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GIACOMETI Y YANAIHARA
Alberto Giacometti se autodefine como «Trabajo como una mosca», una declaración que refleja su enfoque hacia su arte. Esta declaración encapsula su lucha por representar lo que tiene ante sus ojos, sin complicaciones ni adornos.
En los últimos años de la década de 1950, Giacometti atravesó un momento crítico conocido como «la crisis Yanaihara». Durante este período, se cuestionó la razón de seguir creando arte al enfrentarse a la dificultad de pintar a Yanaihara, un profesor de filosofía japonés que posaba para él tal como era, sin artificios.
Entre 1956 y 1961, Isaku Yanaihara (1918-1989) pasó un total de doscientos veintiocho días posando para Giacometti. Detalló con precisión las sesiones de trabajo y las horas compartidas con el artista. Sachiko Natsube-Dubé ha investigado a fondo esta crisis, ofreciendo acceso a un material hasta ahora inexplorado para aquellos que no hablan japonés, a través de las propias palabras de Giacometti.
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MAESTRAS
Del 31 de octubre de 2023 al 4 de febrero de 2024, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza alberga una exposición que desafía la historia del arte. Maestras, en su primera presentación en España, ofrece un recorrido feminista que abarca desde finales del siglo XVI hasta las primeras décadas del siglo XX, destacando el arte creado por mujeres artistas.
Este relato fusiona la historia del arte con las ideas, explorando aspectos estéticos, sociales y políticos a través de ocho temas cruciales en el camino hacia la emancipación de la mujer. La muestra se estructura en torno a la conjunción de diferentes periodos históricos, géneros artísticos, estilos y temas, evidenciando cómo estas maestras se enfrentaron a temas relevantes de su época, adoptando posturas y aportando nuevas miradas y iconografías alternativas.
Inspirada en la sororidad actual, la exposición resalta momentos y lugares en los que artistas, mecenas y galeristas compartían valores y buscaban establecer nuevas tradiciones. Aprovechando condiciones socioculturales y teóricas favorables, estas mujeres desafiaron el sistema patriarcal y se opusieron a la misoginia y a las normas establecidas para las mujeres, incluso en los períodos más adversos.
Maestras es un homenaje a autoras que representan a mujeres y sus intereses, mujeres cultas, cosmopolitas y comprometidas que recibieron reconocimientos simbólicos, teóricos y materiales por su talento, profesionalismo e independencia.
Las autoras de esta exposición son Rocío de la Villa, Haizea Barcenilla, Ana Martínez-Collado y Marta Mantecón.
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ESCRITOS, 1909-1918.EGON SCHIELE
La primera edición y traducción al castellano de los escritos de Egon Schiele es una recopilación de sus manifiestos, una selección de ocho poemas y 58 cartas dirigidas a amigos, familiares y diversos personajes de la Viena de principios del siglo XX. Desde este punto de vista, se puede apreciar el desarrollo de la singular cosmovisión del artista, donde su concepción del arte y del artista juegan un papel esencial.
Estos documentos revelan los entresijos del mundo del arte en aquella Viena efervescente y multidisciplinaria, que coincidió con figuras como el filósofo Ludwig Wittgenstein, el arquitecto Adolf Loos o el compositor Arnold Schönberg. La obra literaria de Schiele actúa como un puente hacia su pintura, y viceversa, donde la palabra se convierte en imagen.
La edición incluye fragmentos de los manuscritos originales de Schiele, retratos de los destinatarios de sus cartas y obras del artista mencionadas de forma literal o conceptual en su correspondencia. En total, se presentan 66 citas ilustrativas que enriquecen documental y visualmente esta obra.
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RENE MAGRITTE
Descubre las opiniones de seis reconocidos autores europeos de cómic al contemplar la obra surrealista de Magritte, una experiencia que despierta la mente y ofrece perspectivas innovadoras sobre su arte inigualable. Cada mirada, cada interpretación, enriquece al lector y lo sumerge en un viaje de descubrimiento.
Explorar la complejidad y el juego presentes en las palabras de Magritte, quien afirmó que su pintura solo resonaba en el presente, nos invita a sumergirnos en un análisis profundo de su legado. Más allá de su tiempo, su trabajo se convierte en un testimonio histórico que merece ser revisitado y reinterpretado.
