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MANOS DE MUJER: REBECA MATTE Y SU EPOCA
El libro ‘Manos de Mujer’ de la prestigiosa historiadora Isabel Cruz de Amenábar es una obra única que presenta a Rebeca Matte como se lo merece la gran artista chilena. En esta obra, se muestra a Rebeca Matte en todo su esplendor, de forma completa y detallada.
La historia de Rebeca Matte Bello, la primera gran artista chilena y una de las pioneras del arte latinoamericano de fines del siglo XIX, se retrata en este libro en un contexto histórico mundial de extraordinaria importancia. Su vida y obra son presentadas en detalle, revelando su talento y contribución al mundo del arte.
Fueron necesarios casi 100 años desde su muerte para que la vida y obra de Rebeca Matte se dieran a conocer en Chile y en el resto del mundo. Sin embargo, con la publicación de este libro, se espera crear consciencia sobre la importancia de rescatar y valorar el patrimonio artístico y cultural de Chile.
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DIARI (1918-1961) VOL. VI (edición en catalán)
Como ya sabe el lector habitual, una de las virtudes del Diario 1918-1961 de Joaquim Renart es su doble dimensión literaria y artística. En sus páginas, el autor solía acompañar la anotación diaria con un dibujo. Esto no solo enriquece la experiencia de lectura, sino que también nos permite adentrarnos en el mundo visual de Renart.
El Diario 1918-1961 es una obra única en su género. A través de sus relatos y dibujos, Renart nos sumerge en su vida cotidiana, en sus pensamientos más íntimos y en los acontecimientos históricos que marcaron su época. Es un verdadero testimonio de la vida en el siglo XX, narrado desde la perspectiva de un artista comprometido y observador.
Los dibujos que acompañan las anotaciones diarias son pequeñas joyas artísticas. Renart dominaba el trazo y la composición, creando imágenes llenas de vida y detalles. Sus dibujos capturan momentos fugaces, paisajes urbanos y retratos de personajes que formaban parte de su entorno. Cada dibujo es una ventana al mundo visual de Renart, una mirada única y personal que complementa su escritura.
La doble dimensión literaria y artística del Diario 1918-1961 nos invita a sumergirnos en un universo creativo fascinante. A través de las palabras y los trazos, Renart nos transporta a su realidad, nos hace partícipes de sus pensamientos y emociones. Es un viaje en el tiempo y en el arte, una experiencia enriquecedora que nos permite conocer más de cerca a este talentoso autor.
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DORO BALAGUER PINTURA, POLITICA, VIDA (edición en catalán)
La exposición antológica de la obra de Doro Balaguer y el catálogo que incluye su producción cumplen el objetivo de mostrar la atípica trayectoria de un pintor. Esta selección de obras ha sido realizada tomando en cuenta la opinión del autor.
Doro Balaguer, después de unos inicios muy prometedores que lo llevaron a formar parte del Grup Parpalló, decidió abandonar la práctica artística a principios de la década de 1960. Sin embargo, cerca de cuarenta años después, dejadas ya las actividades profesionales y políticas, se enfrentó de nuevo al lienzo y a la paleta de colores.
Su perspectiva era similar a la que lo había distinguido en el pasado, pero con algunos matices que el espectador tiene ahora la grata oportunidad de apreciar de manera directa. El catálogo incluye capítulos dedicados a la biografía personal y política de Doro Balaguer.
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BEUYS A PERUGIA (edición en italiano)
Sábado 11 de octubre, en Perugia, a las 17:00 horas, en el museo de Palazzo della Penna, se presentará al público la definitiva instalación de la obra que Joseph Beuys realizó en la capital de Umbria la noche del 3 de abril de 1980. Se trata de un complejo «relato» compuesto por seis grandes pizarras (aproximadamente 150 x 180 cm) en las cuales el gran artista alemán ilustró por medio de imágenes sus teorías sobre el arte durante un encuentro público con Alberto Burri, que tuvo lugar esa noche hace más de veinte años en los espacios monumentales de la Rocca Paolina de Perugia.
