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100 DONES. 100 INSPIRACIONS CREATIVES (edición en catalán)
Grandes artistas de diferentes lugares y épocas hablan sobre el hecho creativo, la inspiración, el poder transformador del arte y muchos otros aspectos del proceso artístico. Y todas ellas son mujeres, casualmente. A pesar de ser grandes artistas, muchas de ellas son poco o nada conocidas, y esto no es casual.
El mundo del arte ha estado dominado históricamente por hombres, lo que ha llevado a que las contribuciones y voces de las artistas femeninas hayan sido subestimadas y relegadas al olvido. Sin embargo, a lo largo de la historia, numerosas mujeres han desafiado los estereotipos de género y han dejado una huella imborrable en el mundo del arte.
Una de estas grandes artistas es Frida Kahlo, una pintora mexicana reconocida por su estilo único y su representación de la identidad femenina. A través de sus autorretratos, Kahlo exploró temas como el dolor, la maternidad y la lucha por la igualdad de género. Su obra ha trascendido fronteras y ha inspirado a generaciones de mujeres artistas.
Otra destacada artista es Artemisia Gentileschi, una pintora italiana del siglo XVII. A pesar de las dificultades que enfrentó como mujer en un campo dominado por hombres, Gentileschi se convirtió en una de las primeras mujeres en ser reconocida como una gran pintora. Su obra se caracteriza por su enfoque en temas históricos y mitológicos, así como por su representación realista de la figura humana.
Además de estas dos artistas, también encontramos a Yayoi Kusama, una artista contemporánea japonesa conocida por su estilo único y su uso de patrones repetitivos. Kusama ha desafiado las normas del arte tradicional y ha explorado temas como la obsesión, la identidad y el concepto de infinito en su obra. Su trabajo ha sido exhibido en museos de todo el mundo y ha dejado una profunda huella en el arte contemporáneo.
Estas son solo algunas ejemplos de las muchas artistas femeninas que han contribuido de manera significativa al mundo del arte. Su talento y creatividad han desafiado las barreras de género y han demostrado que el arte no tiene fronteras ni límites. Es importante reconocer y valorar el trabajo de estas grandes artistas, y seguir promoviendo la igualdad de oportunidades para las mujeres en el ámbito artístico.
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20TH CENTURY ALCOHOL & TOBACCO ADS. 40TH ED. (edición en inglés)
En esta colección de anuncios de alcohol y tabaco del siglo XX, exploramos cómo la publicidad de estos productos se mueve entre la elegancia y la originalidad, presentando anuncios de diferentes épocas e imágenes icónicas como el Hombre Marlboro o Spuds Mackenzie. Descubra cómo se hacía publicidad en un tiempo en el que incluso los médicos recomendaban fumar.
Vicios o virtudes: el alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que podían crear grandes festines visuales. En este espectacular compendio de anuncios, exploramos cómo se representaban estos productos, moviéndonos entre la elegancia y la excentricidad. Descubrimos cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran.
Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan de manera exuberante página tras página. Imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como el Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta, y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.
Tanto si saborea estas delicias visuales como si disfruta a caladas o sorbos de estos placeres prohibidos, le encantará esta exploración de un capítulo vibrante y, en ocasiones, controvertido de la historia de la publicidad.
Sobre la serie
¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciamos nuestra labor como arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, ayudando a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles a nuestro credo. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio, pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
«Estos son los anuncios que nos empujaron a nosotros, a nuestros padres y a los padres de nuestros padres, hacia el lado oscuro de los cigarrillos y las bebidas alcohólicas.»
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ACCUMULATE, CLASSIFY, PRESERVE, DISPLAY: ROBERTO OBREGON ARCHIVE (edición en inglés)
Roberto Obregón, precursor del conceptualismo global, dedicó tres décadas a explorar la relación entre la naturaleza y el arte. Su incansable investigación y metodología consistieron en mostrar pétalos de rosas diseccionados, creando una suerte de vanitas contemporánea.
Este libro recopila el Archivo Roberto Obregón, que abarca la totalidad del legado del artista. Fue creado con motivo de la primera exposición individual de la obra de Obregón en una institución estadounidense y cuenta con ensayos de los curadores Jesús Fuenmayor y Kaira M. Cabañas.