Este libro se erige como una herramienta para revivir el poder de reflexión de este artista singular, cuya influencia sigue presente en el arte contemporáneo. Sumérgete en la esencia de Magritte a través de las visiones únicas de estos talentosos creadores europeos y descubre nuevas facetas de su genio creativo.
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SALVADOR DALI (FRANCES) (CUADERNOS-ARTE) (edición en francés)
Dalí, Shakespeare y la importancia de la visión
La frase «Ser o no ser (Shakespeare). Ver o no ver (Dalí)», trasciende más allá de una simple ocurrencia. Dalí, al reformular el famoso dilema shakesperiano, apuntó hacia el propósito que el artista catalán le otorgaba a la creatividad a lo largo de su existencia: el aprendizaje de «ver».
Lejos de ser una mera casualidad lingüística, esta modificación nos invita a reflexionar sobre la importancia de la percepción visual en el proceso creativo. Para Dalí, la capacidad de observar y reinterpretar la realidad era fundamental para desarrollar una visión única y provocativa en el arte.
Shakespeare planteaba la dicotomía entre la existencia y la no existencia, mientras que Dalí nos desafía a mirar más allá de lo evidente, a explorar los límites de nuestra percepción y a cuestionar la realidad misma a través de la mirada artística.
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MICKALENE THOMAS: SOMETHING YOU CAN FEEL
Las obras de la artista afroamericana, Mickalene Thomas, exhibidas en la Conservera del 12 de septiembre al 22 de noviembre de 2009, transmiten un algo que se puede sentir.
Su arte, adornado con piedras preciosas falsas incrustadas y una vibrante paleta cromática, aborda de manera clásica los aspectos que indagan en la identidad femenina. Se elabora desde una perspectiva estética que evoca los años sesenta, cuando la mujer se convertía en un símbolo de sensualidad y exuberancia. No obstante, detrás de este sentido lúdico, emerge una carga conceptual profunda y potente sobre el feminismo negro y su evolución en la vida diaria.
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FUTURISMO BASIC ART- ESP.
El movimiento futurista del siglo XX dejó un legado impactante plasmado en lienzos que rebosaban de luz, color y velocidad. Este libro nos sumerge en la esencia de los futuristas, quienes crearon uno de los testimonios más vibrantes del cambio tecnológico de la época. Descubrimos las figuras clave, influencias y controversias de este movimiento que abogaba por el progreso y la innovación.
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MORRIS
William Morris (1834-1896) fue un hombre multitalentoso y pionero en diversas áreas, como el diseño, la escritura, el arte y el activismo de izquierdas. Estuvo asociado con la Hermandad Prerrafaelita de Inglaterra y el movimiento de Arts and Crafts. Su prolífica obra como diseñador abarcó una amplia variedad de trabajos, desde azulejos hasta madera, pasando por bordados, tapices, papeles pintados y alfombras.
Considerado una de las figuras creativas más importantes del siglo XIX, William Morris fue un visionario en el diseño, la fabricación, la escritura, el arte y el activismo socialista. Su influencia en la arquitectura, la industria textil y el interiorismo fue extraordinaria.
Este libro, profusamente ilustrado, proporciona una fascinante introducción a la vida colorida de Morris y a todas las facetas de su trabajo como diseñador. Desde interiores hasta caligrafía, pasando por azulejos, bordados, tapices y alfombras, exploramos sus diseños exquisitos que le valieron una reputación póstuma. Cada página deslumbra con hermosos patrones y formas, revelando la innovadora artesanía y los motivos naturales que inspiraron su obra.
La serie Basic Architecture Series de TASCHEN ofrece en cada libro ensayos introductorios que profundizan en la vida y obra del arquitecto destacado, las obras más importantes en orden cronológico, detalles sobre clientes, requisitos arquitectónicos, problemas y soluciones durante la ejecución de proyectos, una lista de obras selectas y un mapa con la ubicación de las edificaciones más conocidas, así como aproximadamente 120 imágenes que incluyen fotografías, bocetos, dibujos y planos de planta.
