOR
Sumérgete en la última tendencia de inyectar color en la decoración de tu hogar con esta cuidadosa y elegante selección de interiores en una amplia gama de tonos y matices. El libro «El Color en el Diseño de Interiores» te invita a explorar y disfrutar de la creciente tendencia de vivir y transformar nuestros espacios domésticos en lugares vibrantes y llenos de color.
Organizado de manera temática por colores, desde el blanco más puro hasta el negro más profundo, desde los rosas, rojos y naranjas más cálidos hasta los verdes más frescos o los azules más tranquilos, este libro es una completa investigación y celebración de la influencia del color en el diseño de interiores.
Descubre una amplia variedad de interiores, desde dormitorios y comedores hasta baños y aseos, todos diseñados por reconocidos nombres de la industria, así como por talentosos diseñadores emergentes. Cada espacio está cuidadosamente seleccionado para mostrarte cómo el color puede transformar y dar vida a cualquier ambiente.
Los textos de este libro están a cargo de la diseñadora India Mahdavi y la comisaria Stella Paul, autora de «Arte y Alquimia: La Historia del Color en el Arte», también publicado por Phaidon.
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RANDO: PAISAJES DE PINTURA
En la impresionante colección de pinturas de Rando, se pueden apreciar una gran cantidad de obras dedicadas al paisaje. En ellas, se destacan los árboles por su inusual y llamativa paleta de colores.
Los árboles, en ocasiones, tienen la capacidad de sorprendernos y cautivarnos con su belleza. A través de la mirada artística de Rando, estos seres vivos se convierten en protagonistas de sus cuadros, mostrando colores que van más allá de lo común.
En estas pinturas, podemos encontrar árboles que desafían la realidad y se visten de tonalidades vibrantes y poco convencionales. Rojos intensos, verdes eléctricos, amarillos brillantes o incluso azules profundos, son solo algunas de las opciones que Rando utiliza para retratar estos impresionantes ejemplares de la naturaleza.
Esta elección de colores inusuales nos invita a reflexionar sobre la diversidad y la singularidad que existe en el mundo natural. Los árboles, al igual que las personas, tienen su propia personalidad y belleza única.
Al contemplar estas obras, nos sumergimos en un mundo de fantasía y admiración. Nos encontramos con un paisaje que, aunque familiar, se presenta transformado por la visión del artista. Los árboles se convierten en protagonistas indiscutibles, capturando nuestra atención y despertando emociones en nosotros.
La colección de pinturas de Rando nos invita a apreciar y valorar la belleza que nos rodea, incluso en los elementos más comunes de la naturaleza. Nos muestra que los árboles, a veces, son mucho más que simples seres vivos que decoran nuestro entorno, sino que también son una fuente de inspiración y sorpresa.
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LA PRACTICA DEL PLANEAMIENTO URBANISTICO
Luis Moya González, editor. El planeamiento urbano es una actividad esencial y necesaria para garantizar el correcto ordenamiento de la ciudad y lograr que esta sea más cómoda y hermosa. En este libro, dirigido tanto a estudiantes universitarios como de postgrado, se abordan los procesos de planeamiento urbanístico y se brinda una guía para aquellos que deseen participar en esta actividad profesional.
El objetivo principal de este libro es proporcionar a los lectores una comprensión sólida de los principios y conceptos fundamentales del planeamiento urbano. Además, se abordan los aspectos técnicos y legales que los técnicos de las distintas administraciones deben tener en cuenta al llevar a cabo esta tarea.
El contenido de este libro se divide en varias secciones, comenzando con una introducción que explora la importancia del planeamiento urbano y su impacto en la calidad de vida de los ciudadanos. A continuación, se analizan los diferentes enfoques y metodologías utilizados en el proceso de planeamiento, destacando la importancia de la participación ciudadana y la sostenibilidad.
Posteriormente, se abordan temas específicos como la zonificación, la planificación de infraestructuras, la conservación del patrimonio cultural y la gestión del espacio público. Cada tema se presenta de manera clara y concisa, con ejemplos prácticos y estudios de caso que ilustran su aplicación en la práctica.
Además, se incluyen herramientas y recursos útiles para aquellos que deseen profundizar en el estudio del planeamiento urbano, como referencias bibliográficas y enlaces a sitios web especializados. También se brindan consejos prácticos para aquellos que deseen iniciar una carrera en el campo del planeamiento urbano, incluyendo información sobre oportunidades laborales y perspectivas futuras.
En resumen, este libro ofrece una visión completa y actualizada del campo del planeamiento urbano, dirigido tanto a estudiantes como a profesionales en busca de una guía práctica y sólida. Con su enfoque claro y accesible, se convierte en una herramienta indispensable para aquellos interesados en contribuir al desarrollo de ciudades más habitables y sostenibles.
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ZHANG HUAN
Zhang Huan (nacido en 1965) es uno de los artistas más importantes e innovadores de la China contemporánea. En la década de 1990, logró llamar la atención internacional hacia la floreciente escena artística china a través de una serie de performances que desafiaban las normas establecidas.
Su obra continúa explorando las tragedias de la condición humana y la esencia espiritual del budismo, utilizando una amplia gama de medios que incluyen fotografía, pintura y escultura monumental.
