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(PE) MONARQUIA ESPAÑOLA EN LA PINTURA: LOS BORBONES
La monarquía española ha tenido a su servicio a dos genios nacidos en la península como pintores de cámara. Los Austrias contaron con Velázquez, mientras que los Borbones, desde Carlos III hasta Fernando VII, tuvieron a Goya, quien realizó algunas de las efigies más reconocidas de la historia del arte.
No obstante, el protagonismo de Goya en este volumen no debe hacer olvidar la importancia de otros artistas. Antes que él, pintores extranjeros, principalmente franceses pero también italianos y cosmopolitas como Amiconi y Mengs, crearon obras de una calidad excepcional.
Después de Goya, surgieron otros pintores españoles destacados como Vicente López y Federico de Madrazo. Además, no podemos olvidar las contribuciones de numerosos pintores posteriores, entre los que se destacan Sorolla y Dalí. Todos ellos jugaron un papel fundamental en la historia de la monarquía y del arte al servicio de la misma.
Cabe mencionar que casi todas las obras de gran importancia artística, a excepción de las de Paret, son retratos. Estos retratos han dejado un legado invaluable en la historia del arte español y en la representación visual de la monarquía.
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100 AÑOS DEL PABELLON ESPAÑOL EN LA BIENAL DE VENECIA, 1922- 2022 / 100 YEARS SPANISH PAVILION VENICE BIENNALE, 1922-2022
En el año 2022, se celebrará el centenario de la construcción del Pabellón Español en la Bienal de Venecia. Durante estos cien años, se ha llevado a cabo una labor excepcional que ha contribuido enormemente a la construcción y consolidación de la imagen de España como una potencia cultural a nivel internacional.
El Pabellón Español ha sido una plataforma invaluable para la exhibición y promoción del arte y la cultura española en el contexto de la Bienal de Venecia. A lo largo de los años, ha albergado exposiciones de renombrados artistas y ha sido testigo de la evolución y diversidad del arte español.
La participación de España en la Bienal de Venecia ha sido una ventana abierta al mundo para dar a conocer la riqueza y la creatividad de nuestra cultura. A través de las obras expuestas en el Pabellón Español, hemos mostrado al mundo la variedad de estilos, técnicas y expresiones artísticas que caracterizan a nuestros artistas.
El Pabellón Español ha sido un espacio emblemático que ha acogido exposiciones de pintura, escultura, fotografía, instalaciones y otras manifestaciones artísticas. Cada exhibición ha reflejado la pasión y el talento de nuestros artistas, así como la capacidad de España para generar propuestas artísticas vanguardistas y relevantes.
La presencia de España en la Bienal de Venecia ha sido un escaparate fundamental para el reconocimiento y la proyección internacional de nuestros artistas. Gracias a la visibilidad que han obtenido en este importante evento, muchos de ellos han logrado alcanzar reconocimiento y éxito tanto a nivel nacional como internacional.
El Pabellón Español en la Bienal de Venecia es un símbolo de la excelencia y la creatividad de la cultura española. Su centenario es un motivo de celebración y orgullo para todos aquellos que han contribuido a su éxito a lo largo de estos cien años.
En el año 2022, se rendirá homenaje a la trayectoria del Pabellón Español y a todos los artistas que han dejado su huella en este icónico espacio. Será una oportunidad para recordar y valorar el legado artístico que hemos construido a lo largo de estos cien años, así como para proyectar nuestras miras hacia el futuro y seguir promoviendo la cultura española en el ámbito internacional.
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ANTONELLO DA MESSINA: ANALISI SCIENTIFICHE, RESTAURI E PREVENZION E SULLE OPERE DI ANTONELLO DA MESSINA IN OCCASIONE DELLA MOSTRA ALLE SCUDERIE DEL QUIRINALE (edición en italiano)
Este volumen recoge los actos del congreso organizado por las Scuderie del Quirinale y el Instituto Central de Restauración, en coincidencia con la gran exposición sobre Antonello da Messina, así como los principales resultados de los análisis de conocimiento realizados en las obras de Antonello: los editores del volumen, respectivamente un físico y un historiador del arte, han coordinado la más amplia y sistemática campaña de análisis físicos no invasivos que se haya realizado en las delicadas obras del maestro mesinés (fotografías, reflectografías, radiografías, análisis espectroscópicos para el reconocimiento de pigmentos).
Se abordan desde una perspectiva interdisciplinaria algunas restauraciones célebres, como la Virgen leyendo, el Políptico de San Gregorio de Messina, el tríptico con San Juan evangelista, el enigmático Retrato Trivulzio de Turín y el extraordinario San Sebastián de Dresde. También se tratan dos futuras restauraciones: la de la Crucifixión de Amberes y la de la Anunciación de Siracusa. En particular, se discute ampliamente la restauración, rigurosa e innovadora, realizada por Cesare Brandi hace medio siglo en esta última obra maestra.
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AUGUSTE RODIN Y MEDARDO ROSSO
Los escritos de Julius Meier-Graefe fueron fundamentales para comprender y asegurar el éxito duradero del impresionismo y postimpresionismo, así como del arte de las generaciones anteriores y posteriores. Sus aportaciones más destacadas se encuentran en dos textos sobre Auguste Rodin y Medardo Rosso, representantes del «impresionismo en la escultura».
Meier-Graefe denomina a Medardo Rosso como «el Mefisto de la escultura», indicando que sus tendencias lo llevan más allá de las limitaciones propias de su arte. Por otro lado, según Meier-Graefe, Rodin desatiende las leyes eternas de la escultura más que ninguno de sus predecesores.
Las percepciones del autor sobre uno ayudan a comprender las que expone sobre el otro, y viceversa. Estos dos textos conforman un tratado informal sobre la escultura impresionista. Leerlos con la perspectiva de la producción escultórica del siglo XX invita a reflexionar sobre la pregunta que plantea uno de ellos: ¿qué será de la escultura entre todas estas intenciones y hechos?
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BALTASAR LOBO
a elegancia de las formas.
Baltasar Lobo, nacido en Zamora en 1910, es ampliamente reconocido como el escultor más destacado de su ciudad natal y uno de los más destacados del siglo XX a nivel internacional. Su obra, caracterizada por su estilo único y su enfoque en la figura humana, ha dejado un legado duradero en el mundo del arte.
A lo largo de su carrera, Lobo rompió con los estilos academicistas predominantes de su época y se centró en crear esculturas que capturaran la esencia de la figura humana en movimiento. Su enfoque en la simplicidad y la elegancia de las formas le permitió crear obras que transmiten una sensación de equilibrio y armonía.
La obra de Lobo se destaca por su capacidad para representar la belleza y la fragilidad de la forma humana. Sus esculturas, en su mayoría de pequeño formato, transmiten una sensación de delicadeza y serenidad. A través de la suavidad de los contornos y la suavidad de las líneas, Lobo logra dar vida a sus figuras, capturando momentos de gracia y movimiento.
Además de su enfoque en la figura humana, Lobo también exploró temas como la maternidad, la familia y la feminidad. Sus esculturas de madres con sus hijos o de parejas en abrazos amorosos reflejan una profunda sensibilidad hacia las relaciones humanas y la conexión emocional.
A lo largo de su carrera, Lobo recibió numerosos reconocimientos y premios por su trabajo. Sus esculturas se exhiben en museos y galerías de todo el mundo, y su legado perdura en la memoria de aquellos que aprecian su enfoque único y su talento innato.
Baltasar Lobo, con su estilo distintivo y su enfoque en la figura humana dinámica, dejó una huella imborrable en el mundo del arte. Su obra continúa inspirando a artistas y amantes del arte en todo el mundo, y su legado perdurará como uno de los grandes escultores del siglo XX.