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PABLO PICASSO PAUL ELUARD: UNA AMISTAD SUBLIME
Pablo Picasso mantuvo una sólida amistad con Guillaume Apollinaire (1880-1918) y Paul Eluard (1895-1952), pero la prematura muerte de estos dos grandes poetas marcó profundamente al artista. En 1935, Eluard se convierte en parte esencial del círculo más cercano de Picasso. Durante un extenso período de tiempo, lleno de pasión y conflictos, que abarca desde la Guerra Civil española hasta la Liberación y su afiliación al Partido Comunista, ambos amigos formaron un auténtico dúo, compartiendo no solo puntos de vista, sino también actitudes.
El poeta y el artista se encontraban en sintonía en el ámbito del arte y la creación, así como en su orientación política. Tanto Eluard como Picasso exploraron la profunda relación entre la pintura y la poesía, la creación y el mundo, la historia y la sociedad. Juntos lograron mantener viva «la dura necesidad de perdurar» en su sublime amistad, demostrando que la unión entre dos mentes creativas puede trascender cualquier obstáculo.
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PICASSO Y BRAQUE: CUBISTAS
El cubismo, una corriente artística con raíces en la pintura de Picasso y Braque en 1908, buscaba regresar a una pintura de valores constructivos mediante la descomposición y el agotamiento analítico de los objetos en sus obras. Este movimiento pretendía superar lo anecdótico de temas y técnica, así como lo puramente sensorial de la pintura de manchas que predominaba en Francia desde el impresionismo.
Los artistas del cubismo tenían la intención de representar la realidad en su totalidad, física, material y táctil, valiéndose de la pintura y elementos metapictóricos. Contaron con el apoyo de D. H. Kahnweiler, marchante y defensor del cubismo, así como con la contribución de la crítica, que desde entonces intentaba clasificarlo como una corriente histórica.
El cubismo, con una gran carga científica, se consolidó como una escuela francesa a partir de 1914, tras el surgimiento de un nuevo enfoque que marcó el final de la etapa inicial. La historiografía ha recogido diversas interpretaciones sobre el origen y evolución de esta corriente artística, que dejó una profunda huella en la historia del arte.
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JORDI BENITO. IDEES COM A IMATGES / DOCUMENTS COM A OBRES D ART (1971-1984) (edición en catalán)
Jordi Benito: un artista clave en la eclosión del arte conceptual en Cataluña.
Conocido por sus instalaciones efímeras y su enfoque radical del arte de acción, Jordi Benito dejó un legado invaluable al mundo del arte catalán. Nacido en Granollers en 1951 y fallecido en Barcelona en 2008, su vida estuvo marcada por la fusión entre su arte y su existencia cotidiana, reflejando una visión única del mundo.
Antes de su prematura muerte, Benito trabajaba incansablemente en nuevos proyectos, dejando tras de sí más de ciento cincuenta ideas plasmadas en notas escritas a mano y documentación meticulosa. Su legado, que incluye más de 1.500 documentos y 3.000 fotografías, fue preservado y catalogado por su familia y donado al Museo de Granollers para su estudio y disfrute por parte de los investigadores.
El Fons Benito reveló no solo obras conocidas, sino también piezas inéditas como la serie Militar Art, así como la reconstrucción de los diez volúmenes de Brutal Barcelona Performance. Este primer volumen, editado por Vicenç Altaió en colaboración con el Museo de Granollers, ofrece una visión detallada de la vida y obra de Benito, desde sus primeras instalaciones hasta sus performances en el Pompidou y la Miró, hasta sus Ensayos para la Ópera Europa.
Jordi Benito. Idees com a imatges/Documents com a obres dart es mucho más que un libro sobre un artista. Es un testimonio ilustrado de una época, de la escena artística conceptual, de la importancia de los espacios alternativos y las transgresiones en los museos, así como de las ideas políticas y estéticas de uno de los artistas más radicales en la historia del arte.
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EL AFFAIRE DE BURROUGHS Y WARHOL
Victor Bockris, colaborador de Andy Warhol en su revista Interview y biógrafo de figuras como Warhol y William Burroughs, fue el encargado de organizar y dirigir una serie de reuniones en Nueva York en 1980 entre estos dos icónicos artistas. En estos encuentros, a los que se sumaban ocasionalmente destacadas figuras del pop como Mick Jagger, Blondie o Lou Reed, se dieron conversaciones cargadas de humor y humanidad.