El trabajo de Zhang ha sido exhibido en los museos más prestigiosos del mundo y en exposiciones internacionales, como la Bienal de Venecia en 1999, la Trienal de Yokohama en 2001 y la Bienal de Whitney en 2002.
Esta monografía representa el primer análisis completo de la carrera del artista, desde sus inicios en la escena artística comunitaria del East Village de Pekín, hasta su gran avance en Nueva York y su regreso a Shanghái, donde actualmente dirige un estudio con más de 40 asistentes.
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CHOOSING AND USING PAPER FOR GREAT GRAPHIC DESIGN (edición en inglés)
Trabajo inspirador combinado con consejos prácticos. En el mundo de la impresión, la elección del papel influye en cada proyecto de diseño, y los diseñadores a menudo se quejan de la falta de material de referencia realmente bueno para proyectos que requieren una fuerte aportación de diseño. Elegir y usar papel para un gran diseño gráfico llena este vacío. Los estudios de caso detallan cómo se eligió el papel, los tratamientos innovadores aplicados (plegado, encuadernación, corte, relieve, impresión, etc.) y por qué hacen que la pieza sea exitosa. Al resaltar lo que fue posible a través de la elección del papel y cómo afectó al diseño final, esta guía muestra cómo el papel influye y mejora el diseño gráfico y explica cómo elegir y usar el papel adecuado para el trabajo. Explica cómo convertir ideas en realidad. Un recurso principal para inspirar el pensamiento original y creativo, este libro muestra los mejores diseños creados a través del uso ingenioso e innovador del papel y las técnicas de impresión. Se cubren todos los presupuestos y se presenta un trabajo internacional de empresas de diseño conocidas y desconocidas. Cada proyecto aprovecha al máximo las diferentes cualidades del papel. Juntos revelan el tremendo trabajo de diseño que se puede lograr en la producción impresa. Solo derechos de América del Norte.
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LA ERA DE LA DISCREPANCIA: ARTE Y CULTURA VISUAL EN MEXICO, 1968- 1997
Revisión histórica del arte mexicano desde el surgimiento de la insurrección zapatista hasta los movimientos artísticos que surgen a partir del movimiento estudiantil de 1968.
Testimonio documentado de la transición entre el arte apoyado por el estado y la relativa integración de un arte más internacional a un circuito global.
Este periodo, muchas veces olvidado a nivel local, es virtualmente desconocido fuera de México.
La presente reedición revisada y ampliada cuenta con una nueva cubierta.
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LEONARDO DA VINCI (edición en inglés)
Leonardo da Vinci, conocido como uno de los artistas más influyentes del Renacimiento, nació el 15 de abril de 1452 en Vinci, Italia. Fue pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, anatomista y científico, lo que lo convierte en una figura multifacética y excepcional.
Desde temprana edad, Leonardo mostró un gran interés por el arte y la exploración de diferentes disciplinas. Aprendió de maestros destacados en Florencia y desarrolló su propio estilo único, caracterizado por su destreza técnica y su atención meticulosa a los detalles.
Una de las obras más famosas de Leonardo da Vinci es la pintura «La Mona Lisa», que captura la enigmática sonrisa de una mujer. Esta obra maestra ha sido objeto de estudio y admiración durante siglos, y es considerada una de las pinturas más reconocidas en la historia del arte.
Además de su talento artístico, Leonardo también era un innovador en muchas otras áreas. Realizó numerosos estudios y diseños en campos como la ingeniería, la anatomía y la arquitectura. Sus bocetos detallados y sus ideas visionarias demostraron su genialidad y su capacidad para imaginar el futuro.
Leonardo da Vinci fue un adelantado a su tiempo y sus contribuciones han dejado un legado perdurable en la historia. Sus obras de arte y sus ideas revolucionarias continúan inspirando a artistas y científicos en la actualidad, mostrando la importancia de la creatividad y la curiosidad en la búsqueda del conocimiento.
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DREAM. DESIGN. LIVE. (edición en inglés)
En Dream Design Live, la decoradora Paloma Contreras va más allá del diseño de interiores para mostrar a los lectores cómo habitar sus hogares de manera satisfactoria y hermosa. Dividido en tres secciones, este libro trabajador demuestra que los interiores más atractivos son también los más personales. Contreras guía a los lectores a través del proceso de diseño y los anima a buscar inspiración en el enfoque que mejor les funcione.
Desde pensar de manera creativa para mejorar tanto tu hogar como tu vida, hasta mostrarte cómo convertir tus sueños en realidades, la autora revela cómo puedes tomar el espacio acogedor que acabas de crear y pasar tiempo significativo allí persiguiendo las actividades que amas. Con impresionantes fotografías y consejos accesibles pero elegantes, Dream Design Live fusiona consejos de decoración de interiores con recomendaciones de estilo de vida y demuestra cómo vivir una vida feliz y satisfactoria comienza en casa.
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JEAN-MICHEL BASQUIAT: DIPINTI (edición en italiano)
Jean-Michel Basquiat fue una figura destacada en la escena artística de los años ochenta en Nueva York, ciudad en la que nació en 1960. A través de unos cincuenta cuadros y algunos de sus primeros dibujos, la exposición en el Chiostro del Bramante en Roma repasa la corta pero intensa carrera de este artista, que comenzó en 1981 con su primera exposición oficial en el PSI de Nueva York y terminó en 1988 con su prematura muerte por sobredosis.