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BARCELONA, CIUTAT D ESCULTURES / BARCELONA, CITY OF SCULPTURES (edición en catalán)
Os invitamos a dar un paseo visual por las calles, plazas, parques y algunas fachadas singulares de Barcelona que nos hará redescubrir el valioso patrimonio escultórico de esta ciudad. Encontraremos esculturas de gran belleza y contemplaremos la maestría de sus autores. También veremos grupos y monumentos que son testimonio de personajes o eventos que han dejado una profunda huella en la ciudad y en nuestra historia.
Barcelona, conocida por su rica historia y vibrante cultura, alberga una gran cantidad de obras de arte escultóricas que adornan sus calles y plazas. Desde imponentes figuras de bronce hasta delicadas esculturas de mármol, cada obra cuenta una historia y representa una parte importante de la identidad de la ciudad.
Empezaremos nuestro recorrido en la famosa Plaza Catalunya, donde nos encontraremos con la estatua de Francesc Macià, un destacado político catalán que desempeñó un papel crucial en la historia de la región. Desde allí, nos dirigiremos hacia el Paseo de Gracia, donde podremos contemplar la majestuosidad de la Casa Batlló, un edificio modernista diseñado por el renombrado arquitecto Antoni Gaudí.
Continuando nuestro paseo, nos adentraremos en el Barrio Gótico, donde descubriremos la famosa escultura de la «Mare de Déu de la Mercè», patrona de la ciudad. Esta obra maestra de piedra nos recordará la importancia de la tradición religiosa en Barcelona.
Seguiremos nuestro camino hacia el Parque de la Ciutadella, un oasis de tranquilidad en medio de la bulliciosa ciudad. Aquí, nos maravillaremos con la grandiosa Cascada Monumental, una impresionante obra de arte que representa la fuerza y la belleza de la naturaleza.
Finalmente, llegaremos al Puerto de Barcelona, donde nos encontraremos con el Monumento a Colón, una estatua de Cristóbal Colón que señala el camino hacia el Nuevo Mundo. Esta escultura simboliza el espíritu aventurero y explorador de la ciudad.
En cada rincón de Barcelona, nos esperan sorpresas escultóricas que nos transportarán a diferentes momentos de la historia y nos permitirán apreciar el talento de los artistas que dejaron su huella en esta maravillosa ciudad. ¡No te pierdas la oportunidad de descubrir el patrimonio escultórico de Barcelona!
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BOSCH
La obra de Hieronymus Bosch (1450/60-1516), tan rica en escenas misteriosas, compuestas por figuras pintorescas e inquietantes, criaturas imaginarias y diabólicas, es un testimonio excepcional del arte de su tiempo. Marijnissen propone una reinterpretación crítica de la obra de Bosch, con el objetivo de desentrañar su mensaje. Para este apasionante estudio, se ha valido de la erudición de historiadores del arte, arqueólogos, estudiosos del folclore, lingüistas, pero sobre todo de las teorías psicoanalíticas. Una selección importante de la pintura de Bosch, presentada en su conjunto y en todos los detalles a tamaño natural, permite apreciar la complejidad de la iconografía del artista flamenco, la maestría de su técnica y la elaborada estructura de sus cuadros.
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BREVE HISTORIA DE LA ESCULTURA ESPAÑOLA (ED. FACSIMIL DE LA 2ª ED . REFUNDIDA)
La edición facsímil de uno de los manuales clásicos de la historia de la escultura española es una obra invaluable que sigue siendo útil hasta el día de hoy. Esta obra, que nació en 1951, ofrece una visión de conjunto y síntesis de toda la Historia de la escultura española.
Esta edición facsímil es una joya para aquellos interesados en explorar el legado escultórico de España. A través de sus páginas, se puede apreciar la evolución de este arte a lo largo de los siglos y comprender la importancia que ha tenido en la cultura española.
El manual clásico que se reproduce en esta edición facsímil es una referencia indispensables para estudiantes, historiadores y amantes del arte. Su contenido abarca desde la escultura medieval hasta las obras más contemporáneas, ofreciendo una visión completa y detallada de cada periodo y estilo.
Esta obra destaca por su rigurosidad académica y su exhaustiva investigación. Cada capítulo está cuidadosamente estructurado y presenta información precisa y relevante sobre las principales esculturas españolas y los artistas que las crearon.
La edición facsímil es una reproducción fiel del manual original, conservando su belleza y autenticidad. Las ilustraciones y fotografías que acompañan el texto permiten apreciar en detalle las obras escultóricas más destacadas, brindando una experiencia visual enriquecedora.
En resumen, la edición facsímil de este manual clásico de la historia de la escultura española es una valiosa herramienta para aquellos que deseen adentrarse en este fascinante mundo del arte. Su visión de conjunto y síntesis de toda la Historia de la escultura española la convierten en una obra imprescindible para comprender y apreciar el legado escultórico de España.
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CANOVA E LA VENERE VINCITRICE (edición en italiano)
La Galleria Borghese, conocida como la «villa más hermosa del mundo», es el escenario perfecto para una monográfica dedicada al sublime arte de Antonio Canova, en conmemoración del 250º aniversario de su nacimiento y del bicentenario de «Paolina Borghese Bonaparte como Venus Victrix». Esta exposición tiene como objetivo mostrar, por un lado, las complejas relaciones entre Canova, el príncipe Camillo Borghese y la familia Bonaparte, para la cual el escultor elaboró la peculiar tipología del retrato divinizado en escultura. Se presentarán otros ejemplos de este tipo de retrato para comparar con el de Paolina como Venus Victrix.
Por otro lado, se pretende seguir la carrera de Canova, a través de más de cincuenta obras procedentes de los grandes museos del mundo, y su continua reinterpretación del tema de Venus desde finales de la década de 1780. Además de los grandes mármoles, se exhibirán dibujos, templetes, monocromos, pinturas, bocetos en arcilla y terracota, que muestran de manera elocuente el método de trabajo de Canova.
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CARAVAGGIO: REALISM, REBELLION, RECEPTION (edición en inglés)
Este volumen considera el «realismo» revolucionario de Caravaggio desde una variedad de perspectivas, presentando nuevas vías de investigación por parte de una pluralidad de destacados académicos. En primer lugar, avanza en nuestra comprensión de la relación de Caravaggio con la «nueva» ciencia de la observación defendida por Galileo. En segundo lugar, examina de nuevo la naturaleza teórica y los medios artísticos del «realismo» aparentemente directo de Caravaggio. En tercer lugar, amplía los horizontes de la investigación sobre el complejo entorno intelectual y social de Caravaggio entre las culturas alta y baja.
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CAYETANO DE ACOSTA (1709-1778)
Diego de Acosta, el destacado escultor del siglo XVIII en Sevilla, es reconocido como uno de los artistas más influyentes de la época. Su habilidad para trabajar la piedra y la madera lo convierten en una figura destacada en la historia del arte sevillano.
Acosta, nacido en 1709 y fallecido en 1778, dejó un legado artístico que incluye obras emblemáticas como la Real Fábrica de Tabacos y la Real Maestranza de Caballería. Su destreza como proyectista y ejecutor de retablos lo distingue como uno de los más brillantes de Sevilla y su arzobispado.
Entre sus obras más destacadas se encuentran conjuntos escultóricos barrocos en la iglesia Colegial de El Salvador, la iglesia del convento de Capuchinas y los jardines del Palacio Arzobispal de Umbrete.
Con un estilo único y una técnica excepcional, Diego de Acosta dejó una huella imborrable en el arte sevillano del siglo XVIII, siendo recordado como uno de los grandes maestros de la escultura de su tiempo.