Propiedad del Ayuntamiento de Perugia, la obra encuentra ahora en el nuevo arreglo curado por Italo Tomassoni, una adecuada ubicación que permitirá al visitante la lectura secuencial de las pizarras individuales, enriquecida por un amplio apéndice documental e iconográfico de la noche-evento de la cual surgió el trabajo, recreando así, intencionalmente, la sugerencia de esa memorable performance en el visitante. Una publicación en edición bilingüe (italiano e inglés), rica en imágenes y documentos, de la cual es autor Italo Tomassoni y que también contiene una biografía del artista elaborada por Lucrezia De Domizio Durini, será publicada por la editorial milanese Silvana Editoriale.
La ceremonia inaugural será presentada por Felix Baumann, conocido contemporaneísta y exdirector del Kunsthaus de Zurich. Es importante destacar que el evento también sella un plan orgánico de colaboraciones entre el Ministerio de Bienes y Actividades Culturales y el Ayuntamiento de Perugia, con el objetivo de valorizar los bienes culturales de la contemporaneidad presentes en Perugia. Además, también colabora en el proyecto la Fundación Cassa di Risparmio di Perugia, que desde hace años apoya el plan de musealización de las colecciones municipales.
La obra de Perugia, que constituye uno de los trabajos italianos más significativos de Beuys, refleja plenamente su radicalismo ideológico y la tensión exartística que caracteriza su estética; también en este caso, el tema tratado es la relación entre el hombre y la naturaleza, fuente inagotable de toda energía vital, que permanece «más allá» de cualquier construcción social o determinación histórica, fundando la única, verdadera, eterna.
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ON PAINTING
La exposición «Sobre la pintura» es una apuesta audaz por los nuevos caminos que está tomando la pintura contemporánea. Este proyecto expositivo y reflexivo concibe la pintura no solo como un género artístico, sino como una metodología o un lenguaje, manifestándose como una muestra sobre lo pictórico. El director del CAAM y comisario de la exposición, Omar-Pascual Castillo, destaca que la pintura se entiende aquí no solo como un soporte, sino como un uso lingüístico o un tema de investigación artística.
La muestra reúne más de un centenar de obras creadas por sesenta y seis artistas de Iberoamérica. Es producida por el CAAM, con el patrocinio de JTI y AC Marriots Hotels.
A nivel museográfico, la exposición ocupa todo el espacio exterior e interior del CAAM y cuenta con préstamos de más de diez colecciones privadas e institucionales del contexto pictórico iberoamericano. Colaboran el TEA de Tenerife, el MEIAC de Badajoz, el MUSAC de León y el CAAC de Sevilla, así como cinco obras de la propia Colección CAAM. Además, se incluyen una decena de intervenciones site-specific, creadas especialmente para la muestra en las fachadas, patios, terrazas y espacios interiores del museo, y un centenar de obras cedidas por los artistas participantes.
«Sobre la pintura» se adentra en las últimas dos décadas del contexto iberoamericano, donde la pintura ha sido un lenguaje y género artístico predominante. La exposición se organiza en torno a cuatro líneas ideo-estéticas generales que abordan los cambios en las prácticas pictóricas desde finales del siglo XX hasta la actualidad. Estas líneas son: Splash Color and Materials: Nuevas experiencias abstractas; Amargo sabor, la Náusea: El retorno de la Pintura Ácida; Post-Hispanic Narratives: Nueva narratividad en la Era de la Imagen y Tutto Revoluto… Del Neobarroco a la Era de la Promiscuidad.
Estas cuatro ideas curatoriales agrupan la obra de artistas de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Costa Rica, Haití, México, Perú, Puerto Rico, Venezuela y España, así como invitados de Filipinas, Bélgica y Estados Unidos.
La exposición incluye textos de Omar-Pascual Castillo, Barry Schwabsky, David Barro y Kevin Power.
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JANNIS KOUNELLIS (edición en inglés)
La última monografía sobre uno de los artistas más importantes del siglo XX – una figura clave en el movimiento Arte Povera.
Este libro es el último y más completo libro jamás realizado por el artista de origen griego, Jannis Kounellis, uno de los artistas clave en el movimiento Arte Povera. Después de su avance a finales de la década de 1960 en Roma, cuando cuestionó el entorno tradicionalmente estéril de la galería al exhibir animales vivos dentro de sus paredes, Kounellis incluyó diversos materiales en su obra, incluyendo fuego, tierra, oro, madera y carbón, estableciéndose rápidamente como uno de los escultores más innovadores de nuestro tiempo.