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PINO PASCALI (edición en italiano)
Creo que una gran exposición de Pino Pascali en el Castel Sant’Elmo es una continuidad ideal con otras tres importantes y extraordinarias muestras que, en años anteriores, han puesto los fascinantes espacios expositivos de la fortaleza napolitana en la atención del público internacional.
El Castel Sant’Elmo en Nápoles es un lugar emblemático que ha albergado diversas exposiciones de renombre a lo largo de los años. En esta ocasión, la muestra de Pino Pascali promete ser una exhibición fascinante que deleitará a los amantes del arte contemporáneo.
Pino Pascali fue un destacado artista italiano conocido por su enfoque innovador y vanguardista. Su obra abarcó diferentes medios, como escultura, pintura y performance. Esta exposición en el Castel Sant’Elmo es una oportunidad única para explorar la evolución de su carrera y sumergirse en su creatividad sin límites.
La muestra se presenta como un viaje a través de las distintas etapas de la vida artística de Pascali. Desde sus primeras obras experimentales hasta sus creaciones más maduras, los visitantes podrán apreciar la versatilidad y originalidad de su estilo. Las esculturas de Pascali, en particular, destacan por su uso ingenioso de materiales no convencionales y su capacidad para desafiar las expectativas del espectador.
El Castel Sant’Elmo, con su arquitectura imponente y su ubicación privilegiada en la cima de una colina, proporciona el escenario perfecto para esta exposición. Los espacios expositivos cuidadosamente diseñados realzan la belleza de las obras de Pascali y permiten una experiencia inmersiva para los visitantes.
Además de la exposición de Pino Pascali, el Castel Sant’Elmo ha sido sede de otras tres importantes muestras en años anteriores. Estas exhibiciones han dejado una huella duradera en el panorama artístico, atrayendo la atención de críticos y aficionados de todo el mundo.
La combinación de la rica historia del castillo con la energía y la creatividad de las exposiciones contemporáneas ha convertido al Castel Sant’Elmo en un destino imprescindible para los amantes del arte. La muestra de Pino Pascali se suma a esta tradición y promete ser una experiencia única que cautivará a todos aquellos que la visiten.
En resumen, la gran muestra de Pino Pascali en el Castel Sant’Elmo es una oportunidad imperdible para admirar la obra de este destacado artista italiano. Con su enfoque innovador y su capacidad para desafiar las convenciones, Pascali dejó un legado duradero en el mundo del arte. Esta exposición en el Castel Sant’Elmo es una manera ideal de explorar su obra y sumergirse en su creatividad sin límites.
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ARTE DEL SIGLO XIX
El XVI Curso de la Cátedra Goya de la IFC, celebrado en octubre de 2012, fue un evento lleno de aprendizaje y conocimiento. Durante esta edición, se impartieron varias lecciones que dejaron una huella duradera en los asistentes.
Una de las lecciones destacadas fue la importancia de la creatividad en el arte. Los expertos destacaron cómo la originalidad y la innovación son elementos esenciales para destacarse en el mundo artístico. Además, se enfatizó la importancia de la experimentación y el atrevimiento para romper barreras y explorar nuevas formas de expresión.
Otra lección importante fue la necesidad de conocer la historia del arte. Los ponentes hicieron hincapié en la importancia de estudiar y comprender las obras de los grandes maestros, ya que esto proporciona una base sólida para el desarrollo artístico. Además, se destacó cómo el arte del pasado puede influir y enriquecer la creatividad contemporánea.
Además, se abordó la importancia de la técnica en el arte. Los expertos compartieron sus conocimientos sobre diferentes técnicas y materiales, y cómo su dominio puede potenciar la expresión artística. Se hizo hincapié en la práctica constante y la dedicación para perfeccionar las habilidades técnicas.
Por último, se discutió la relevancia de la crítica constructiva en el desarrollo artístico. Los asistentes aprendieron a recibir y utilizar el feedback de manera positiva, comprendiendo que la crítica puede ser una herramienta valiosa para el crecimiento personal y profesional.
En resumen, el XVI Curso de la Cátedra Goya de la IFC fue un evento enriquecedor que dejó importantes lecciones sobre la creatividad, la historia del arte, la técnica y la crítica constructiva. Estas enseñanzas son fundamentales para todo aquel que desee adentrarse en el mundo del arte y desarrollar su propio estilo único.
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RECOPILANDO RECUERDOS
Recopilando Recuerdos es un libro que recoge una selección de poemas y escritos del autor. En su primera parte, el autor ha rescatado aquellos escritos que pudo salvar a lo largo del tiempo. Son fragmentos de su pasado, recuerdos plasmados en palabras.
Después de esta primera recopilación, el autor ha continuado escribiendo, explorando tanto la poesía como la narrativa de forma esporádica. Sus palabras fluyen de su mente, buscando plasmar sus pensamientos y emociones en cada línea.
El objetivo final del autor era culminar este proyecto y publicar al menos los poemas en un libro. Este libro se convierte en un testigo de su evolución como escritor, un reflejo de su trayectoria literaria.