El libro ofrece un registro exhaustivo de todas las obras después de años de trabajo en la clasificación del Archivo Obregón, realizado por Israel Ortega y Leonor Solá. Desde 2011, este archivo forma parte de la Colección Carolina y Fernando Eseverri.
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ACHILLE BONITO OLIVA Y LA TRANSVANGUARDIA ITALIANA
A finales de los años setenta, el crítico italiano Achille Bonito estableció el discurso de las corrientes artísticas que retomaron el pasado, la expresividad, la figuración y el movimiento del color. En su definición, Bonito identificó a los artistas transvanguardistas Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola De Maria y Mimmo Paladino como aquellos que recuperaron el concepto de la artesanía, la relevancia de la cita y los lenguajes del pasado desde una perspectiva actual. Además, rechazaron el sentido lineal de la historia, es decir, el darwinismo lingüístico.
¡Próximamente a la venta!
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ACUARELAS DE VIAJE DE PARIS
Este libro es un verdadero tesoro visual que nos lleva a recorrer los lugares favoritos de París del autor. En él, no solo encontraremos los famosos y archiconocidos sitios turísticos, sino también los lugares más ocultos y secretos de la ciudad. Esos rincones que no suelen aparecer en las guías tradicionales, pero que tienen un encanto especial.
El autor nos invita a descubrir aquellos lugares que, por casualidad, se cruzaron en su camino durante varias de sus visitas a París. Son esos pequeños tesoros que solo se descubren cuando uno se aventura a perderse por las calles de la ciudad. Y es precisamente en esas calles donde se encuentran las historias más fascinantes y los rincones más encantadores.
En cada página de este libro, nos adentraremos en la esencia de París. Desde los imponentes monumentos hasta los pintorescos cafés, pasando por los románticos puentes y los bohemios barrios. Cada imagen captura la magia y la belleza de la ciudad de la luz.
Además de las fotografías, el autor comparte con nosotros sus propias experiencias y emociones al descubrir estos lugares. Nos cuenta las historias que se esconden detrás de cada rincón y nos invita a imaginar cómo sería vivir en la ciudad del amor.
Este libro es un homenaje a París, una invitación a sumergirse en su atmósfera única y a dejarse llevar por su encanto. Es una obra que nos transporta a través del tiempo y el espacio, permitiéndonos conocer la ciudad desde una perspectiva diferente y auténtica.
Ya sea que hayas visitado París antes o sueñes con hacerlo en el futuro, este libro te inspirará y te enamorará de la ciudad como nunca antes. Descubre los secretos mejor guardados de París y déjate llevar por la magia de sus calles y sus rincones ocultos.
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ACUMULAR, CLASIFICAR, PRESERVAR, EXHIBIR: ARCHIVO ROBERTO OBREGON
Roberto Obregón, precursor del conceptualismo global, centró su atención durante treinta años en la relación entre la naturaleza y el arte, a través de una incansable investigación y una metodología para mostrar los pétalos de rosas diseccionados, como una suerte de vanitas contemporánea.
Esta publicación recopila el Archivo Roberto Obregón, que abarca la totalidad del legado del artista. Este libro se realizó con motivo de la primera exposición individual de la obra de Obregón en una institución estadounidense, e incluye ensayos de los curadores Jesús Fuenmayor y Kaira M. Cabañas.
El libro ofrece un registro exhaustivo de todas las obras después de años de trabajo en la clasificación del Archivo Obregón por parte de Israel Ortega y Leonor Solá. Desde 2011, este archivo forma parte de la Colección Carolina y Fernando Eseverri.
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AMABLE ARIAS. EL TEOREMA DE LA ANAMNESIS
Este libro es una publicación con motivo del proyecto expositivo «El Teorema de la anamnesis», comisariado por Jesús Palmero, que tuvo lugar entre el 18 de febrero y el 16 de abril de 2017. El proyecto se materializó en tres muestras simultáneas en el Laboratorio 987 del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León [MUSAC], el Centro Leonés de Arte [CLA] del Instituto Leonés de Cultura [ILC] y la Casa de las Culturas de Bembibre.