Se incluyen escritos del artista y una colección de homenajes de personas que lo han conocido y trabajado con él a lo largo de los años, como Pierre Audi, David Hammons, Gloria Moure, Giulio Paolini, Vassilis Vassilikos y muchos otros.
Jannis Kounellis es la última incorporación a la aclamada serie de artistas contemporáneos de Phaidon.
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JULIO GALAN (ED. INGLES) (edición en inglés)
Julio Galán. Un conejo partido por la mitad es un libro que ofrece una nueva perspectiva de la práctica artística de Julio Galán (Múzquiz, 1959 – Monterrey, 2006), un destacado artista que revolucionó el panorama de la plástica mexicana en los años 1980.
Este proyecto es especialmente relevante ya que en los últimos quince años no ha habido una publicación exhaustiva sobre el trabajo de Galán. Por tanto, el catálogo resultante de esta investigación brinda nuevas perspectivas sobre su práctica y recontextualiza sus pinturas desde una mirada contemporánea.
Julio Galán. Un conejo partido por la mitad presenta el primer ensayo biográfico sobre Galán, escrito por Teresa Eckman, PhD. Además, cuenta con un ensayo curatorial a cargo de Magalí Arriola, curadora de la exposición y directora del Museo Tamayo. También incluye un glosario de la iconografía de Galán, elaborado por el escritor mexicano Pablo Soler Frost.
El libro recopila algunas de las obras más destacadas de Galán, así como imágenes de archivo, fotografías del autor y fotografías contemporáneas de la exposición en el Museo Tamayo en 2022.
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MÁQUINAS DE TROVAR. INDICES, DISPOSITIVOS, APARATOS.
La obra antológica Máquinas de Trovar, del artista, comisario y editor Pedro G. Romero (Aracena, Huelva, 1964), es un recorrido por su trayectoria. Siguiendo un itinerario cronológico inverso, comienza con sus proyectos más recientes y llega hasta sus primeros trabajos de la década de los ochenta.
Desde sus inicios en el terreno artístico, los trabajos de Pedro G. Romero han sido considerados singulares, particulares y excéntricos. Sin embargo, lejos de buscar una posición solitaria y más allá de simplificaciones en torno a lo colectivo, su forma de crear ha consistido en tejer aparatos, índices y dispositivos, en definitiva, máquinas que se relacionan con el campo del arte.
En su obra, Pedro G. Romero analiza sucesos históricos, la vida y la circulación de imágenes, la iconografía sacramental, el gesto iconoclasta de las vanguardias artísticas del siglo XX y el arte moderno, el flamenco, los conceptos e imaginarios sobre las culturas populares, la economía, las políticas culturales o las formas de especulación urbana. Este vasto acervo adquiere un nuevo significado en su obra, que se manifiesta a través de la concepción de instalaciones, la investigación, la escritura, el comisariado y la conexión con el cine y las artes en vivo.
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WARHOL (edición en inglés)
Andy Warhol fue una de las figuras más destacadas del movimiento del Pop Art. Además de ser pintor, grabador, escultor ocasional y cineasta, su trabajo continuó la tradición del Dadá, que cuestionaba la propia validez del arte. Warhol utilizó sus imágenes y la forma en que se formaban para establecer paralelismos con los procesos culturales.
Mediante una variedad de técnicas, pero principalmente la elección de imágenes, su repetición visual o aislamiento pictórico, y el uso del color, nos hizo conscientes del materialismo contemporáneo, la manipulación política, el consumo conspicuo, la adoración a los ídolos de los medios de comunicación y mucho más.
Este volumen es un tributo a un artista único. Andy Warhol fue uno de los artistas más brillantes, desafiantes y provocadores de la segunda mitad del siglo veinte. Su obra ha dejado una huella indeleble en el mundo del arte y sigue siendo relevante hasta el día de hoy.
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PICASSO Y LAS JOYAS DE ARTISTA/PICASSO ET LES BIJOUX D ARTISTE
Alrededor del cuello, en las orejas, en la muñeca o en el dedo, en una manga o en el pecho, la joya puede apropiarse de cualquier parte del cuerpo o del vestido. Es en este acto de apropiación donde reside su poder y encanto. Cada vez que una persona decide utilizar una joya, está eligiendo llevar consigo una pequeña obra de arte.
La joyería es mucho más que un simple accesorio. Es una forma de expresión única, una manera de comunicar nuestro estilo y personalidad al mundo. Ya sea un collar elegante, unos pendientes llamativos o un anillo delicado, cada joya tiene su propia historia que contar.