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ISABEL SALUDES (edición en catalán)
El libro nos lleva a través de la dilatada trayectoria artística de la pintora Isabel Saludes (Alforja, 1946), haciendo especial mención a sus exposiciones más destacadas, tanto nacionales como internacionales (Alemania, Japón, Portugal, Francia y Suiza), y presenta al lector un estudio detallado de su obra en relación a los grandes temas de la pintora: el espacio, el mundo de los objetos y la naturaleza, así como el vínculo entre pintura y poesía.
La obra de Isabel Saludes se caracteriza por una cuidada elaboración pictórica y un tratamiento refinado del color, la luz y el espacio. Su obra es preferentemente abstracta, pero siempre con la presencia de algún objeto referencial de carácter intimista.
El volumen incluye la traducción de los textos al castellano y al inglés.
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ARTETA: ESTUDIO DE LA FIGURA
El análisis de la obra de Aurelio Arteta, un pintor de formación academicista y con un gran conocimiento del dibujo, nos sirve como punto de partida para demostrar que los pintores más respetuosos con la morfología de las figuras no hacen simplemente una copia de la realidad, sino que realizan una interpretación única.
Para comprender mejor su arte, es importante estudiar la sociedad bilbaína en la que Arteta se formó, así como los diferentes ambientes artísticos en los que vivió en París, Madrid y Bilbao. Estos contrastados entornos influyeron en su estilo y en su visión del arte.
La obra de Arteta pone de manifiesto unos hábitos representativos, una libertad y una seguridad adquiridas a lo largo de los años como pintor, así como sus recursos interpretativos. Cada pincelada y cada trazo reflejan su madurez artística.
El método de confrontación entre figuras y dibujos que analizan la morfología real es empleado por Arteta en su obra. A través de esta técnica, podemos apreciar cómo el artista no se limita a copiar la forma de las figuras, sino que las interpreta y las transforma en su propia visión artística.
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LIVING WILD: HOW TO PLANT STYLE YOUR HOME AND CULTIVATE HAPPINESS (edición en inglés)
En Living Wild, Hilton Carter, reconocido estilista de plantas, autor, diseñador y padre de familia, explora múltiples formas de decorar tu hogar con plantas y cultivar la felicidad en el camino.
Los beneficios terapéuticos de vivir y cuidar plantas son ampliamente conocidos; ofrecen una conexión con el mundo natural que nutre nuestra salud mental y física. En su último libro, Hilton muestra cómo crear un espacio exuberante y elegante con plantas prósperas que llenen de vida tu hogar y promuevan una mentalidad feliz y satisfecha.
Discute opciones de diseño de interiores, como elegir la paleta de colores adecuada, texturas y materiales para resaltar la hermosa vegetación, y luego se sumerge en el arte de la decoración. Desde escoger la maceta perfecta hasta las plantas llamativas, pasando por las piezas centrales, el arte vivo y las macetas colgantes, así como los espacios exteriores y las plantas para niños, Living Wild está repleto de ideas de diseño y decoración que difuminan los límites entre el interior y el exterior.
Finalmente, visitamos 8 hogares únicos que han sido estilizados por Hilton con plantas y examinamos detenidamente sus diez mejores plantas de diseño, junto con consejos de cuidado e información.
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J APPRENDS À DESSINER L OR: MON CARNET À BIJOUX (edición en francés)
¡Una metodología única al alcance de todos! Este práctico libro es una perfecta introducción al dibujo y la pintura de joyas en oro. No es necesario saber cómo sostener un pincel para probar esta técnica perfectamente adaptada a principiantes. Creada por un reconocido autor, profesor experimentado en la Escuela Boulle y diseñador para las grandes joyerías de la Place Vendôme, enseña paso a paso todas las etapas para convertir el boceto de un modelo en una joya altamente realista.
Dibujar y pintar joyas nunca ha sido tan accesible, gracias al aprendizaje de las bases clásicas, desde el dibujo a mano alzada hasta el uso del pincel. Después de aprender a representar las joyas propuestas como modelos en este libro, será posible dibujar, inventar y diseñar tus propias joyas, ¡permitiendo que el artista en ti se desarrolle plenamente! 50 modelos de joyas, 5 pasos explicados detalladamente, un mínimo de material requerido. Especialmente diseñado para principiantes.
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EGON SCHIELE: L AMOUR ET LA MORT (edición en francés)
Jane Kallir, autora de numerosos libros sobre Egon Schiele, incluyendo el catálogo razonado de su obra, ofrece aquí una fascinante visión general de la vida y obra del artista, a través de pinturas, dibujos en colores y fotografías. La mayoría de las obras presentadas aquí provienen de la excepcional colección del Albertina de Viena.
Egon Schiele, nacido el 12 de junio de 1890 en Tulln, Austria, fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su estilo único y expresivo dejó una huella duradera en el mundo del arte.
Desde temprana edad, Schiele mostró un talento extraordinario para el dibujo y la pintura. A la edad de 16 años, ingresó a la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió bajo la tutela de Gustav Klimt, otro destacado pintor de la época.
La obra de Schiele se caracteriza por su enfoque audaz y provocativo de la figura humana. Sus retratos y autorretratos revelan una intensidad emocional única, capturando la vulnerabilidad y el deseo de sus sujetos.