Amable Arias, el protagonista de esta exposición, es un artista cuyo universo creativo abarca diversos territorios como la pintura, el dibujo, las experiencias sonoras y la literatura. Aunque en el pasado recibió cierto reconocimiento de las instituciones artísticas del País Vasco, la mayor parte de su producción se desarrolló desde una autoimpuesta marginalidad. Esta actitud, que mantuvo hasta su fallecimiento en 1984, le permitió conservar una gran libertad en toda su obra, lo cual la mantiene absolutamente vigente desde una perspectiva actual.
Gran parte de la producción de Amable Arias, especialmente aquella más íntima y experimental, ha sido poco mostrada, manteniendo inéditos los sugerentes discursos que subyacen en ella. Durante mucho tiempo, esta parte de su obra fue considerada una práctica outsider, distante de los discursos canónicos de la historia del arte. Sin embargo, su estudio revela una gran riqueza al observar los giros conceptuales y teóricos presentes en su aparentemente ecléctica producción.
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AMABLES PERSONAJES
En este libro de ensayos, Oscar Tusquets, diseñador, pintor y arquitecto, nos presenta su visión única como un fino observador alejado de prejuicios. Nos ofrece una generosa mirada sobre el hecho artístico entendido en su más profunda humanidad. Aquello que, huyendo de lo engolado, destila oficio, amor y conocimiento.
Su enfoque hacia el arte, la arquitectura y el oficio es siempre una aproximación alejada de cualquier juicio previo o actitud preestablecida. Es en este distanciamiento sistemático donde encontramos su radical y profunda iluminación.
Los personajes que le sirven de punto de partida y que configuran este friso son, como el autor afirma en su título, «dignos de ser amados».
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AMAZONAS CON PINCEL 2: DE MARINA ABRAMOVIC A FRANCESCA WOODMAN
Este libro es el segundo volumen dedicado a las mujeres artistas del siglo XX. Abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de siglo. La autora ha completado su trabajo, que realizó para la edición de 2006, hasta hoy. Ha reseñado sus principales exposiciones individuales y ha incluido nombres nuevos que en la primera edición no tuvieron cabida.
Con un lenguaje claro y didáctico, Victoria Combalía analiza las creaciones de estas artistas. También examina sus condiciones de trabajo y su fortuna comercial y crítica. Por regla general, la fortuna de estas mujeres artistas fue menos afortunada que la de sus colegas varones. Esto se debe a la desigualdad de oportunidades que aún impera en el mundo artístico.
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AMETSAK (edición en euskera)
Itziar Okariz (Donostia-San Sebastián, 1965) es una forma de disidencia estética en el trabajo del artista (performances, acciones, videos, instalaciones, textos), que cuestiona la normatividad del lenguaje y la producción que nos define. Su obra es audaz y provocadora, y se ha exhibido en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, incluyendo la Bienal de Shanghái 2020 y el Pabellón Español de la Bienal de Venecia 2019.
A Itziar Okariz le interesa la idea de la acción compartida e inaprensible, que es física, como tomar aliento y orinar [una de sus acciones más recordadas es Mear en espacios públicos o privados, donde orinaba de pie en una posición comúnmente realizada por hombres]. Todos lo soñamos y además, todos nos vemos en las escenas que ella misma describe, porque los sueños también son construcciones culturales y sociales.
Comenzó a escribir sueños para utilizarlos en sus performances. Cuando sueña, y sueña poco, dice, escribe el recuerdo de esas imágenes al despertar y encuentra en ellas el material para su trabajo. «Transcribir sueños era un sistema —y todavía lo es— para generar palabras propias». Esas palabras son herramientas de trabajo, el material que subyace en las performances de los últimos años, estructurado en la eliminación y repetición de elementos, en la voz, y son palabras propias y un cuerpo frente al público.
Los sueños recopilados desde 2013 en sus performances se reúnen en un libro (genericamente llamado «Diario de sueños»), y van más allá: un cuaderno de palabras no expresadas por la artista, sus sueños no leídos, no escuchados, sus últimos sueños y, inevitablemente, sus últimas pesadillas. Juntos, forman un libro con una fuerza poética sorprendente, la entrada al universo de Itziar Okariz que se mueve entre Nueva York y Bilbao: referencias, familia, amigos, entorno artístico, vida, dolor, ciudades, trabajos, colores, silencios.
Estos sueños podrían ser cotidianos, poemas, cartas, dibujos, partituras. Solo son sueños. El material que se muestra en la escritura. La escritura que está creciendo.
