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ESTETICA
La tercera parte de este libro se centra en la interacción del fenómeno estético con otros aspectos. Se cuestiona si la poesía proporciona conocimiento y de qué manera, se explora la relación entre la estética y la religión, se aborda el controversial tema del «fin del arte», se introduce la sociología del arte y se analiza la conexión entre la estética y la modernidad.
La primera sección de este extenso volumen aborda la «Estética General». Comienza con un análisis del fenómeno estético tanto en la naturaleza como en las obras de arte y artesanía. A continuación, se examinan el concepto del arte y sus clasificaciones en Occidente, así como las categorías estéticas como lo bello, lo sublime, la gracia y la dignidad, entre otras. Los tres textos posteriores analizan los procesos de producción, recepción y apreciación estética.
En la segunda parte se exploran las «Estéticas Regionales». Se estudian las estéticas de la literatura y el teatro, las artes plásticas, la música y la danza según se han desarrollado en Occidente. Se añaden dos ensayos adicionales sobre la estética de las artes populares, de gran relevancia en España y América Latina, y que siguen teniendo impacto fuera de Occidente, así como la estética de los medios audiovisuales, tan relevantes en la actualidad.
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ESCRITOS DE MALEVICH
Contrario a los simbolistas y su pesimismo posromántico, Malévich, fiel a la inspiración nietzscheana de su generación futurista, eligió un futuro en el que el hombre sería el único dueño de su destino. Confiando en la dialéctica optimista del futurismo ruso, desarrolló gran parte del vocabulario profético y voluntarista de esta escuela. Sus frases dinámicas se estructuran con ritmo irregular, llenas de imágenes luminosas, aparentemente descontroladas en su lirismo.
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ARTE DESPUES DE LA MODERNIDAD: NUEVOS PLANTEAMIENTOS EN TORNO A L A REPRESENTACION
Arte después de la modernidad recoge veinticinco ensayos que ofrecen una visión general de las direcciones más interesantes que ha tomado el arte y la crítica recientes. Este derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha generado una sorprendente variedad de respuestas artísticas y críticas.
Estos ensayos abordan temas como el declive de la ideología moderna en las artes y la aparición de diversas prácticas artísticas posmodernas. También exploran las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía, así como las investigaciones de artistas en el ámbito de las artes plásticas sobre los medios de comunicación y el tipo de imágenes que utilizan.
Además, se analiza la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación se presenta como una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que impulsan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance conocido como posmodernidad.
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TECNOLOGIAS DEL CUERPO: EXHIBICIONISMO Y VISUALIDAD EN AMERICA LATINA
Tecnologías del cuerpo propone una reflexión sobre cómo ciertas sensibilidades de los siglos XX y XXI, encarnadas por artistas con sexualidades y vidas privadas consideradas «problemáticas», «extravagantes» e «indecentes», desafían las concepciones homogéneas de la institución y la cultura nacional. Estos artistas, al poner sus cuerpos en primer plano, despliegan dislocaciones e intersecciones que van más allá de los límites de la oposición binaria y de las normas institucionales establecidas.
Los cuerpos de estos exhibicionistas rechazan las alegorías y metáforas que la institución intenta imponerles. Su rechazo se manifiesta al llamar la atención sobre su materialidad y su capacidad de transformación. Así, exploran de manera tangible la respuesta de sus cuerpos a las categorías que intentan descorporalizarlos o asignarles una fijeza en términos de sexo.
En cinco capítulos centrados en Reinaldo Arenas, Salvador Novo, Armando Reverón, Fernando Vallejo y Mario Bellatin, el autor muestra cómo estos artistas latinoamericanos adoptan estrategias ingeniosas que, a través de diversos episodios como el viaje y la extranjería, la enfermedad y el archivo, exhiben su proceso de transformación. La tesis planteada es que el cuerpo pasa por diferentes registros visuales y ficcionales para moldearse y ser moldeado, en un proceso siempre incompleto e inestable.
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AMEZTOY
Crear contenido nuevo es una tarea desafiante pero emocionante. Al escribir, es importante utilizar formatos como HTML para resaltar palabras clave y hacer que el contenido sea más legible. Además, se pueden utilizar etiquetas como para resaltar palabras clave importantes.
Al crear una nueva pieza de contenido, es esencial cambiar las oraciones y el orden de las ideas para mantener la originalidad y evitar el plagio. Esto implica reorganizar las oraciones y proporcionar una estructura lógica al contenido.