A lo largo de su carrera, Schiele exploró temas como la sexualidad, la muerte y la alienación. Sus obras desafían las convenciones sociales y despiertan una gama de emociones en el espectador.
Trágicamente, la vida y carrera de Schiele fueron truncadas por su prematura muerte a la edad de 28 años, durante la pandemia de gripe de 1918. Sin embargo, su legado perdura y su influencia en el arte contemporáneo sigue siendo innegable.
Este libro, con su cuidada selección de obras y su exhaustiva investigación, es una invitación a adentrarse en el mundo de Egon Schiele y apreciar la profundidad y la belleza de su obra.
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FRIZIE
La guía definitiva de los últimos 25 años de arte contemporáneo, vista a través del filtro de la revista de arte contemporáneo líder en el mundo, Frieze. A to Z del Arte Contemporáneo traza el dinámico y cambiante paisaje del arte y la cultura contemporánea de los últimos veinticinco años. Basándose en el excepcional catálogo de artículos de la revista Frieze, este libro reúne una cuidada selección de más de cincuenta destacados momentos. Presenta entrevistas a artistas, ensayos sobre temas tan variados como los museos, la fotografía, el arte prehistórico y la televisión, y reflexiones sobre temas culturales más amplios, como la fama, la gentrificación, la nostalgia y el estilo. El contenido del libro – seleccionado de toda la historia de la revista – ofrece una guía de esta era dinámica de la cultura visual, revelando el creciente internacionalismo, la popularidad y la dominación del mercado del arte contemporáneo.
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ARTE DESPUES DE LA MODERNIDAD: NUEVOS PLANTEAMIENTOS EN TORNO A L A REPRESENTACION
Arte después de la modernidad recoge veinticinco ensayos que ofrecen una visión general de las direcciones más interesantes que ha tomado el arte y la crítica recientes. Este derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha generado una sorprendente variedad de respuestas artísticas y críticas.
Estos ensayos abordan temas como el declive de la ideología moderna en las artes y la aparición de diversas prácticas artísticas posmodernas. También exploran las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía, así como las investigaciones de artistas en el ámbito de las artes plásticas sobre los medios de comunicación y el tipo de imágenes que utilizan.
Además, se analiza la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación se presenta como una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que impulsan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance conocido como posmodernidad.
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PICASSO Y LAS JOYAS DE ARTISTA/PICASSO ET LES BIJOUX D ARTISTE
Alrededor del cuello, en las orejas, en la muñeca o en el dedo, en una manga o en el pecho, la joya puede apropiarse de cualquier parte del cuerpo o del vestido. Es en este acto de apropiación donde reside su poder y encanto. Cada vez que una persona decide utilizar una joya, está eligiendo llevar consigo una pequeña obra de arte.
La joyería es mucho más que un simple accesorio. Es una forma de expresión única, una manera de comunicar nuestro estilo y personalidad al mundo. Ya sea un collar elegante, unos pendientes llamativos o un anillo delicado, cada joya tiene su propia historia que contar.
Cuando un artista crea una joya, está introduciendo su arte en la esfera más personal de su obra. Cada detalle, cada elección de materiales y cada diseño están impregnados de la visión y el talento del creador. Es a través de la joya que el artista transmite su mensaje al espectador, creando una conexión única entre el objeto y su portador.
Además de su valor estético, la joyería también puede tener un significado simbólico. Un anillo puede representar el compromiso y el amor en una relación, mientras que un collar puede ser un símbolo de estatus o de pertenencia a una determinada cultura o grupo. Cada joya tiene el poder de evocar emociones y contar historias, convirtiéndose en un tesoro preciado para quien la lleva.
La joyería es una forma de arte que trasciende el tiempo y las culturas. A lo largo de la historia, las joyas han sido utilizadas como símbolos de poder, riqueza y belleza. Desde las antiguas civilizaciones hasta los diseñadores contemporáneos, la joyería ha sido apreciada y valorada por su capacidad de realzar la belleza natural y capturar la esencia de su época.
En resumen, la joyería es mucho más que una simple adorno. Es una forma de arte que nos permite llevar con nosotros una pequeña obra maestra. Cada joya es única y especial, una expresión de nuestro estilo y personalidad. Alrededor del cuello, en las orejas, en la muñeca o en el dedo, la joya tiene el poder de transformar y embellecer nuestro aspecto, mientras nos conecta con el talento y la visión del artista que la creó.
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LA HERENCIA ICONOGRAFICA DE LA CIUDAD
Un estudio exhaustivo sobre la evolución de las ciudades en Europa desde la Edad Media temprana, a través de los cambios en su apariencia formal y conceptual, con el objetivo de desentrañar sus claves y origen.
Las ciudades con una historia pasada contienen un mensaje encriptado de intenciones y símbolos, que es crucial rescatar de los archivos y preservar de la difuminación. En el mapa genético de las antiguas ciudades europeas, encontramos numerosos patrones comunes, resultado de intercambios e influencias. Sin embargo, también existen elementos individuales y únicos que resaltan el carácter y la peculiaridad inigualable de cada lugar.
Es importante recordar las palabras de Aldo Rossi como punto de partida: «Las ciudades, a pesar de su duración a lo largo de siglos, no son más que grandes campamentos habitados por vivos y muertos, donde solo permanecen algunos elementos como señales, símbolos y advertencias».