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AMETSAK (edición en euskera)
Itziar Okariz (Donostia-San Sebastián, 1965) es una forma de disidencia estética en el trabajo del artista (performances, acciones, videos, instalaciones, textos), y cuestiona la normatividad del lenguaje y la producción que nos define. Su obra es audaz y provocadora, y se ha presentado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, como la Bienal de Shanghái 2020 y el Pabellón de España en la Bienal de Venecia 2019, entre otros.
A Itziar Okariz le interesa la idea de compartir y desafiar, ya que se trata de una acción física, como inhalar y exhalar [una de sus acciones más recordadas es Mear en espacios públicos o privados, donde orinaba de pie en un urinario instalado en un circuito cerrado]. Todos lo imaginamos y todos nos vemos a nosotros mismos en las escenas que ella describe, porque los sueños también son construcciones culturales y sociales.
Comenzó a escribir sueños para utilizarlos en sus performances. Cuando tiene un sueño -y dice que sueña poco-, escribe el recuerdo de esas imágenes justo cuando se despierta, y ahí encuentra el tema para su trabajo. «Transcribir sueños era un sistema -y todavía lo es- para generar palabras propias». Estas palabras son herramientas de trabajo, el material de base de las performances de los últimos años, estructuradas en la eliminación y repetición de elementos. Palabras propias y un cuerpo frente a los espectadores.
El libro Sueños recopila todos los textos de las performances que ha realizado desde 2013 (genéricamente llamados Diario de sueños), y va más allá: es un cuaderno de palabras de la artista, sin expresiones escritas de sus sueños, sin escucharlos, sus últimos sueños y, necesariamente, sus últimas pesadillas. Juntos, forman un libro con una fuerza poética inesperada, una entrada al universo de Itziar Okariz que se mueve entre Nueva York y Bilbao: referencias, familia, amigos, entorno artístico, vida, dolor, ciudades, trabajos, colores, vacíos.
Estos sueños podrían ser cotidianos, poemas, cartas, dibujos, partituras. Son solo sueños. El material que aparece en la escritura. Una escritura en crecimiento.
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AMETSAK (edición en euskera)
Itziar Okariz (Donostia-San Sebastián, 1965) es una artista cuyo trabajo (performances, acciones, videos, instalaciones, textos) es una forma de disidencia estética, cuestionando la normatividad del lenguaje y la producción de significados que nos definen. Su obra es audaz y transgresora, y se ha presentado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, como la Bienal de Shanghai 2020 y el Pabellón de España en la Bienal de Venecia 2019, entre otras.
A Itziar Okariz le interesa la idea de compartir y cuestionar lo inmutable, lo físico, como respirar y orinar [una de sus acciones más recordadas es Mear en espacios públicos o privados, donde se mostraba de pie orinando, como suelen hacer los hombres, en un circuito marcado con líneas]. Todos soñamos y, además, todos nos vemos reflejados en las escenas que ella misma describe, ya que los sueños también son construcciones culturales y sociales.
Comenzó a escribir sueños para utilizarlos en sus performances. Cuando tiene un sueño, y eso ocurre pocas veces según dice ella, lo transcribe para no olvidar las imágenes y encuentra en eso el tema para su trabajo. «Transcribir los sueños fue un sistema —y todavía lo es— para crear palabras propias». Esas palabras son herramientas de trabajo, material de las performances de los últimos años, estructuradas a partir de la eliminación y repetición de elementos. Palabras propias y un cuerpo frente a los espectadores.
Los sueños recopilados en los libros son todos los textos de las performances que ha realizado desde 2013 (llamados genéricamente Diario de sueños) y van más allá: es un cuaderno de palabras no dichas en voz alta, sueños no leídos, no escuchados, sus últimos sueños y, por supuesto, sus pesadillas finales. Juntos, conforman un libro con una fuerza poética inigualable, la entrada al universo de Itziar Okariz que fluctúa entre Nueva York y Bilbao: referencias, familia, amigos, entorno artístico, vida, dolor, ciudades, obras, colores, vacío.
Estos sueños podrían ser cotidianos, poemas, cartas, dibujos, partituras. Son solo sueños. Material que aparece en la escritura. Una escritura en crecimiento.