El formato HTML permite agregar encabezados para dividir el contenido en secciones y hacerlo más fácil de leer. También es útil utilizar párrafos para segmentar las ideas y evitar que el texto se vea abrumador.
Además, el uso de comas y saltos de línea ayuda a separar las ideas y mejorar la claridad del contenido. Esto permite que los lectores procesen la información de manera más efectiva y comprendan mejor el mensaje que se está transmitiendo.
En resumen, al crear contenido nuevo, es importante utilizar el formato HTML para resaltar palabras clave, utilizar encabezados y párrafos para estructurar las ideas, y utilizar comas y saltos de línea para mejorar la legibilidad del texto.
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LA LOCURA QUE SE CONVIERTE EN COLOR
Pedro Antonio Vicente Torres es un reconocido artista español, nacido en España. Conocido también como P. A. Vicente o simplemente Vicent, es famoso por sus impresionantes obras de arte.
Desde muy joven, Pedro Antonio descubrió su pasión por la pintura. Su talento innato y su amor por el arte lo llevaron a estudiar en la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de España, donde perfeccionó sus habilidades y técnicas.
A lo largo de su carrera, P. A. Vicente ha experimentado con diferentes estilos y géneros artísticos. Su trabajo se caracteriza por su originalidad y su capacidad para capturar la esencia de su tema en cada pincelada.
Las obras de Vicent han sido exhibidas en numerosas galerías de arte tanto en España como en el extranjero. Su talento ha sido reconocido con numerosos premios y ha sido elogiado por críticos y amantes del arte.
El estilo único de P. A. Vicente combina elementos realistas y abstractos, creando composiciones visualmente impactantes. Sus colores vibrantes y su dominio de la técnica hacen de sus obras verdaderas joyas artísticas.
Además de su carrera como artista, Vicent también es un apasionado defensor de la promoción del arte y la cultura. Ha participado en numerosos proyectos comunitarios y ha impartido clases magistrales para inspirar a la próxima generación de artistas.
Si deseas conocer más sobre el trabajo de Pedro Antonio Vicente Torres, puedes visitar su página web oficial: http://www.artimperialpainting.com, donde podrás explorar su galería en línea y conocer más sobre su increíble trayectoria artística.
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SARAH CROWNER (edición en inglés)
En el siguiente contenido, exploraremos el fascinante mundo de 1.1ABAJ y su relación con el número 01.1. ¡Prepárate para sumergirte en un universo lleno de números y descubrimientos matemáticos!
El número 1.1ABAJ es una combinación única de dígitos que ha capturado la atención de matemáticos y entusiastas de los números en todo el mundo. Aunque puede parecer un simple número, su significado va mucho más allá de su apariencia.
En primer lugar, analicemos la parte decimal del número. La secuencia «ABAJ» representa una serie de dígitos que se repiten infinitamente. Esto significa que el número 1.1ABAJ no tiene fin, y su parte decimal se extiende infinitamente sin repetirse.
Pero, ¿qué hay de la parte entera del número? Aquí es donde el número 01.1 entra en juego. El «01» al comienzo del número representa su parte entera, que es igual a 1. Sin embargo, esta parte entera no es independiente de la parte decimal, sino que está conectada a ella de una manera única.
La combinación de la parte entera 01 y la parte decimal ABAJ es lo que hace que el número 1.1ABAJ sea tan intrigante. La relación entre estos dos componentes crea un equilibrio perfecto entre la unidad y la infinitud, lo finito y lo infinito.
Este número ha despertado el interés de los matemáticos, ya que posee propiedades interesantes y desafiantes. Su infinitud hace que sea difícil de calcular y comprender completamente. Además, la repetición infinita de la secuencia ABAJ presenta un patrón que aún no ha sido completamente descifrado por los expertos en matemáticas.
En resumen, el número 1.1ABAJ es un número fascinante que combina la parte entera 01 con una parte decimal infinita representada por la secuencia ABAJ. Su singularidad y la relación entre sus componentes hacen que sea un tema de estudio apasionante para los matemáticos y amantes de los números en todo el mundo. ¡Descubre más sobre este intrigante número y adéntrate en el emocionante mundo de las matemáticas!
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MY CARTOGRAPHY: THE ERLING KAGGE COLLECTION
MY CARTOGRAPHY. THE ERLING KAGGE COLLETION es un libro editado por BOLD EDITING AND PRINTING S. L., escrito por varios autores. Este libro presenta una fascinante colección de mapas que nos invita a explorar el mundo desde diferentes perspectivas.