Cuando un artista crea una joya, está introduciendo su arte en la esfera más personal de su obra. Cada detalle, cada elección de materiales y cada diseño están impregnados de la visión y el talento del creador. Es a través de la joya que el artista transmite su mensaje al espectador, creando una conexión única entre el objeto y su portador.
Además de su valor estético, la joyería también puede tener un significado simbólico. Un anillo puede representar el compromiso y el amor en una relación, mientras que un collar puede ser un símbolo de estatus o de pertenencia a una determinada cultura o grupo. Cada joya tiene el poder de evocar emociones y contar historias, convirtiéndose en un tesoro preciado para quien la lleva.
La joyería es una forma de arte que trasciende el tiempo y las culturas. A lo largo de la historia, las joyas han sido utilizadas como símbolos de poder, riqueza y belleza. Desde las antiguas civilizaciones hasta los diseñadores contemporáneos, la joyería ha sido apreciada y valorada por su capacidad de realzar la belleza natural y capturar la esencia de su época.
En resumen, la joyería es mucho más que una simple adorno. Es una forma de arte que nos permite llevar con nosotros una pequeña obra maestra. Cada joya es única y especial, una expresión de nuestro estilo y personalidad. Alrededor del cuello, en las orejas, en la muñeca o en el dedo, la joya tiene el poder de transformar y embellecer nuestro aspecto, mientras nos conecta con el talento y la visión del artista que la creó.
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ISABEL SALUDES (edición en catalán)
El libro nos lleva a través de la dilatada trayectoria artística de la pintora Isabel Saludes (Alforja, 1946), haciendo especial mención a sus exposiciones más destacadas, tanto nacionales como internacionales (Alemania, Japón, Portugal, Francia y Suiza), y presenta al lector un estudio detallado de su obra en relación a los grandes temas de la pintora: el espacio, el mundo de los objetos y la naturaleza, así como el vínculo entre pintura y poesía.
La obra de Isabel Saludes se caracteriza por una cuidada elaboración pictórica y un tratamiento refinado del color, la luz y el espacio. Su obra es preferentemente abstracta, pero siempre con la presencia de algún objeto referencial de carácter intimista.
El volumen incluye la traducción de los textos al castellano y al inglés.
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ARTETA: ESTUDIO DE LA FIGURA
El análisis de la obra de Aurelio Arteta, un pintor de formación academicista y con un gran conocimiento del dibujo, nos sirve como punto de partida para demostrar que los pintores más respetuosos con la morfología de las figuras no hacen simplemente una copia de la realidad, sino que realizan una interpretación única.
Para comprender mejor su arte, es importante estudiar la sociedad bilbaína en la que Arteta se formó, así como los diferentes ambientes artísticos en los que vivió en París, Madrid y Bilbao. Estos contrastados entornos influyeron en su estilo y en su visión del arte.
La obra de Arteta pone de manifiesto unos hábitos representativos, una libertad y una seguridad adquiridas a lo largo de los años como pintor, así como sus recursos interpretativos. Cada pincelada y cada trazo reflejan su madurez artística.
El método de confrontación entre figuras y dibujos que analizan la morfología real es empleado por Arteta en su obra. A través de esta técnica, podemos apreciar cómo el artista no se limita a copiar la forma de las figuras, sino que las interpreta y las transforma en su propia visión artística.
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EGON SCHIELE: L AMOUR ET LA MORT (edición en francés)
Jane Kallir, autora de numerosos libros sobre Egon Schiele, incluyendo el catálogo razonado de su obra, ofrece aquí una fascinante visión general de la vida y obra del artista, a través de pinturas, dibujos en colores y fotografías. La mayoría de las obras presentadas aquí provienen de la excepcional colección del Albertina de Viena.
Egon Schiele, nacido el 12 de junio de 1890 en Tulln, Austria, fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su estilo único y expresivo dejó una huella duradera en el mundo del arte.
Desde temprana edad, Schiele mostró un talento extraordinario para el dibujo y la pintura. A la edad de 16 años, ingresó a la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió bajo la tutela de Gustav Klimt, otro destacado pintor de la época.
La obra de Schiele se caracteriza por su enfoque audaz y provocativo de la figura humana. Sus retratos y autorretratos revelan una intensidad emocional única, capturando la vulnerabilidad y el deseo de sus sujetos.