El affaire de Burroughs y Warhol destaca por su enfoque informal que logra mostrar el lado más humano de estos personajes, siendo una lectura que combina diversión y reflexión. La combinación de las poderosas personalidades de dos de los mentes creativas más influyentes del siglo XX lo convierte en una obra única y fascinante.
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GUERNICA 1937
Los beneficios de una dieta equilibrada
Una alimentación saludable es fundamental para mantener un estilo de vida sano y en forma. Consumir una variedad de alimentos ricos en nutrientes es esencial para garantizar el correcto funcionamiento de nuestro cuerpo.
La dieta equilibrada proporciona al organismo la energía necesaria para llevar a cabo las actividades diarias y fortalece el sistema inmunológico, ayudando a prevenir enfermedades. Además, contribuye a mantener un peso saludable y a mejorar la digestión.
Incluir frutas, verduras, proteínas magras y carbohidratos complejos en nuestras comidas diarias es clave para obtener todos los nutrientes necesarios. Beber suficiente agua también es fundamental para mantenernos hidratados y favorecer el buen funcionamiento de nuestros órganos.
Por otro lado, es importante limitar el consumo de alimentos procesados, azúcares añadidos y grasas saturadas, ya que pueden tener un impacto negativo en nuestra salud a largo plazo. Modificar nuestros hábitos alimenticios puede ser un desafío, pero los beneficios de una dieta equilibrada valen la pena.
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ANASTASIO MARTINEZ HERNANDEZ (1874-1933): ESCULTOR
El escultor Anastasio Martínez Hernández, destacado artista del sureste español en el siglo XX, dejó un legado artístico que abarca diversas disciplinas. Después de recibir formación en varios centros artísticos, estableció su taller en Murcia, donde creó obras que van desde esculturas religiosas y funerarias hasta ornamentación arquitectónica, mobiliario litúrgico y privado, y carrozas para las Fiestas de Primavera.
Martínez Hernández se distinguió por su colaboración con renombrados arquitectos como Pedro Cerdán y José Antonio Rodríguez, así como por ser maestro de reconocidos escultores como José Planes y Clemente Cantos. Su obra se puede apreciar en emblemáticos edificios religiosos y civiles de Murcia, como la Catedral y el Casino, así como en otras localidades como Lorca, Fortuna, Novelda, Espinardo y Orihuela.
Entre sus creaciones más destacadas se encuentra el primer Monumento al Corazón de Jesús de Monteagudo, una obra célebre que refleja la maestría y el talento del escultor Anastasio Martínez Hernández.
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LE NEO-IMPRESSIONNISME (edición en francés)
En la última exposición del grupo impresionista en 1886, se presentaron por primera vez obras pintadas exclusivamente con tonos puros y separados. Este hito marcó un cambio significativo en el arte de la época, donde los artistas empezaron a experimentar con colores vibrantes y contrastantes para expresar sus emociones y percepciones de una manera más audaz y innovadora.
Los cuadros exhibidos en esta exposición rompieron con las técnicas tradicionales de la pintura, desafiando las normas establecidas y abriendo las puertas a un nuevo movimiento artístico. La utilización de colores puros y brillantes permitió a los artistas capturar la luz y la atmósfera de una forma nunca antes vista, creando obras que desafiaban la percepción y la realidad.
Esta evolución en el uso del color no solo impactó en la pintura de la época, sino que también sentó las bases para las corrientes artísticas que surgirían posteriormente, influenciando a generaciones de artistas y cambiando para siempre la forma en que se concebía el arte.
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ZHANG XIAOGANG (edición en inglés)
Considerado el artista contemporáneo chino más importante e influyente de su generación, Zhang Xiaogang (n. 1958) ha dejado una marca imborrable en colecciones de museos de renombre. Obras suyas se pueden apreciar en el MoMA, Tate Modern y el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney, alcanzando cifras millonarias en subastas.
Este libro, que constituye la primera gran monografía sobre Zhang Xiaogang, presenta una retrospectiva de sus pinturas inquietantes y surreales, acompañada de una biografía de su vida dramática. Se convierte así en un recurso fundamental tanto para la academia como para los entusiastas del arte.
La correspondencia inédita publicada por primera vez en este libro brinda una visión interna de la vida cotidiana en China, aportando un contexto histórico y político relevante para comprender su arte. Por otro lado, una cronología ilustrada cuenta con fotografías personales del archivo del artista.