El autor principal, Erling Kagge, nos sumerge en un viaje cartográfico único, donde cada mapa nos revela una nueva historia. Desde los antiguos mapas del mundo hasta las representaciones modernas, esta colección abarca una amplia gama de estilos y épocas.
En MY CARTOGRAPHY. THE ERLING KAGGE COLLETION, los mapas no solo son herramientas prácticas para la navegación, sino también obras de arte que nos permiten comprender la evolución de la percepción humana del espacio y del mundo que nos rodea.
El libro está dividido en varias secciones temáticas, cada una explorando un aspecto diferente de la cartografía. Desde los mapas históricos que trazaron las rutas de los exploradores hasta los mapas que revelan la distribución de la población o la geología de un lugar, cada página ofrece una nueva visión del mundo.
Además de las impresionantes ilustraciones, MY CARTOGRAPHY. THE ERLING KAGGE COLLETION también incluye ensayos escritos por expertos en cartografía, que nos brindan una mirada más profunda a la importancia y el impacto de los mapas en nuestra sociedad.
Con un código de ISBN 978-84-121194-1-1, MY CARTOGRAPHY. THE ERLING KAGGE COLLETION es una obra imprescindible para los amantes de la cartografía, la historia y la exploración. Sumérgete en este viaje visual y descubre el mundo a través de los ojos de los cartógrafos.
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NUEVO BAZTÁN
Durante la Guerra de Sucesión española, el humanista, empresario y tesorero real Juan de Goyeneche (1656-1735) y el arquitecto José Benito de Churriguera (1665-1725) se unieron para construir la ciudad industrial de Nuevo Baztán, cerca de Madrid. Este proyecto fue impulsado por el espíritu reformista de los «novatores», como el propio Goyeneche, quienes se inspiraron en el modelo económico desarrollado por Jean Baptiste Colbert, ministro de finanzas de Luis XIV en Francia.
La «Grand Fabrique» de Nuevo Baztán fue pionera en España al introducir un moderno sistema de producción de objetos suntuarios como textiles, vidrios, licores y papel. Estos productos no solo satisfacían la demanda de la corte, sino que también se exportaban y se comercializaban internacionalmente. Además, esta iniciativa tuvo un impacto demográfico y económico significativo en la comarca, convirtiéndose en una experiencia pionera en Europa debido a su extensión territorial.
Con el triunfo de la Ilustración, este proyecto utópico llegó a su fin y todas las actividades industriales cesaron. Nuevo Baztán se transformó en un pueblo agrícola y residencial. A pesar de esto, todavía sorprende por la belleza y monumentalidad de sus edificios principales, así como por el estricto trazado de la ciudad. Estos edificios son testigos elocuentes de la portentosa iniciativa de Goyeneche y Churriguera, cuyo alcance solo se puede entender al conocer a sus artífices y a las circunstancias históricas en las que se llevó a cabo este proyecto visionario.
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ARTE VALENCIANO EN EL FRANQUISMO (1939-1975)
Este estudio analiza las expresiones artísticas que se han desarrollado en el arte valenciano desde 1939 hasta 1975. Durante este periodo, se pueden identificar tres generaciones de artistas plásticos: «Las artes plásticas de posguerra» (1939-1956), «Abstracción y figuración en los años cincuenta» (1956-1964) y la última etapa del franquismo, que se divide en tres bloques: «Pop Art y Realismo Social», «La segunda generación abstracta» y «Las estéticas individuales en los años sesenta».
Este estudio ha recopilado una gran cantidad de documentación y obras de arte desconocidas que se encontraban en archivos y colecciones privadas. El descubrimiento de esta nueva horizonte artístico, surgido después de la Guerra Civil, ha permitido una mejor comprensión de la evolución del arte valenciano en este periodo.
Durante las artes plásticas de posguerra, los artistas valencianos exploraron diferentes estilos y técnicas, tratando de recuperar la identidad cultural y artística tras la Guerra Civil. Esta etapa estuvo marcada por una mezcla de tradición y vanguardia, donde se buscaba una renovación estética pero sin perder las raíces valencianas.
En los años cincuenta, se produjo un cambio significativo en el arte valenciano, con la aparición de corrientes abstractas y figurativas. Los artistas experimentaron con nuevas formas de representación y exploraron la abstracción como medio de expresión artística. Esta época fue testigo de una mayor libertad creativa y de la influencia de movimientos artísticos internacionales.