A lo largo de su carrera, Schiele exploró temas como la sexualidad, la muerte y la alienación. Sus obras desafían las convenciones sociales y despiertan una gama de emociones en el espectador.
Trágicamente, la vida y carrera de Schiele fueron truncadas por su prematura muerte a la edad de 28 años, durante la pandemia de gripe de 1918. Sin embargo, su legado perdura y su influencia en el arte contemporáneo sigue siendo innegable.
Este libro, con su cuidada selección de obras y su exhaustiva investigación, es una invitación a adentrarse en el mundo de Egon Schiele y apreciar la profundidad y la belleza de su obra.
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GEOMETRÍA DEL ORDEN
Este libro es un fascinante resultado de un viaje por la intuición creadora de Eduardo Chillida. La investigación que lo originó descubrió que la geometría está en el núcleo de su abstracción personal y no aparece como un concepto a priori, sino como uno de los elementos fundamentales de la mente del escultor. Se revelaron trazados reguladores, juegos de contrastes diversos, simetría o asimetría y congruencias musicales, todo ello sin intención aparente, sin la menor señal de haber sido deliberadamente utilizado.
Estos elementos compositivos que el cerebro del espectador percibe son el germen de la comprensión y, quizás, una puerta por la cual adentrarse y disfrutar del arte de Chillida. Su obra, con una deslumbrante riqueza en la definición del espacio, el volumen, la materia y la textura, se vuelve singularmente cercana gracias a las tramas geométricas o lógicas subyacentes. En la mente del escultor, la geometría libera sus estrategias, desde las más simples hasta las más complejas.
Este libro nos invita a realizar un viaje por el universo creativo del artista y sus armonías, revelándonos la profundidad de su pensamiento y la belleza de su obra.
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ZHANG HUAN
Zhang Huan (nacido en 1965) es uno de los artistas más importantes e innovadores de la China contemporánea. En la década de 1990, logró llamar la atención internacional hacia la floreciente escena artística china a través de una serie de performances que desafiaban las normas establecidas.
Su obra continúa explorando las tragedias de la condición humana y la esencia espiritual del budismo, utilizando una amplia gama de medios que incluyen fotografía, pintura y escultura monumental.
El trabajo de Zhang ha sido exhibido en los museos más prestigiosos del mundo y en exposiciones internacionales, como la Bienal de Venecia en 1999, la Trienal de Yokohama en 2001 y la Bienal de Whitney en 2002.
Esta monografía representa el primer análisis completo de la carrera del artista, desde sus inicios en la escena artística comunitaria del East Village de Pekín, hasta su gran avance en Nueva York y su regreso a Shanghái, donde actualmente dirige un estudio con más de 40 asistentes.
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RANDO: PAISAJES DE PINTURA
En la impresionante colección de pinturas de Rando, se pueden apreciar una gran cantidad de obras dedicadas al paisaje. En ellas, se destacan los árboles por su inusual y llamativa paleta de colores.
Los árboles, en ocasiones, tienen la capacidad de sorprendernos y cautivarnos con su belleza. A través de la mirada artística de Rando, estos seres vivos se convierten en protagonistas de sus cuadros, mostrando colores que van más allá de lo común.
En estas pinturas, podemos encontrar árboles que desafían la realidad y se visten de tonalidades vibrantes y poco convencionales. Rojos intensos, verdes eléctricos, amarillos brillantes o incluso azules profundos, son solo algunas de las opciones que Rando utiliza para retratar estos impresionantes ejemplares de la naturaleza.
Esta elección de colores inusuales nos invita a reflexionar sobre la diversidad y la singularidad que existe en el mundo natural. Los árboles, al igual que las personas, tienen su propia personalidad y belleza única.
Al contemplar estas obras, nos sumergimos en un mundo de fantasía y admiración. Nos encontramos con un paisaje que, aunque familiar, se presenta transformado por la visión del artista. Los árboles se convierten en protagonistas indiscutibles, capturando nuestra atención y despertando emociones en nosotros.
La colección de pinturas de Rando nos invita a apreciar y valorar la belleza que nos rodea, incluso en los elementos más comunes de la naturaleza. Nos muestra que los árboles, a veces, son mucho más que simples seres vivos que decoran nuestro entorno, sino que también son una fuente de inspiración y sorpresa.