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EL SOL
A principios del siglo XXI, el mundo se vio sacudido por una epidemia virulenta causada por el bioterrorismo. Esta tragedia dividió a la humanidad en dos comunidades distintas: los nox y los curios.
Los nox, seres de la noche, se caracterizan por ser eternamente jóvenes, inteligentes, fuertes y saludables. Son inmunes al virus que causó la pandemia y han logrado construir una sociedad prospera y avanzada.
Por otro lado, los curios son aquellos que sobrevivieron a la epidemia, pero siguen siendo vulnerables al virus. Condenados a vivir en guetos, su salud y bienestar están constantemente amenazados.
En una pequeña aldea aislada, hace años, ocurrió un trágico suceso: el asesinato de un nox. Desde entonces, los habitantes de esta aldea han sufrido un embargo, una penalización impuesta por el resto de la comunidad nox.
Finalmente, este embargo está por concluir y se espera que el restablecimiento de las relaciones entre nox y curios tenga lugar. Sin embargo, a medida que se acerca este momento, los prejuicios y los viejos rencores resurgen.
Es importante destacar que Tomohiro Maekawa, reconocido escritor, ha sido galardonado con numerosos premios, entre ellos el prestigioso Premio Yomiuri y el Kinokuniya. Sus obras han sido adaptadas al cine, llevando sus historias a una audiencia más amplia.
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ANIMAL NEGRO TRISTEZA. APEIRON
Este contenido presenta dos obras de Anja Hilling, una dramaturga contemporánea alemana muy prestigiosa. Su enfoque teatral se centra en la exploración de las formas, donde la interacción entre el diálogo y la narración es primordial, sin dejar de lado los temas relacionados con la crisis de la sociedad actual.
En «Animal negro tristeza», acompañamos a seis personas en una excursión a un bosque. Lo que parece ser un paseo tranquilo, se convierte en un incendio infernal a mitad de la noche. Enfrentados a la deflagración trágica, su única opción es salvar sus vidas, lo cual cambiará completamente su futuro.
«Ápeiron» es una metáfora de la soledad, el poder, el exceso y el dolor. En esta obra se crean imágenes que reflejan el anhelo de grandeza e importancia de las personas, y cómo luchan por superarse a sí mismas en busca de su realización. Los personajes se vuelven vulnerables y frágiles, al mismo tiempo que se cuestionan íntimamente a través de sus pensamientos.
«¿Qué queda después de un incendio? El negro de lo calcinado, lo animal del que intenta sobrevivir, la tristeza por lo perdido, por aquello que el fuego devoró. [Animal negro tristeza] es teatro de la catástrofe, forma benevolente quizás de narrar el horror desde la palabra y la acción» – Alba Freitas, Esfera cultural.
«Ápeiron […] es una pieza tremenda entre el murmullo, el análisis y la asociación. Describe formas de colapso demostradas por tres personajes: un actor, un empresario y un político» – Von Hans-Christoph Zimmermann, Die Deutsche Bühne.
«Lo que parecería una obra convencional […] es por su construcción una pieza muy singular que exige escapar del realismo» – Jacinto Antón, El País [Sobre Animal negro tristeza].
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LA ROSA TATUADA
Una de las piezas ineludibles dentro de la producción de Tennessee Williams es su famosa obra «Un tranvía llamado Deseo». Este clásico del teatro estadounidense nos sumerge en el turbulento mundo de Blanche DuBois, una mujer complicada y enigmática que lucha por encontrar su lugar en una sociedad machista y opresiva.
La historia se desarrolla en Nueva Orleans, donde Blanche llega a casa de su hermana Stella y su cuñado Stanley. A medida que avanza la trama, nos adentramos en los oscuros secretos de Blanche y en su relación conflictiva con Stanley, un hombre rudo y violento.
La obra aborda temas como la sexualidad, la locura, el deseo y la decadencia de la sociedad sureña. Williams utiliza un lenguaje poético y cargado de simbolismo para explorar la complejidad de los personajes y sus relaciones.