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CLASSICAL PAINTING ATELIER: A CONTEMPORARY GUIDE TO TRADITIONAL STUDIO PRACTICE (1ST ED.) (edición en inglés)
¿Quieres pintar más como Manet y menos como Jackson Pollock?
El primer libro de Juliette Aristides, Atelier de Dibujo Clásico, fue aclamado por los estudiantes de arte como un regreso dinámico al modelo educativo del atelier. Los ateliers, populares en el siglo XIX, enseñan a los artistas emergentes al emparejarlos con un maestro artista durante varios años. El proceso educativo comienza cuando los estudiantes copian obras maestras y luego gradualmente avanzan a la pintura a medida que desarrollan sus habilidades. Los muchos artistas, en todos los niveles, que aprendieron del Atelier de Dibujo Clásico han estado clamando por más de este sofisticado enfoque de enseñanza y aprendizaje.
En el Atelier de Pintura Clásica, Aristides, líder en el movimiento del atelier, guía a los estudiantes paso a paso a través de las mejores obras de los Viejos Maestros y los artistas realistas más respetados de hoy en día para revelar los principios de crear bodegones, retratos y pinturas de figuras realistas a todo color. Rico en tradición, pero práctico para los artistas de hoy, el Atelier de Pintura Clásica es ideal para estudiantes de arte serios que buscan una educación visual atemporal.
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CONCEPTOS FUNDAMENTALES DEL LENGUAJE ESCULTORICO
En este texto se abordan temas como el análisis del tiempo y del movimiento, la forma, el espacio, la materia y los problemas del lenguaje y la comunicación presentes en todos los campos artísticos. Estos temas nos invitan a reflexionar sobre nuestra pertenencia a un mundo que percibimos en volumen, una experiencia preciosa que a veces debemos «reconocer».
La colección que presentamos consta de una serie de tratados y manuales que abarcan los diversos conocimientos necesarios para los estudios universitarios de Bellas Artes. Estos materiales han sido adaptados para cumplir con las exigencias de los planes educativos establecidos en la Unión Europea.
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COOL PAINTING
La pintura ha sido siempre una forma de expresión artística que ha estado presente a lo largo de la historia. Actúa como una narradora fiel de nuestra sociedad, reflejando sus inquietudes y sueños en cada momento. A lo largo del tiempo, se han desarrollado una infinidad de técnicas y estilos diferentes, desde el realismo más puro hasta el simbolismo, la abstracción y el expresionismo. Estas herramientas han sido utilizadas por artistas para elevar al máximo la sensibilidad de nuestros sentidos al contemplar sus obras.
Cada pintura se convierte en una forma única de expresión. En la actualidad, disfrutamos de una libertad creativa total y estamos expuestos a una gran cantidad de información visual. Por lo tanto, la multidisciplinariedad, la simplicidad de los trazos, la mezcla de texturas y la experimentación de estilos y técnicas son constantes en el trabajo de cada artista.
La pintura nos permite explorar nuevas formas de comunicación y expresión. A través de ella, los artistas pueden transmitir sus pensamientos, emociones y visiones del mundo. Cada pincelada y cada color elegido tienen un significado propio, creando una experiencia visual única para el espectador.
La magia de la pintura radica en su capacidad para trascender las barreras del lenguaje y conectarnos a un nivel más profundo. Nos invita a reflexionar, a sentir y a experimentar el mundo de una manera única. Ya sea a través de paisajes, retratos, abstractos o cualquier otro estilo, la pintura nos transporta a otros mundos y nos permite explorar la belleza y la complejidad de la vida.
En definitiva, la pintura sigue siendo una forma de arte fascinante y en constante evolución. Nos permite conectarnos con nuestra creatividad, expresarnos y apreciar la belleza que nos rodea. A través de ella, podemos explorar nuestra propia sensibilidad y descubrir nuevos horizontes en el vasto mundo del arte.
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CUANDO LA PINTURA ES UN ARTE
«Cuando la pintura es un arte» es una fascinante exposición que presenta una cuidada selección de ochenta obras de arte extraordinarias procedentes de diferentes partes del mundo. En esta muestra, se analiza detalladamente qué es lo que hace que estas obras sean tan excepcionales y memorables.
El recorrido por la exposición nos permite apreciar la maestría de renombrados artistas como Miguel Ángel, Vermeer y Hopper, cuyas obras han dejado una huella imborrable en la historia del arte. Además, también se incluyen algunas esculturas de gran valor debido a su importancia en el desarrollo de esta disciplina artística.
Andy Pankhurst y Lucinda Hawksley, expertos en arte, nos guiarán a través de esta experiencia única, revelándonos las cualidades únicas y destacables de cada una de estas obras clave. Su profundo conocimiento y pasión por el arte nos permitirán apreciar en toda su magnitud la belleza y el significado que encierran estas piezas maestras.
Sumérgete en el mundo de la pintura y descubre por qué estas obras han dejado una huella imborrable en la historia del arte. «Cuando la pintura es un arte» es una oportunidad única para adentrarse en el fascinante universo de la creatividad y la expresión artística.»
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CULPA Y DEUDAS
El enfoque artístico de Dierk Schmidt (Unna, Alemania 1965) se centra en la utilización de lo estético y lo visual para cuestionar las narrativas históricas lineales y positivistas. Los relatos coloniales, marcados por omisiones y violencias, así como la urgencia de restituir objetos y restos humanos expoliados, son los temas fundamentales que aborda a través de su obra.
La retrospectiva organizada por el Museo Reina Sofía reúne una selección de sus piezas más destacadas, que datan desde los años noventa, como El reparto de la tierra o Vitrinas rotas, entre otras. Además, la exhibición culmina con el resultado de dos proyectos de investigación desarrollados específicamente para la muestra y que giran en torno al pasado colonial español. Por un lado, se analiza la función del Palacio de Velázquez como sede de la Exposición General de Filipinas en 1887, y por otro lado, se exploran las expediciones al Sahara del arqueólogo Julio Martínez Santa-Olalla durante la época del franquismo.
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CÚPRICO
La exposición de Jesús Conde, Cúprico, en el Espacio «Obra Invitada» de la Antigua Escuela de Magisterio de la Universidad de Jaén fue inaugurada el 7 de febrero de 2018. La muestra estuvo abierta al público desde el 7 de febrero hasta el 1 de abril de 2018. Durante la inauguración, se presentó el catálogo editado por el servicio de publicaciones de la Universidad.
El catálogo nos muestra los treinta y siete cobres que se exhibieron en la muestra. Estas obras son un ejemplo representativo de la obra plástica del académico Jesús Conde Ayala (Archidona, 1953). Según el propio artista, esta exposición se caracteriza por recopilar experiencias y sentimientos a través de objetos atractivos que lo han acompañado a lo largo de su vida y que tienen un cierto exotismo y melancolía.
El catálogo cuenta con dos capítulos y un prontuario curricular del artista malagueño. El primer capítulo, titulado «Cámara de Maravillas», fue escrito por el catedrático Pedro A. Galera Andreu. En este capítulo se nos habla del «mundo preciosista y recóndito» que el artista consigue a través de la ordenación de sus experiencias en imágenes recopiladas en sus cobres. El segundo capítulo, redactado por el doctor Fernando Villena, lleva por título: «Jesús Conde y la Melancolía». En este apartado se analiza la idea de perfección que Jesús Conde busca transmitir a través de su obra.
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DE AUSTRIAS A BORBONES
El estudio del discurso religioso en la Edad Moderna ha captado la atención de los historiadores modernistas y del arte en los últimos años. En particular, se ha prestado especial interés a la construcción visual de estos discursos, especialmente en el ámbito religioso, durante los siglos del Barroco.