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FRA GIOVANNI ANGELICO. PITTORE MINIATORE O MINIATORE PITTORE? (edición en italiano)
Catálogo de la exposición: Florencia, Museo de San Marco 20 de diciembre de 2007 – 29 de marzo de 2008. Mientras las pinturas murales y los paneles de Fra Angelico son visibles para los visitantes del Museo de San Marco, así como en otros museos y lugares que conservan pruebas de su obra, la situación es diferente en el caso de los códices iluminados, que solo pueden ser expuestos temporalmente al público con los dispositivos – explicaciones, catálogos, soportes informáticos – necesarios para compartir con el público en general la apreciación de las miniaturas.
La exposición ha generado, por lo tanto, un «producto» informático, inspirando la creación de un sistema interactivo en línea para consultar una base de datos dedicada a quince códices del Museo de San Marco con sus miniaturas: una manera de llegar también a un público remoto que no tiene la oportunidad de visitar la exposición en persona. La personalidad artística de Fra Angelico seguirá siendo, sin duda, motivo de investigación y admiración incluso más allá de esta exposición.
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MARATON
Una referencia esencial para el corredor de maratón. Las pautas prácticas para la aplicación de la nutrición, la hidratación y los sistemas de entrenamiento se basan en sólidas bases teóricas. Este libro ofrece un método de planificación de sesiones de entrenamiento desde el inicio hasta el final de la temporada de carreras.
El método se basa en cálculos sencillos y tablas individualizadas. Estas tablas de equivalencias de marcas permiten al corredor determinar los factores clave de su preparación, como la capacidad anaeróbica, la potencia aeróbica máxima y la resistencia. Con esta información, el corredor puede evaluar mejor las marcas que puede alcanzar en distancias que van desde los 60 metros hasta el maratón, y proyectar sus progresos futuros.
Para aquellos que deseen profundizar aún más, al final de cada capítulo se encuentran clasificadas por temas varias centenas de referencias originales en la bibliografía. Estas referencias adicionales son una excelente fuente de información complementaria para aquellos que deseen ampliar sus conocimientos en el tema.
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ARTE CONTEMPORANEO I (1850-1910)
La arquitectura, la escultura y la pintura a finales del siglo XIX fueron testigos de importantes movimientos artísticos que marcaron un cambio en la forma de representar la realidad.
Uno de estos movimientos fue la pintura realista, que buscaba plasmar la realidad tal como se percibía, sin idealizarla. Los artistas realistas se enfocaron en retratar escenas cotidianas y mostrar la vida tal como era.
Otro movimiento importante fue el impresionismo, que se caracterizó por capturar la luminosidad y los efectos de luz en la naturaleza. Los artistas impresionistas buscaban plasmar las impresiones fugaces del momento, utilizando pinceladas sueltas y colores vivos.
A continuación, surgió el postimpresionismo, que fue una reacción al impresionismo. Los artistas postimpresionistas exploraron nuevas técnicas y estilos, enfocándose en la expresión emocional y en la experimentación con el color y la forma.
En paralelo a estos movimientos, también se desarrolló el modernismo, una corriente artística que abarcó la arquitectura, la escultura y la pintura. El modernismo buscaba romper con los estilos tradicionales y explorar nuevas formas de expresión.
En el inicio del siglo XX, la arquitectura, la escultura y la pintura continuaron evolucionando. Surgieron movimientos como el Nabis y el Fauvismo, que se caracterizaban por el uso intenso del color y la simplificación de las formas.
Otro movimiento destacado fue el ex expresionismo, que buscaba expresar emociones a través de formas distorsionadas y colores vibrantes. Los artistas ex expresionistas exploraron la subjetividad y la expresión de la psique humana.
En resumen, la arquitectura, la escultura y la pintura a finales del siglo XIX y principios del siglo XX fueron testigos de una gran diversidad de movimientos artísticos. Cada uno de estos movimientos dejó su huella en la historia del arte y contribuyó a la evolución de las formas de expresión.
Índice de artistas:
– Gustave Courbet
– Claude Monet
– Vincent van Gogh
– Paul Cézanne
– Henri Matisse
– Pablo Picasso
– Wassily Kandinsky
– Egon Schiele
– Marc Chagall
– Salvador Dalí
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BUCHBINDEN – BUCHER HANDWERKLICH PERFEKT SELBST BINDEN (edición en alemán)
Este libro transmite paso a paso en más de 500 dibujos todos los fundamentos y técnicas tradicionales para encuadernar libros y carpetas perfectamente, así como para fabricar cajas al estilo de un encuadernador profesional. Sin necesidad de un taller especial, con esta guía paso a paso podrás crear tus propias obras de arte de forma artesanal y perfecta. ¡La creatividad no tiene límites!
Encuadernar:
- Bücher
- Álbumes de fotos
- Folletos
- Cuadernos de notas
- Cuadernos de bocetos
- Libretas
- Libros de bloc
- Libros de dibujo
- Revistas
- Diarios
- Álbumes de recortes
Carpetas:
- Con lomo y esquinas reforzadas con tela
- Con lomo fijo o flexible
- Carpetas de dibujo estables
- Carpetas para colecciones de revistas
Cajas:
- Cajas con y sin tapa
- Cajas con cuello y tapa ajustada
- Cajas con tapa abatible
- Divisiones de cajas
- Reforzamiento de tela
- Forrado y acolchado de cajas
- Insertos para cajas
Con más de 500 dibujos paso a paso. Consejos profesionales sobre papel, herramientas y técnicas. Libertad creativa.