En la última etapa del franquismo, se produjo una diversidad de corrientes artísticas en Valencia. El Pop Art y el Realismo Social fueron dos de las tendencias más destacadas, reflejando la influencia de la cultura de masas y la crítica social en el arte. Además, surgieron una segunda generación de artistas abstractos y una variedad de estéticas individuales que reflejaban las inquietudes y preocupaciones de cada artista.
En resumen, este estudio nos muestra la riqueza y diversidad del arte valenciano durante un periodo histórico clave. A través de las distintas generaciones de artistas plásticos y las diferentes corrientes artísticas, se evidencia la evolución y el impacto cultural de estas manifestaciones artísticas en la sociedad valenciana.
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LA MEMORIA DE LAS PIEDRAS
La Canción a las ruinas de Itálica es una expresión ampliamente conocida del profundo dolor que sentían los eruditos y amantes de las antigüedades al presenciar la rápida desaparición de los monumentos romanos que aún se mantenían en pie. Estos monumentos eran víctimas del abandono y la ignorancia de aquellos que solo los veían como una conveniente cantera.
A pesar de sentirse impotentes para detener esta ruina, estos eruditos se esforzaron por salvar todo lo que pudieran. Eran conscientes de que en «la memoria de las piedras» se encontraban las respuestas a muchas de las preguntas que les preocupaban: la verdadera geografía de la antigua España, la antigüedad de sus ciudades y linajes, el origen de su lengua y de sus instituciones, la historia de sus mártires y los eventos relacionados con la primera predicación apostólica.
Fueron estos filólogos, historiadores, coleccionistas y anticuarios diletantes, como Antonio de Nebrija, Ambrosio de Morales, Rodrigo Caro y el conde de Guimerá en España, y Antonio Agustín y Alfonso Chacón en Roma, quienes sentaron las bases de la arqueología española antes de que esta se profesionalizara en el siglo XVIII.
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ARTE CONTEMPORÁNEO Y RESTAURACIÓN
La conservación y restauración del arte contemporáneo es una disciplina compleja, en constante evolución, que plantea la necesidad de actualizar los paradigmas tradicionales de conservación de los bienes culturales.
Esta publicación recoge la visión particular de aquellos aspectos que sobresalen en esta disciplina en continuo desarrollo, tras varios años de investigación en el área.
En este sentido, se ha descrito la naturaleza material de los objetos que conforman el patrimonio reciente, estudiando la doble polaridad de la materia constitutiva del arte contemporáneo. Esto es útil para concretar la idea de la obra, pero también implica una serie de valores semánticos y culturales que le otorgan importancia y sustancia.
Por otro lado, se ha realizado un acercamiento teórico y práctico a la disciplina de la conservación y restauración del arte contemporáneo. Se ha actualizado el marco deontológico y se ha analizado los distintos sectores de actuación presentes en la actualidad. Es decir, se han abordado las diferentes categorías de problemas a los que un restaurador puede enfrentarse, como la pintura contemporánea, las instalaciones, el videoarte, el arte cinético, el eat-art, la obsolescencia tecnológica y las necesidades específicas de cada obra.
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ACCUMULATE, CLASSIFY, PRESERVE, DISPLAY: ROBERTO OBREGON ARCHIVE (edición en inglés)
Roberto Obregón, precursor del conceptualismo global, dedicó tres décadas a explorar la relación entre la naturaleza y el arte. Su incansable investigación y metodología consistieron en mostrar pétalos de rosas diseccionados, creando una suerte de vanitas contemporánea.
Este libro recopila el Archivo Roberto Obregón, que abarca la totalidad del legado del artista. Fue creado con motivo de la primera exposición individual de la obra de Obregón en una institución estadounidense y cuenta con ensayos de los curadores Jesús Fuenmayor y Kaira M. Cabañas.
El libro ofrece un registro exhaustivo de todas las obras después de años de trabajo en la clasificación del Archivo Obregón, realizado por Israel Ortega y Leonor Solá. Desde 2011, este archivo forma parte de la Colección Carolina y Fernando Eseverri.
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SIETE TRIPTICOS EN BLANCO Y NEGRO
Siete trípticos que son reproducción de la exposición «Siete» de Pedro Cano, con texto de Pio Baldi.
La exposición «Siete» de Pedro Cano presenta siete trípticos impresionantes. Cada uno de ellos es una obra maestra en sí misma, capturando la esencia de la creatividad y la visión artística de Cano. Los trípticos son una combinación perfecta de colores vibrantes, formas abstractas y detalles realistas.