La imagen desempeñó un papel fundamental en la difusión de ideas religiosas y políticas en esa época. Se convirtió en un vehículo persuasivo que transmitía mensajes de manera efectiva. Por lo tanto, las condiciones de construcción visual de estos discursos han sido objeto de estudio en el proyecto de investigación «Barroco entre dos mundos: relaciones y alternativas en la escultura andaluza e hispanoamericana entre 1700 y 1750» (HAR-2017-83017P).
Este proyecto, financiado por la Agencia Estatal de Investigación del Ministerio de Economía, Industria y Competitividad, se llevó a cabo entre los años 2018 y 2021. Como resultado de estos esfuerzos, se ha desarrollado este volumen que ofrece un enfoque multidisciplinario para comprender los procesos de construcción visual en el Barroco.
Este volumen confirma que la construcción visual fue un recurso persuasivo de gran eficacia en la mentalidad colectiva barroca. A través de distintos enfoques, se explora cómo la imagen se integró como ingrediente principal en la sociedad de la época, influyendo en la forma en que se transmitían y se comprendían las ideas religiosas.
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DE RAPHAEL A LA REVOLUTION: LES RELATIONS ARTISTIQUES ENTRE LA FR ANCE ET L ITALIE (edición en francés)
Este volumen reúne todos los escritos de P. Rosenberg sobre las relaciones artísticas entre Francia e Italia en los siglos XVII y XVIII. La naturaleza de estos textos es variada: atribuciones inéditas, nuevas personalidades artísticas, la fortuna y el alcance de los pintores italianos en Francia, la influencia de una capital artística italiana en un artista francés, la política cultural de ambos países…
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DE SANTA CRUZ A LO MÁS ALTO. RAMÓN NÚÑEZ F. MATHEU, «EL ESCULTOR DE LAS ALTURAS» (SEGÚN F. COSSÍO)
Ramón Nuñez F. Matheu, conocido como «el escultor de las alturas» según F. Cossío, es reconocido por sus destacados estudios históricos sobre el Colegio de Santa Cruz de Valladolid.
Este talentoso escultor ha dedicado su carrera a investigar y documentar la historia de esta prestigiosa institución educativa. Sus estudios han sido fundamentales para comprender la importancia del Colegio de Santa Cruz en el desarrollo de la educación y la cultura en Valladolid.
El trabajo de Ramón Nuñez F. Matheu ha sido ampliamente reconocido y ha recibido elogios por su meticulosidad y rigor histórico. Sus investigaciones han revelado detalles fascinantes sobre la fundación y el funcionamiento del Colegio de Santa Cruz, así como sobre la vida de sus estudiantes y profesores.
Gracias a sus estudios, ahora sabemos más sobre la influencia del Colegio de Santa Cruz en la formación de grandes personalidades de la época, como Antonio de Nebrija y Fray Bartolomé de las Casas. Estos personajes históricos estudiaron en esta institución y posteriormente dejaron un legado importante en la historia de España y América.
Los escritos de Ramón Nuñez F. Matheu también han permitido entender mejor la arquitectura y el arte que se desarrolló en el Colegio de Santa Cruz. Sus descripciones detalladas de las esculturas y los elementos decorativos nos transportan a la época en que este emblemático edificio fue construido.
En resumen, los estudios históricos de Ramón Nuñez F. Matheu sobre el Colegio de Santa Cruz de Valladolid nos brindan una visión enriquecedora de esta institución y su impacto en la historia de la educación y la cultura. Su dedicación y pasión por la investigación histórica han dejado un legado invaluable para las generaciones presentes y futuras.
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DEL ARTE RUPESTRE AL DIGITAL
Esta obra se adentra en la historia de la pintura con la premisa de que el arte visual es una forma específica de expresar ideas y valores a través de una representación material en el contexto en el que se creó la imagen. La clave de la obra radica en la conjunción entre ideas, su forma de expresión y su historia.
Desde tres perspectivas diferentes -como totalidad, como objeto histórico y como elemento de comunicación- se analizan ejemplos fundamentales de cada período estudiado. Se enfatiza en que la obra refleja el pensamiento en imágenes del autor, a través de la cual expresa el mundo en el que vive.
Con el objetivo de facilitar la contemplación y comprensión de la obra pictórica, se presentan de manera sistemática y clara las pautas estéticas, iconográficas e históricas que conforman la pintura, y cómo se relacionan con el contexto en el que fue creada.
El contenido se estructura en cuatro partes fundamentales, basadas en la cultura visual dominante: el sistema visual primitivo al clásico, el sistema visual medieval, el renacentista y el moderno. Cada una de estas partes se establece en base a parámetros específicos.
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DES DE LA SOLEDAT I EL SILENCI. LA PINTURA DE JAUME MERCANT (edición en catalán)
Este libro tiene como objetivo reivindicar y dar a conocer la figura y obra del pintor autodidacta Jaume Mercant Melis (Capdepera 1908-Palma 1999), un artista particular en su forma personal y peculiar de mirar, ver e interpretar el paisaje mallorquín. A lo largo de más de cincuenta años de trayectoria, cultivó diversos géneros, pero es considerado uno de los paisajistas más interesantes y renovadores de la segunda mitad del siglo XX en las Islas Baleares.
El libro recorre no solo su figura «esquiva, contradictoria, peculiar y sin rodeos en los circuitos artísticos», sino que también tiene en cuenta su entorno familiar y personal, así como las circunstancias y eventos sociales, económicos, culturales, ideológicos y artísticos que lo marcaron.
Asimismo, se analizan la temática, los elementos formales, las influencias y las conexiones estilísticas e iconográficas de gran parte de las 265 obras que aparecen en la extensa catalogación, que abarca desde las obras conservadas de los años veinte hasta el último boceto documentado en 1984.
La obra de Mercant es el resultado de un aprendizaje continuo en solitario, ya que el pintor siempre quiso salvaguardar su libertad, independientemente de tendencias y modas, para crear un lenguaje propio, personal e identificable, un lenguaje que transmite silencio, sensibilidad y poesía.
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DESTINATION ART (edición en inglés)
«Destination Art[registered]» es la primera guía crítica completa de obras de arte en tierra y medio ambiente, parques de esculturas e instalaciones específicas del lugar en todo el mundo. Es una lectura altamente accesible, cuenta con fotografías impresionantes y está diseñada para ser práctica e informativa. Con cincuenta destinos destacados en ensayos sustanciales y otros 150 sitios con descripciones concisas, está destinada a convertirse en la obra de referencia estándar sobre un tema cuya importancia y atractivo atrae a audiencias cada vez más amplias cada año tanto para el disfrute como para el estudio.
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DISEGNARE IL MARMO/DRAWING MARBLE (edición en inglés)
El catálogo se publica con motivo de la exposición «Dibujar el mármol» organizada por el Ayuntamiento de Carrara y montada en la Academia de Bellas Artes del 23 de octubre de 2004 al 26 de febrero de 2005. La publicación muestra, a través de imágenes, el trabajo de cuarenta artistas: escultores, arquitectos, pintores, fotógrafos y diseñadores, que han utilizado el mármol con diferentes técnicas, combinando materiales como el plomo, el vidrio, el mosaico, generando así una verdadera «narración» visual, una especie de «libro» predominantemente gráfico, que permite una experiencia perceptiva frontal similar a las exposiciones de pintura.
El volumen presenta la documentación del proyecto diseñado por cada artista junto con las realizaciones en tablas de mármol de dos metros de largo.