Esta edición incluye los libros «Encuadernar perfectamente tus propios libros» y «Hacer perfectamente tus propias cajas y carpetas» en un solo volumen.
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DESSINS: AQUARELLES, PASTELS, PLUMES ET CRAYONS (edición en francés)
En el siglo XX, uno de los libros más leídos en el mundo es un cuento ilustrado: El Principito de Antoine de Saint-Exupéry. Fue publicado por primera vez en 1943 en Estados Unidos y en 1946 en Francia, «con acuarelas del autor». La historia comienza con un piloto accidentado, quien solía dibujar serpientes boas, y a petición de un joven monarca que conoce en el desierto, dibuja una caja para una oveja. «Por favor… ¡dibújame una oveja!» Así tenemos a un escritor cuya obra literaria y mensaje de fraternidad adquieren su plena consagración a través de la combinación única de dibujo y narrativa poética.
Como se sabe, el autor estaba inspirado y era experto en la forma corta; fue gracias a su cuidado en los más mínimos detalles de la composición de su libro ilustrado que abrió el camino a una prodigiosa aventura editorial. Al publicar El Principito unos meses antes de su desaparición, Saint-Exupéry nos dejó también el testimonio más completo de su pasión por el dibujo, una pasión de la infancia que nunca lo abandonó. Muchos de los que lo conocieron lo han afirmado: el escritor-piloto amaba nada más que jugar, cantar o dibujar.
De esta actividad gráfica hoy en día se conservan numerosos bocetos, dibujos o trabajos más acabados, que hasta ahora se habían reproducido de manera dispersa. Hemos deseado reunirlos en este catálogo, enriqueciendo esta colección con un conjunto excepcional de muchos dibujos inéditos, recopilados de múltiples coleccionistas.
Las páginas de manuscritos adornadas por su autor se mezclan con las hojas sueltas dejadas a padres, amigos y compañeros, las páginas de cuadernos, las cartas o las dedicatorias ilustradas… De Casablanca a Nueva York, desde el castillo de Saint-Maurice-de-Rémens…
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CAD Y PROTOTIPADO RAPIDO EN EL DISEÑO DE PRODUCTO
El diseño de producto ha evolucionado significativamente en los últimos años gracias a la incorporación del diseño asistido por ordenador (CAD) y el prototipado rápido (PR). Estos dos aspectos se han convertido en fundamentales para los estudiantes y profesionales del sector, ya que su dominio es obligatorio en la industria actual.
El diseño asistido por ordenador (CAD) permite a los diseñadores crear modelos digitales tridimensionales de productos, facilitando la visualización y modificación de diseños de manera rápida y precisa. Esta herramienta ha reemplazado en gran medida el uso de técnicas manuales, como dibujos a mano alzada o maquetas físicas, ahorrando tiempo y recursos.
Por otro lado, el prototipado rápido (PR) ha revolucionado la forma en que se desarrollan los productos. Anteriormente, los diseñadores tenían que crear prototipos físicos a escala real, lo que implicaba largos plazos de tiempo y costos elevados. Con el PR, los diseñadores pueden crear prototipos funcionales en poco tiempo, utilizando tecnologías como la impresión 3D. Esto les permite probar y validar sus diseños antes de la producción en masa, lo que resulta en un ahorro significativo de tiempo y dinero.
El conocimiento y dominio de CAD y PR son competencias imprescindibles para los estudiantes y profesionales del diseño de producto en la actualidad. Las empresas buscan constantemente profesionales capacitados en estas herramientas, ya que les permite ser más eficientes y competitivos en el mercado.
Además, el uso de CAD y PR no se limita únicamente al diseño de producto. Estas herramientas también son utilizadas en otros campos, como la arquitectura, la ingeniería y la industria automotriz. Por lo tanto, es fundamental que los estudiantes y profesionales del diseño estén familiarizados con estas tecnologías para poder adaptarse a las demandas del mercado laboral.
En resumen, el diseño asistido por ordenador (CAD) y el prototipado rápido (PR) son aspectos esenciales en el diseño de producto. Su conocimiento y dominio son indispensables para los estudiantes y profesionales del sector, ya que les permiten ser más eficientes, ahorrar tiempo y recursos, y adaptarse a las demandas del mercado laboral actual.
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CELADOR/A. SERVICIO DE SALUD DE CASTILLA Y LEÓN (SACYL) TEST
Descripción
La convocatoria publicada en el BOCYL núm. 245 de 22 de diciembre de 2022 establece un nuevo programa para el acceso a la condición de personal estatutario fijo en plazas de la categoría de Celador/a del Servicio de Salud de Castilla y León (SACYL). Para una adecuada preparación de este programa, te presentamos una colección de test que abarcan el temario propuesto.