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AMETSAK (edición en euskera)
Itziar Okariz, nacida en Donostia-San Sebastián en 1965, es una artista cuyo trabajo (performances, acciones, videos, instalaciones, textos) es una forma de disidencia estética, cuestionando la normatividad del lenguaje y lo que nos define como productores. Su obra es audaz y provocativa, y ha sido vista en numerosas exposiciones estatales e internacionales, incluyendo la Bienal de Shanghái de 2020 y el Pabellón de España en la Bienal de Venecia de 2019.
A Itziar Okariz le interesa el sueño, la acción compartida y desafiante, lo físico, como respirar y orinar [una de sus actuaciones más recordadas es Mear en espacios públicos o privados, donde de pie orinaba en un circuito previamente establecido, como suelen hacer los hombres]. Todos soñamos y, además, todos nos vemos en escenas que ella describe, ya que los sueños también son construcciones culturales y sociales.
Comenzó a escribir sueños para usarlos en performances. Cuando sueña —lo cual hace raramente, dice—, escribe el recuerdo de esas imágenes al despertar, y es ahí donde encuentra el tema para su trabajo. «Transcribir sueños era un sistema —y aún lo es— para crear palabras propias». Estas palabras son herramientas de trabajo, el material base de las performances de los últimos años, estructuradas en la eliminación y repetición de elementos. Palabras propias y un cuerpo frente a los espectadores.
El libro de sueños recopila todos los textos de las performances que ha realizado desde 2013 (generalmente bajo el título Diario de sueños), y va más allá: un cuaderno del artista expresado en palabras, sus sueños no leídos, no escuchados, sus últimos sueños y, inevitablemente, sus últimas pesadillas. Juntos, forman un libro con una fuerza poética ineludible, una entrada al universo de Itziar Okariz que se mueve entre Nueva York y Bilbao: referencias, familia, amigos, entorno artístico, vida, dolor, ciudades, obras, colores, dudas, espacios vacíos.
Estos sueños podrían ser cotidianos, poemas, cartas, dibujos, partituras. Simplemente sueños. Material que aparece en la escritura. Una escritura en crecimiento.
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AMEZTOY
Crear contenido nuevo es una tarea desafiante pero emocionante. Al escribir, es importante utilizar formatos como HTML para resaltar palabras clave y hacer que el contenido sea más legible. Además, se pueden utilizar etiquetas como para resaltar palabras clave importantes.
Al crear una nueva pieza de contenido, es esencial cambiar las oraciones y el orden de las ideas para mantener la originalidad y evitar el plagio. Esto implica reorganizar las oraciones y proporcionar una estructura lógica al contenido.
El formato HTML permite agregar encabezados para dividir el contenido en secciones y hacerlo más fácil de leer. También es útil utilizar párrafos para segmentar las ideas y evitar que el texto se vea abrumador.
Además, el uso de comas y saltos de línea ayuda a separar las ideas y mejorar la claridad del contenido. Esto permite que los lectores procesen la información de manera más efectiva y comprendan mejor el mensaje que se está transmitiendo.
En resumen, al crear contenido nuevo, es importante utilizar el formato HTML para resaltar palabras clave, utilizar encabezados y párrafos para estructurar las ideas, y utilizar comas y saltos de línea para mejorar la legibilidad del texto.
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ANDRE BRETON: LA BIOGRAFIA
En palabras de Eugène Ionesco, André Breton fue «uno de los cuatro o cinco grandes reformadores del pensamiento moderno». Su influencia y sus ideas fueron el corazón del surrealismo, el último gran movimiento artístico del siglo XX.
En esta biografía minuciosa, Mark Polizzotti logra romper el cristal que durante mucho tiempo ha protegido la vida íntima del llamado «papa negro» de los surrealistas.
Mientras Breton prefería resaltar los momentos más dramáticos e inusuales de su vida, Polizzotti excava y presenta sus «momentos vacíos», sus horas de depresión o debilidad, con el objetivo de iluminar un fragmento oscuro de la experiencia humana.
Este libro otorga una perspectiva refrescante a la figura del revolucionario poeta francés, al mismo tiempo que facilita una mejor comprensión de los eventos que contribuyeron a dar forma a su vida y su pensamiento.
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ANNI ALBERS: DEL DISEÑO
ANNI ALBERS: DEL DISEÑO es un libro de la colección ALIAS, editado por ALIAS y escrito por el autor. Este libro tiene un código de ISBN 978-607-7985-27-3.