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DOCUMENTS DE LA PINTURA VALENCIANA MEDIEVAL I MODERNA III (edición en catalán)
Presentamos la tercera entrega de un proyecto ambicioso que recopila todos los documentos relacionados con la pintura valenciana anterior a la época contemporánea. En este volumen, el lector descubrirá más de mil documentos sobre pintores y sus obras. Este corpus documental es fruto del arduo trabajo realizado por destacados historiadores como *Roc Chabàs, Lluís Tramoyeres, Josep Sanchis Sivera, Manuel Betí o Lluís Cerveró.
El equipo liderado por Ferran Garcia-Oliver y dirigido por Ximo Company, Llusa Tolosa y Joan Aliaga ha reunido, revisado y compilado minuciosamente todo el material conocido hasta ahora. Además, se han hallado numerosos documentos inéditos, fruto de una exhaustiva investigación en diversos archivos valencianos, desde los grandes depósitos de la ciudad de Valencia (Arxiu del Regne, Arxiu Municipal, Arxiu de la Catedral, Arxiu de Protocols del Patriarca) hasta los archivos locales de otras poblaciones valencianas y el Archivo Histórico Nacional de Madrid.
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EL CAMÍ DELS OCELLS (edición en catalán)
La pau espiritual del satori se alcanza a menudo con los pasos más pequeños. La esencia suele esconderse en gestos diminutos. Este delicado libro, dirigido a pequeños y grandes, señala la manera de emprender el vuelo a través de once meditaciones bellamente ilustradas.
Ona Cepero es la ganadora del último Premio Eva Toldrà de Ilustración, galardón que elige anualmente el mejor proyecto de final de carrera entre todas las escuelas de arte y diseño del país. Este año celebramos el décimo aniversario del premio, que con obras como «La sombra de la Dora», «La respuesta silenciosa» o «Cartografía anatómica de las legendarias islas corpóreas», reivindica el talento emergente y valora la excelencia académica de los ilustradores del futuro.
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EL JAPÓN DE HOKUSAI
Si pensamos en una imagen que simbolice la creación artística de Japón, sin duda nos vendrá a la cabeza la estampa de una ola azul que se alza y, en su movimiento, crea el marco para una montaña mítica, el monte Fuji, aunque desconozcamos el nombre del autor.
La gran ola de Kanagawa, conocida como una de las obras maestras del arte japonés, fue creada en torno a 1830 por Katsushika Hokusai, un septuagenario que llevaba más de medio siglo experimentando técnicas y estilos artísticos. A lo largo de su carrera, produjo alrededor de treinta mil pinturas, bocetos y dibujos para grabados.
Katsushika Hokusai nació en 1760 y vivió durante el Periodo Edo, también conocido como el tiempo de los shogunes. Esta época, considerada una de las más asombrosas en la historia de Japón, se extendió desde 1603 hasta 1868, con el inicio de la era Meiji. Durante este periodo, el poderoso clan dominante, la familia Tokugawa, decretó el cierre del archipiélago al exterior, lo que condujo al país a un hermetismo sin parangón. Este aislamiento propició el desarrollo de costumbres y tradiciones distintas a las del resto del mundo.
Fue en este contexto que surgieron algunas de las creaciones culturales más originales de Japón, como el teatro kabuki y el grabado ukiyo-e. Estas formas de expresión artística representaban la vida cotidiana y las escenas del mundo flotante, un término que se utilizaba para describir el efímero y cambiante mundo de los placeres urbanos.
Además de estas manifestaciones artísticas, el Periodo Edo también está asociado con las geishas, que han sido objeto de numerosos estereotipos y malas interpretaciones. La pregunta que surge es: ¿Qué papel tenía la mujer en ese mundo? ¿Qué supuso el ascenso social de la nueva clase urbana? ¿Y cuándo perdieron los samuráis sus privilegios?
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EL MODELO VENECIANO EN LA PINTURA OCCIDENTAL (2ª ED.)
La pintura veneciana es uno de los hilos conductores esenciales en la historia del arte occidental. Si deseamos comprender la cultura visual de la que somos herederos, debemos dirigir nuestra mirada hacia sus raíces. En el siglo XVI, Venecia se convirtió en el punto de partida de un camino que ha influenciado a grandes artistas como Pablo Picasso y Roy Lichtenstein.
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EL RETRATO
El retrato ha sido uno de los géneros artísticos más practicados en el arte occidental desde la Antigüedad Clásica hasta prácticamente la época contemporánea. Sin embargo, es a partir del Renacimiento cuando alcanza su pleno desarrollo histórico. Durante este periodo, el retrato se aborda desde diversas perspectivas y se subdivide en diferentes variantes para adaptarse a las cambiantes exigencias sociales.
El objetivo principal del retrato es estudiar el género y sus diferentes prototipos históricos. Además, también se busca analizar las fuentes psicológicas y sociales que influyen en la representación de los individuos. Por último, se estudia la evolución del retrato a lo largo de los estilos y escuelas nacionales más característicos.
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EL VIDRIO EN LA PINTURA DEL MUSEO NACIONAL DEL PRADO
En este libro se registra una colección de más de mil objetos de vidrio que se encuentran representados en los cuadros del Museo del Prado. Las piezas están clasificadas tipológicamente en diferentes categorías. Por un lado, se encuentran los objetos de vidrio hueco, como botellas, jarras, vasos y copas, que son principalmente pintados en los bodegones. Por otro lado, están los objetos de vidrio plano, como ventanas, vidrieras y espejos.
También se incluyen objetos de vidrio científico utilizados para aplicaciones ópticas, como anteojos, gafas y lupas, así como para aplicaciones químicas, como retortas y matraces. Además, se presentan faroles y lámparas, como quinqués o arañas, así como relojes, floreros y objetos litúrgicos, como custodias y cálices. Finalmente, se mencionan diversas piezas como cajitas, cuencos, cetros y fanales.
La descripción de cada objeto se acompaña de magníficas reproducciones de las obras pictóricas en las que aparecen. Además de los cien cuadros que se encuentran en el Museo del Prado, también se incluyen veinte obras que están en otros museos. Asimismo, se presentan imágenes de piezas de vidrio originales que sirven como punto de referencia para el estudio de algunas de las representadas en los cuadros.
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ELS COLOR DE LA CRONICA (2004-2005) (edición en catalán)
En los años 2004 y 2005, el artista Iago Pericot creó una colección de 30 obras de pop art que reflejaban su visión del mundo. Sus creaciones se destacaron por su estilo vibrante y colorido, capturando la esencia de la cultura popular de la época.
Cada obra de Iago Pericot era una expresión única de su creatividad y su fascinación por la sociedad contemporánea. A través de sus piezas, el artista logró transmitir emociones y reflexiones sobre temas relevantes de la vida cotidiana.
La reproducción de estas 30 obras de pop art de Iago Pericot nos lleva a un viaje visual a través de su imaginación y su ingenio. Cada cuadro es una ventana a un mundo lleno de energía y significado, donde cada detalle cuenta una historia diferente.
Las obras de Iago Pericot son un testimonio de su habilidad para capturar la esencia de su entorno y transformarla en arte. Su impacto en el mundo del pop art durante esos dos años dejó una huella imborrable en la historia del arte contemporáneo.
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ESCULTURA (edición en catalán)
Ferrusola i Domènech, Xus Beca Pallach, Instituto de Ciencias de la Educación «Josep Pallach» de la UdG, Ayuntamiento de Girona.
ESCULTURA es una propuesta divertida y didáctica para conocer, entender y fomentar las esculturas públicas de la ciudad de Girona.
Girona es un Museo de Esculturas al aire libre. Al caminar por las calles podemos encontrar una gran diversidad de esculturas, monumentos, fuentes, relieves integrados en la arquitectura… y si nos referimos a otras disciplinas artísticas como los edificios arquitectónicos, murales de cerámica y pintura, grafitis, etc…, nos damos cuenta de que tenemos un museo público al alcance de todos. Sin embargo, muchas veces es poco valorado por los peatones que pasean por la ciudad.