Este manual incluye los test correspondientes a cada uno de los temas teóricos de la colección. Estos test se convierten en una herramienta fundamental para reforzar el aprendizaje de los contenidos y prepararte de manera efectiva para este tipo de pruebas. Además, para complementar tu preparación, nuestro Curso MAD360 ofrece recursos adicionales como técnicas de memorización, vídeos, test online y miles de preguntas de exámenes oficiales. Puedes consultar las condiciones en la primera página de tu manual.
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VIVIR EN EL AGUA
El agua tiene el poder de transmitir una sensación de calma y serenidad. En el libro «Vivir en el Agua», se exploran casas que han establecido una fuerte relación con este cautivador elemento de diferentes maneras. El agua puede ser transparente o de color, líquido o sólido, delicado y áspero al mismo tiempo.
Esta cuidada selección de 55 casas modernas nos ofrece una mirada accesible a la relación entre la arquitectura y el agua. Ambos elementos se armonizan, equilibran y apoyan mutuamente para crear una estética verdaderamente dinámica.
El libro incluye estructuras de todo el mundo, como un pabellón acristalado en Helsinki, Finlandia, y una villa con forma de fortaleza circular en Los Vilos, Chile. Es un estudio internacional que se presenta como una elegante herramienta para aquellos que deseen descubrir maneras innovadoras de entrelazar el agua y la arquitectura.
«Vivir en el Agua» está dividido en tres capítulos temáticos dedicados a diferentes tipos de casas. Encontraremos casas construidas para contemplar el agua, casas construidas para estar encima del agua y casas construidas para ser reflejadas por el agua.
Cada una de las viviendas contemporáneas incluidas en este libro demuestra una profunda consideración por la naturaleza. Estas casas conectan a sus habitantes con un cuerpo acuático gracias a métodos de diseño y estilos arquitectónicos únicos y diversos.
En estas páginas, podremos explorar una fascinante variedad de estructuras. Encontraremos la «Casa medusa», con una piscina en el tejado, una casa sumergida en una pronunciada colina con vistas al mar, una villa en la costa con asombrosas piscinas desbordantes, una mansión con varias habitaciones niveladas y una piscina en el centro, una casa en un árbol con imponentes vistas a un hermoso lago, y otra construida de modo que parezca que flota sobre el agua.
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DISEÑO DE FIGURINES Y VESTUARIO ESCENICO (ESPACIO DE DISEÑO)
‘Diseño de figurines y vestuario escénico’ es una guía esencial para mejorar las habilidades de dibujo y confección de vestuario teatral. Con una amplia variedad de imágenes, la autora explica detalladamente cómo dibujar las diferentes partes del cuerpo, los trajes, los accesorios, las caras, los niños y los distintos tipos de personajes (maternales, ancianos, sexis, malvados, etc.).
A través de simples bocetos, se enseña cómo crear figurines de los personajes teatrales en toda su magnificencia: centrándose en las proporciones y el volumen corporal, la estructura ósea, las expresiones faciales y las extremidades. Además, se incluye un capítulo completo sobre diseño de vestuario utilizando medios mixtos y digitales. Las herramientas de pintura de Photoshop, entre muchas otras funciones, permiten aplicar muestras de tejido a los dibujos de forma virtual y visualizar diferentes efectos de iluminación en los trajes. Todo esto agiliza los cambios y modificaciones durante el proceso creativo y optimiza el trabajo en equipo al acelerar las comunicaciones.
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ARTE RUPESTRE PREHISTÓRICO EN GRANADA. 2
Hoy, en el 108 aniversario del primer descubrimiento de arte rupestre en el territorio granadino, queremos celebrar el legado cultural que ha perdurado a lo largo de los años. El conjunto del Letrero de los Mártires de Huéscar marcó el comienzo de un registro fascinante de yacimientos con este tipo de manifestaciones.
Es gratificante saber que, hasta la fecha, hemos superado la cifra de 75 yacimientos con arte rupestre en nuestra región. Este número representa una riqueza cultural invaluable y un testimonio de la creatividad y habilidades artísticas de nuestros antepasados.
Más del 50% de estos yacimientos han sido descubiertos por los autores de este trabajo, lo cual demuestra su dedicación y pasión por preservar nuestro patrimonio cultural. Cada descubrimiento es como abrir una puerta al pasado, permitiéndonos adentrarnos en la mente de aquellos que habitaron estas tierras hace miles de años.
El arte rupestre nos ofrece una ventana a la vida cotidiana, las creencias y las tradiciones de las antiguas civilizaciones. A través de las pinturas y grabados en las rocas, podemos vislumbrar escenas de caza, rituales sagrados y representaciones simbólicas.
Es impresionante pensar en la paciencia y destreza que requería la creación de estas obras de arte. Nuestros antepasados utilizaban pigmentos naturales y herramientas rudimentarias para plasmar su visión en las paredes de las cuevas y abrigos rocosos.
Preservar y proteger estos yacimientos es de vital importancia. Son testigos silenciosos de nuestra historia y nos conectan con nuestras raíces culturales. Debemos asegurarnos de que las generaciones futuras puedan apreciar y estudiar este legado.
En este día de celebración, recordemos la importancia del arte rupestre en nuestra identidad como pueblo. Agradezcamos a los autores de este trabajo por su dedicación y esfuerzo en descubrir y documentar estos tesoros ocultos.
¡Que viva el arte rupestre y su valor incalculable para nuestra historia!