Cada tríptico cuenta una historia única, transportando al espectador a un mundo imaginario lleno de emociones y significados ocultos. La habilidad de Cano para transmitir sentimientos a través de sus pinceladas es simplemente sorprendente.
El texto de Pio Baldi que acompaña a cada tríptico agrega una capa adicional de profundidad y comprensión a las obras de arte. Sus palabras nos invitan a reflexionar sobre la vida, el amor, la naturaleza y la existencia humana. Es un viaje introspectivo que nos lleva a cuestionar nuestras propias percepciones del mundo que nos rodea.
Cada tríptico está meticulosamente diseñado y se puede apreciar la dedicación y el talento de Cano en cada trazo. Su dominio de la técnica y su creatividad sin límites se combinan para crear una experiencia visual asombrosa.
La exposición «Siete» es una oportunidad única para sumergirse en el mundo del arte y dejarse llevar por la belleza y la expresión artística. Cada tríptico es una ventana a la mente de Cano y una invitación a explorar las profundidades de la creatividad humana.
En resumen, los siete trípticos que son reproducción de la exposición «Siete» de Pedro Cano, con texto de Pio Baldi, nos transportan a un viaje artístico inolvidable. Cada obra de arte es una expresión única de la visión creativa de Cano y nos invita a reflexionar sobre nuestra propia existencia.
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GRAFISMOS EN LA OBRA DE GOYA
Goya, uno de los artistas más destacados de su tiempo, dejó una marca distintiva en sus obras a través de los trazos que corresponden a las letras de su apellido (G-O-Y-A). Estos trazos, conocidos como grafismos, se encuentran presentes en los contornos, toques de luz, sombras y contrastes, superpuestos en cualquier dirección.
Este libro ofrece una perspectiva detallada sobre los grafismos de Goya y realiza una comparación entre cuatro obras del pintor que abordan el mismo tema: La gallina ciega. Dos de estas obras, pertenecientes al Museo del Prado, son ampliamente reconocidas y claramente atribuidas a Francisco de Goya y Lucientes. Las otras dos pertenecen a una colección privada y su autoría inicialmente es desconocida.
Gracias a las investigaciones y los conocimientos técnicos y metodológicos de la autora, Amparo Sacristán, se ha logrado demostrar la presencia de grafismos en cada una de estas obras seleccionadas. A través de un análisis exhaustivo de las imágenes, se han obtenido interesantes conclusiones que permitirán a los lectores, estudiosos y amantes del arte, aprender a distinguir estos rasgos en las obras estudiadas.
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DEL ARTE OBJETUAL AL ARTE DE CONCEPTO (2ª ED.)
Cuando «Del arte objetual al arte de concepto» surgió en los albores de la década de los setenta, su objetivo era ofrecer un balance de los años sesenta y su influencia en la década siguiente. Esta ampliación a los últimos confines cronológicos buscaba profundizar en la poética de cada tendencia y conectar con el panorama artístico internacional desde nuestra peculiar situación cultural, artística y política.
La convergencia de una información positivista y la obsesión por volver a las obras mismas se complementaron con la intención de superar los sociologismos o las limitaciones del realismo social en tendencia. Con esto, no solo se reflejaban las preocupaciones metodológicas del momento y los estímulos estéticos abordados por W. Benjamin en sus análisis sobre las representaciones de lo moderno y G. della Volpe en sus preocupaciones por los lenguajes artísticos.
Sin duda, uno de los aciertos reconocidos de esta obra fue su propio título, que rápidamente se convirtió en una consigna de lo que estaba sucediendo en el mundo del arte. El libro quedó encumbrado como el texto legitimador de lo «nuevo», aunque se vio envuelto e incluso reducido erróneamente en el torbellino del conceptualismo. Desde la perspectiva actual, se trata de un ensayo considerado clásico sobre el periodo que abarca, susceptible a correcciones y críticas, con todas las implicaciones de consolidación y audacia que esto conlleva, pero que, posiblemente, uno de sus valores más reconocidos radica en su capacidad para transmitir el ambiente de la época.
Con el fin de preservar el texto tal como surgió originalmente y, por lo tanto, valorarlo adecuadamente desde una perspectiva historiográfica, el autor ha eliminado el «Epílogo sobre la sensibilidad postmoderna» que se añadió posteriormente, y ha dotado al libro de un nuevo diseño gráfico que constituye en sí mismo un potente discurso visual que se entrelaza plenamente con el contenido textual.