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ESCULTURA EN COLOMBIA
El mercado escultórico durante el descubrimiento y ocupación del Nuevo Mundo por parte de los españoles fue un factor clave en los intercambios culturales entre Europa, América y Asia. Este libro se enfoca en analizar el mercado escultórico de la época, explorando temas como la producción en serie, las redes comerciales, los precios de las obras y la logística necesaria para su transporte.
El objetivo principal de este libro es ofrecer el primer análisis integral de la escultura neogranadina, es decir, aquella que se realizó o se recibió en los territorios de Nueva Granada, que corresponde a la actual Colombia, durante los siglos XVI y XVIII. Esta obra busca profundizar en la comprensión de la producción escultórica de la época y su impacto en el desarrollo cultural de la región.
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FRUTAS Y CASTAS ILUSTRADAS
Nos encontramos ante una exposición que nos sumerge en el fascinante mundo del arte y su representación de la realidad social en las nuevas tierras.
Esta muestra nos ofrece una visión única y profunda de cómo los artistas han utilizado su creatividad para plasmar la complejidad de la sociedad en estas tierras desconocidas.
El arte, como expresión de la cultura y la identidad de un pueblo, ha sido utilizado a lo largo de la historia para reflejar y cuestionar la realidad social. En esta exposición, podemos apreciar cómo los artistas han utilizado diferentes técnicas y estilos para representar los desafíos y las luchas de las comunidades que habitan estas nuevas tierras.
Al adentrarnos en las salas de esta exposición, nos encontramos con una amplia variedad de obras de arte, desde pinturas hasta esculturas y fotografías. Cada una de ellas nos transporta a un momento específico en la historia y nos invita a reflexionar sobre las realidades sociales que fueron enfrentadas.
Los artistas han utilizado su talento para retratar la vida cotidiana, las desigualdades, las injusticias y los sueños de las personas que habitan estas nuevas tierras. A través de sus obras, nos muestran la belleza y la complejidad de la diversidad cultural y nos invitan a cuestionar y reflexionar sobre nuestra propia realidad.
Esta exposición es una oportunidad única para sumergirnos en la historia y entender cómo el arte ha sido utilizado como una herramienta para representar y dar voz a las realidades sociales de las nuevas tierras. Nos invita a apreciar la importancia del arte como un medio de comunicación y como una forma de resistencia y cambio social.
En resumen, esta exposición nos ofrece un viaje fascinante a través del arte y su representación de la realidad social en las nuevas tierras. Es una oportunidad para apreciar la creatividad y la valentía de los artistas que han utilizado su talento para dar voz a las comunidades que habitan estas tierras desconocidas.
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GRUPOS HOMOESPECIFICOS EN EL IMAGINARIO MOBILIAR MAGDALENIENSE RE TRATOS DE FAMILIA Y CUADROS DE GENERO
Presentación: Retratos de familia y cuadros de género.
Stupenda. Repasando textos ajenos: La perplejidad de los pioneros. Reflexiones de Henri Breuil. Mentalidad primitiva como recurso de explicación. Realismo intelectual y organización de conjuntos. Otros clásicos. Minimalistas de los últimos años.
Exempla. Sesenta documentos, varias lecturas y muchas interpretaciones: Grupos de dos y más figuras. Agrupaciones mayores y heterogenéricas.
Itineraria. Recursos y vericuetos de la argumentación: De la familiaridad a la modelización. Nuevas lecturas. Representación grupal.
Supervacua?: Teoría versus datos…
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GUARDIANES DE LA MEMORIA. PINTURA Y LITERATURA
En la Biblioteca Nacional se llevó a cabo una exposición especial que ofreció una interesante mirada a los escritores y su relación con la escritura. El catálogo de esta exposición presentó una colección de retratos de estos autores, quienes se representan a sí mismos a través de sus obras literarias.
Los visitantes tuvieron la oportunidad de explorar las diversas facetas de estos escritores, descubriendo cómo plasman sus emociones y experiencias en sus textos. Cada retrato mostraba una parte única de la personalidad y el mundo interior de cada autor, revelando sus pasiones y motivaciones al escribir.
La exposición fue una celebración de la creatividad y la introspección, brindando a los asistentes la posibilidad de sumergirse en el universo literario de estos destacados escritores. Los retratos capturaron la esencia de cada artista, mostrando la conexión profunda entre su vida y su obra.
Esta exhibición fue una invitación a reflexionar sobre la influencia de la vida personal en la creación literaria, demostrando cómo la escritura puede ser un reflejo del alma y una ventana a la mente de los autores. Los retratos en el catálogo ofrecieron una visión única y reveladora de la compleja relación entre el escritor y su obra.
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HERMINIO
Herminio Álvarez, conocido como Herminio, es el artista asturiano más reconocido a nivel nacional e internacional. Nació en el pequeño pueblo de La Caridad, Asturias, y proviene de la famosa familia de los Xacobos, personas creativas y artísticas. Desde temprana edad, junto a su tío materno Angelín, apodado el Ferreirio, se dedicaba a construir inventos, como una máquina de movimiento perpetuo sin necesidad de energía adicional.
A pesar de su pasión por el arte, tuvo que seguir los pasos de su familia y trabajar como tejedor para ganarse la vida. Luego, se aventuró a regentar un supermercado, pero fue alrededor de los 45 años cuando finalmente siguió su verdadera vocación: el arte. Comenzó pintando paisajes, naturalezas muertas y flores, utilizando el apelativo cariñoso por el que era conocido en el pueblo: Memi. Incluso incursionó en la miniatura, pero todo cambió cuando recibió la recomendación del crítico de arte asturiano Jesús Villa Pastur para ingresar al taller de arte experimental del ovetense Humberto García del Villar.
Herminio empezó a crear esculturas utilizando cartón prensado, un material económico y fácil de obtener. Expuso en varias galerías, como la galería Cornión de Gijón, la galería Amaga de Avilés y la galería ovetense de Carmen Benedet. Posteriormente, comenzó a utilizar madera, especialmente castaño, y presentó sus obras en la galería Vértice de Oviedo en 1998, lo que le abrió las puertas de la feria internacional ARCO.
En su constante interés por la experimentación y el aprendizaje, Herminio decidió utilizar nuevos materiales con el objetivo de otorgar un sentido perdurable a sus obras. Su principal preocupación desde la infancia fue el magnetismo terrestre, por lo que decidió reemplazar la madera por acero inoxidable y aluminio, materiales que solo se pueden trabajar con imanes. A partir de entonces, las tensiones, los pesos y la gravedad se convirtieron en la esencia fundamental de su universo artístico.
Hoy en día, sus obras se encuentran en museos y colecciones privadas prestigiosas, como la Colección Dove de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Asturias y la Fundación Princesa de Asturias, entre otros.
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HERMINIO
Herminio, conocido como Herminio Álvarez, es un renombrado artista vivo de Asturias con reconocimiento a nivel nacional e internacional. Originario del pequeño pueblo asturiano de La Caridad, proviene de la destacada familia de los Xacobos, individuos excepcionales y creativos, con una gran habilidad artística. Desde temprana edad, se reunía con su tío materno Angelín, apodado el Ferreirio, quien era herrero, para intentar crear una máquina que funcionara de forma perpetua sin necesidad de energía adicional. Esta obsesión se convirtió en su pasión de por vida.
A pesar de la escasez de recursos económicos, tuvo que dedicarse al oficio familiar de tejedor. Más adelante, incursionó en el mundo empresarial al administrar un supermercado, pero no fue hasta los 45 años que decidió seguir su verdadera vocación: el arte. Inició pintando paisajes, naturalezas muertas y flores, bajo su apodo cariñoso Memi. Incluso incursionó en la miniatura, pero todo cambió cuando ingresó al taller de arte experimental de Humberto García del Villar en Oviedo, recomendado por el crítico de arte asturiano Jesús Villa Pastur.
Herminio empezó a crear esculturas con cartón prensado, un material económico y accesible. Exhibió sus obras en galerías como Cornión en Gijón, Amaga en Avilés y la galería de Carmen Benedet en Oviedo. Posteriormente, se inclinó por trabajar la madera, especialmente el castaño, y presentó sus creaciones en la galería Vértice de Oviedo en 1998, abriéndose camino hacia la reconocida feria internacional ARCO.
Interesado en la experimentación y el aprendizaje continuo, Herminio optó por utilizar nuevos materiales con el propósito de dar un sentido perdurable a sus obras. Su inquietud por el magnetismo terrestre desde la infancia le llevó a reemplazar la madera por acero inoxidable y aluminio, aptos para trabajar con imanes. Las tensiones, los pesos y la gravedad se convirtieron en el eje central de su universo artístico.
Hoy en día, sus creaciones se encuentran en prestigiosos museos y colecciones privadas como la Colección Dove de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Asturias y la Fundación Princesa de Asturias, entre otros.
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HERMINIO
Herminio Álvarez, conocido como Herminio, es el artista asturiano más reconocido a nivel nacional e internacional. Nació en el pequeño pueblo asturiano de La Caridad y proviene de la destacada familia de los Xacobos, personas creativas y artísticas. Desde temprana edad, Herminio se fascinó con la idea de crear una máquina de movimiento perpetuo sin necesidad de energía adicional, junto a su tío materno Angelín, conocido como el Ferreirio, forjador de hierro.
A pesar de su obsesión por la invención, la falta de dinero lo llevó a seguir el oficio familiar de tejedor. Luego, se aventuró a regentar un supermercado, pero no fue hasta los 45 años que descubrió su verdadera vocación: el arte. Comenzó pintando cuadros de paisajes, naturalezas muertas y flores, bajo el apelativo cariñoso de Memi. Incluso incursionó como miniaturista, hasta que tuvo la oportunidad de formarse en el taller de arte experimental del ovetense Humberto García del Villar, gracias a la recomendación del crítico de arte asturiano Jesús Villa Pastur.
Herminio comenzó a crear esculturas con cartón prensado, un material económico y fácil de conseguir. Expuso sus obras en galerías como Cornión de Gijón, Amaga de Avilés y la galería de Carmen Benedet en Oviedo. Posteriormente, se inclinó por trabajar la madera, especialmente el castaño, y en 1998 presentó sus obras en la galería Vértice de Oviedo, lo que le brindó la oportunidad de participar en la feria internacional ARCO.
En su búsqueda constante de experimentación y aprendizaje, Herminio decidió emplear nuevos materiales para darle un sentido duradero a sus obras. El magnetismo terrestre siempre fue su principal preocupación, por lo que reemplazó la madera por acero inoxidable y aluminio, que solo podía trabajar con imanes. Las tensiones, los pesos y la gravedad se convirtieron en la esencia fundamental de su universo artístico.
Hoy en día, las obras de Herminio se encuentran en importantes museos y colecciones privadas, como la Colección Dove de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Asturias y la Fundación Princesa de Asturias, entre otros.
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HERMINIO
Herminio Álvarez, conocido como Herminio, es el artista asturiano más reconocido a nivel nacional e internacional. Nació en La Caridad, un pequeño pueblo asturiano, y proviene de la famosa familia de los Xacobos, personas creativas y artísticas. Desde niño, Herminio se reunía con su tío materno Angelín, apodado el Ferreirio, para construir inventos. Su obsesión por crear una máquina en movimiento perpetuo sin utilizar energía adicional se convirtió en su vida.
Debido a la falta de dinero, Herminio tuvo que seguir el oficio familiar de tejedor. Luego, se aventuró a regentar un supermercado, pero no fue hasta los 45 años que descubrió su verdadera vocación: el arte. Comenzó pintando cuadros de paisajes, naturalezas muertas y flores, firmados con el apodo cariñoso por el que era conocido en el pueblo: Memi. Incluso incursionó en la miniatura, pero todo cambió cuando ingresó al taller de arte experimental del ovetense Humberto García del Villar, recomendado por el crítico de arte asturiano Jesús Villa Pastur.
Herminio comenzó a crear esculturas con cartón prensado, un material barato y fácil de conseguir. Expuso en diversas galerías como Cornión en Gijón, Amaga en Avilés y Carmen Benedet en Oviedo. Luego, se inclinó por utilizar madera, especialmente castaño, y presentó sus obras en la galería Vértice de Oviedo en 1998, lo que le abrió las puertas de la feria internacional ARCO.
En su constante interés por la experimentación y el aprendizaje, Herminio decidió utilizar nuevos materiales para dar un sentido duradero a sus obras. El magnetismo terrestre siempre fue su principal preocupación, por lo que reemplazó la madera por acero inoxidable y aluminio, materiales adecuados para trabajar con imanes. Las tensiones, los pesos y la gravedad se convirtieron en la razón fundamental de su universo artístico.
Hoy en día, sus obras se encuentran en museos y colecciones privadas como la Colección Dove de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Asturias y la Fundación Princesa de Asturias, entre otros.
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HIGHLIGHTS (ED. BILINGÜE INGLES-CASTELLANO)
Resaltos
Catálogo de la exposición Resaltos. Prudencio Irazábal, editado por ARTIUM de Álava y el Centro de Arte Caja de Burgos.
El trabajo de Prudencio Irazábal se ha desarrollado en el campo de la pintura. La experiencia creativa de este artista se compara a un largo e intenso viaje de constante búsqueda y rigurosa investigación sobre el devenir histórico de la pintura, el significado y la etimología de esta palabra, y las posibilidades y limitaciones de los materiales pictóricos. Avalado por un coherente discurso teórico.
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HISTORIA SOCIAL DE LA LITERATURA Y EL ARTE (VOL. I): DESDE LA PRE HISTORIA HASTA EL BARROCO
La historia social de la literatura y el arte es un tema fascinante que ha sido abordado por diversos autores a lo largo del tiempo. Uno de los libros más conocidos y emblemáticos sobre este tema es el de Arnold Hauser, quien nos ofrece un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Su obra, dividida en varios volúmenes, nos lleva desde la Prehistoria hasta el Barroco, explorando cómo la sociedad influye en la creación artística.
En la introducción de esta edición, Valeriano Bozal nos invita a reflexionar sobre el magnífico intento de Hauser por comprender el presente a través de la investigación histórica. El autor nos presenta hipótesis que, con su lógica y brillantez, capturan nuestra atención y nos llevan a replantearnos nuestras propias ideas. Hauser logra vincular de manera magistral grandes acontecimientos, obras y autores específicos con el contexto socioeconómico de su tiempo. Su capacidad de generalización y su compromiso con la relación entre la literatura y las artes plásticas son dignos de admiración.
En palabras de Lourdes Ortiz en su reseña:»Hauser intenta reconciliar lo irreconciliable, huir de la mecanicista teoría del reflejo, deslindar los campos, reservar al sociólogo un margen limitado que concede, sin embargo, la autonomía a la obra bajo su aspecto estético.» Esta afirmación resume la valiosa contribución de Hauser, quien logra encontrar un equilibrio entre el análisis sociológico y la apreciación estética del arte.
En conclusión, la historia social de la literatura y el arte es un campo apasionante que nos permite comprender mejor el contexto en el que se desarrollan las obras artísticas. El libro de Arnold Hauser es una referencia imprescindible para aquellos interesados en explorar esta relación entre el arte y la sociedad a lo largo de la historia.
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ICONOGRAFIA DEL ARTE CRISTIANO: INTRODUCCION GENERAL
Resumen del índice:
Prefacio.
Introducción.
Primera parte: La iconografía de la biblia:
– Las fuentes de la iconografía bíblica.
– El simbolismo universal.
– La evolución de la iconografía bíblica.
Segunda parte: La iconografía de los santos:
– El reclutamiento de los santos.
– La formación de las leyendas hagiográficas.
– El culto a los santos.
– Las imágenes de los santos.
– Las etapas del arte cristiano moderno.
Índice de nombres.
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ICONOS: BELLEZA Y ORACION
Este libro tiene como objetivo ser un tributo a cómo los iconos nos sumergen en la hermosura de Dios, que es la clave de la contemplación. Orar no es más que eso: contemplar y enamorarse de esa divina belleza, el único antídoto que nos resguardará de la fealdad del mal y del pecado.
Aquí tenemos, por tanto, unas páginas que reúnen una selección de los iconos más representativos, con el único propósito de guiarnos a través de esa hermosura hacia una oración sencilla y contemplativa.
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IL PRINCIPE ROMANO: RITRATTI DELL ARISTOCRAZIA PONTIFICIA NELL ET A BARROCA. CATALOGO DELLA MOSTRA (ROMA, 12 OTTOBRE-2 DICEMBRE 2007) (edición en italiano)
Desde la presentación hasta el catálogo de la exposición, Roma X 2007. En esta ocasión, el Castel Sant’Angelo abre sus puertas para albergar una muestra que exhibe los resultados de una exhaustiva investigación sobre el retrato romano, prestando especial atención a los rostros de la aristocracia romana desde el Renacimiento hasta el siglo XIX. Durante este período, presenciamos el florecimiento y consolidación de este género pictórico, que responde a la necesidad de los aristócratas romanos de cumplir el deseo y la ambición de transmitir su imagen a las generaciones futuras y de afirmar su papel público a través de la obra de arte.
El retrato, además de buscar una representación fiel de los rostros, también se convierte en una imagen de la condición y el rango alcanzado, y a lo largo del tiempo se observa la cristalización de tipologías reconocibles según la época histórica. El siglo XVI ve la difusión de la tipología del «condottiero», adecuada para expresar el papel del noble en defensa contra la herejía y las amenazas expansionistas de los infieles. Posteriormente, a partir de la segunda mitad del siglo XVII, se afirma cada vez más el aspecto laico. Las telas preciosas y las pelucas vaporosas reemplazan la armadura, mientras que la elegancia y la forma prevalecen sobre las costumbres aún de carácter feudal. Desde la segunda mitad del siglo XVIII, como resultado de la circulación de las nuevas ideas iluministas, se quiere dar mayor importancia al aspecto intelectual, por lo que se observa la absoluta preeminencia del retrato del aristócrata vestido de civil, con objetos antiguos o libros refinados junto a él para resaltar precisamente este aspecto.
Junto con la exhaustiva investigación sobre el retrato, la exposición también ofrece la oportunidad de conocer a algunos artistas que se han dedicado al género del retrato, convirtiéndose en algunos casos en verdaderos especialistas. Este es el caso del pintor del siglo XVII Ferdinand Voet, apodado «Ferdinando dei ritratti», un artista que llegó a Roma desde su natal Amberes y que se convirtió rápidamente en uno de los máximos retratistas de la Roma barroca. Su ascendencia flamenca se revela en la atención a la descripción realista de los rasgos y los a
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INTRODUCCION A LA HISTORIA DE LA PINTURA
El lector de este libro tiene a su disposición dos herramientas fundamentales para comprender la pintura: los elementos que la componen y su contexto histórico. Ambos aspectos son examinados en los diferentes capítulos de este texto.
En primer lugar, se realiza un estudio exhaustivo de la obra pictórica más representativa de cada época histórica. Se analizan en detalle los elementos que conforman la pintura, como el color, la composición, la técnica utilizada, entre otros, con el objetivo de profundizar en su significado y apreciar su belleza.
Por otro lado, se realiza un análisis de las variables sociales, políticas, históricas y religiosas que influyeron en la creación de cada obra. Se estudia el contexto en el que fue realizada, para comprender cómo estos factores externos pueden haber influido en la temática, el estilo y los mensajes transmitidos por el artista.
Es a través de esta combinación de análisis de los elementos pictóricos y del contexto histórico que el lector podrá adentrarse en el mundo de la pintura y comprenderla en su totalidad. Al entender tanto los aspectos técnicos como los influjos históricos, se logra una apreciación más completa y enriquecedora de las obras de arte.
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INVESTIGACIÓN DOCUMENTACIÓN INNOVACIÓN ARTE ACTUAL VOL. 1
sta una estética más contemporánea y vanguardista.
Durante la década de los sesenta, la experimentación tecnológica tuvo un impacto revolucionario en el Arte. Los artistas comenzaron a explorar nuevas formas de expresión utilizando las últimas tecnologías disponibles. Esta nueva forma de crear arte rompió con las convenciones tradicionales y abrió las puertas a una era de creatividad sin límites.
La influencia de la experimentación tecnológica se hizo evidente tanto en la figura del artista como en el método creativo. Los artistas dejaron de ser vistos como meros creadores y se convirtieron en científicos del arte. Utilizaron la tecnología como una herramienta para explorar nuevas ideas y conceptos, desafiando las barreras tradicionales del arte.
La estética clásica también experimentó un cambio significativo durante este período. Los modelos de tradición idealista y romántica fueron reemplazados por una estética más contemporánea y vanguardista. Los artistas adoptaron un enfoque más experimental y comenzaron a utilizar materiales y técnicas no convencionales en su trabajo.
La experimentación tecnológica permitió a los artistas explorar nuevas formas de representación y comunicación. Utilizaron medios como la fotografía, el video y el arte digital para transmitir sus ideas de una manera innovadora. Estas nuevas formas de arte desafiaron las nociones tradicionales de belleza y estética, abriendo un nuevo mundo de posibilidades creativas.
En conclusión, la experimentación tecnológica durante la década de los sesenta tuvo un impacto transformador en el Arte. Cambió la forma en que los artistas se concebían a sí mismos y revolucionó el método creativo. Además, esta experimentación llevó a una evolución en la estética clásica, adoptando una perspectiva más contemporánea y vanguardista. Este período marcó el comienzo de una nueva era de creatividad y exploración artística.
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LA INVENCION DEL CUADRO: ARTE, ARTIFICES Y ARTIFICIOS EN LOS ORIG ENES DE LA PINTURA EUROPEA
oso o decorativo. Nos muestra cómo el cuadro ha evolucionado a lo largo de la historia, ganando autonomía y versatilidad. Antiguamente, las imágenes tenían una función devocional y un lugar específico, pero el cuadro ha surgido como un objeto de contemplación estética que puede formar parte de un ambiente doméstico, una colección o un museo.
Es interesante notar que el debate sobre el papel de la imagen comienza en un período de renovación filosófica y guerras religiosas. El cuadro se diferencia de los iconos, los murales sagrados o las miniaturas de los códices en su intención de ser contemplado de manera distinta. Puede ser destruido, venerado, coleccionado, comprado y vendido.
Con la diversificación de los géneros pictóricos, comienza la Era del Arte. Ahora, lo importante no es solo la temática, sino la personalidad del pintor y su reflexión al pintar sobre el mundo y su entorno. Este libro nos invita a considerar el cuadro como algo más que un objeto religioso o decorativo. Nos muestra su importancia como una expresión del mundo y de la personalidad del artista.