«Un tranvía llamado Deseo» es una obra teatral que ha dejado una huella imborrable en la historia del teatro. Su impacto se debe en gran medida a la brillante interpretación de los actores, especialmente Marlon Brando en el papel de Stanley. Su actuación intensa y visceral le valió el reconocimiento y la admiración del público y la crítica.
Además de su éxito en el escenario, «Un tranvía llamado Deseo» también fue llevada al cine en 1951, en una adaptación dirigida por Elia Kazan. La película fue aclamada por su fidelidad a la obra original y por las poderosas actuaciones de Vivien Leigh como Blanche y Marlon Brando como Stanley.
En resumen, «Un tranvía llamado Deseo» es una obra maestra que nos sumerge en las profundidades de la psicología humana y nos confronta con los conflictos y las pasiones que nos definen como seres humanos.
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EL CASAMIENTO
El sueño de Henri, soldado polaco en el ejército francés durante la Segunda Guerra Mundial, es casarse. En sus sueños, ve cómo su país ha sido destruido, su familia y su novia han sido degradados. Para vengar la derrota de los suyos, decide elevar a su padre a la dignidad real.
Una vez convertido en príncipe, Henri logra unirse a su amada a través del sacramento del matrimonio, devolviendo a cada uno el honor que habían perdido. Pero, desafortunadamente, su poder y su influencia tienen un efecto negativo en él. Influenciado por borrachos y intoxicado por su propio poder, Henri traiciona a su padre-Rey y usurpa su trono, convirtiéndose en un dictador absoluto en su universo sin dios ni iglesia.
Henri, ya convertido en dictador, decide conferirse a sí mismo el sacramento del matrimonio. Sin embargo, pronto se da cuenta del horror de sus propios actos y decide renunciar a todo lo que ha hecho.
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LA ROSA TATUADA (CATALAN) (edición en catalán)
En una pequeña población del norte de América, en la comunidad siciliana, Serafina delle Rose aguarda la llegada de su esposo, un transportista. Sin embargo, pronto descubriremos que su esposo no regresará…
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DRAMATURGIA FINLANDESA CONTEMPORANIA (edición en catalán)
l conflicte són alguns dels temes tractats en aquestes obres.
El feminisme és un dels temes recurrents en aquesta antologia. Les obres posen de manifest la lluita per la igualtat de gènere i la necessitat de canviar les estructures socials per aconseguir una societat més justa i equitativa.
El desig és un altre tema central present en aquestes obres. El teatre explora les diferents formes de desig i com aquest pot influir en les relacions humanes. Des del desig romàntic fins al desig sexual, les obres representades a Finlàndia aborden aquest aspecte de la condició humana amb profunditat i sensibilitat.
El poder és un altre concepte que es tracta en aquesta antologia teatral. Les obres reflexionen sobre com el poder pot ser utilitzat per a l’opressió o per a la llibertat. Es qüestionen les estructures de poder existents i es posen en evidència les seves conseqüències en la vida quotidiana.
A més, el conflicte és un element essencial en aquestes obres. El teatre utilitza el conflicte com a motor narratiu per explorar les tensions i les contradiccions de la condició humana. A través dels personatges i les seves relacions, s’aborden conflictes individuals i socials que reflecteixen les preocupacions i les inquietuds de la societat finlandesa.
En resum, aquesta antologia de teatre finlandès reuneix obres que posen de manifest temes com el feminisme, el desig, el poder i el conflicte. A través de la representació teatral, aquestes obres contribueixen a fer visibles fenòmens importants per al país i a generar un diàleg crític sobre les qüestions que preocupen la societat finlandesa en els últims anys.
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SEIS PERSONAJES EN BUSCA DE AUTOR
En «Seis personajes en busca de autor», el tema central es la reflexión sobre la identidad humana a través de la confusión entre actores y personajes. Seis personajes se encuentran en una búsqueda constante por descubrir su propia identidad, ya sea como personajes ficticios o como seres reales. Estos personajes experimentan sufrimiento y luchas, pero se ven atrapados en un destino impuesto por su creador, quien los abandonó a su suerte y los obligó a buscar a otro autor que les otorgara vida.
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BAAL. TAMBORES EN LA NOCHE. EN LA JUNGLA DE LAS CIUDADES
La obra de Bertolt Brecht (1898-1956) ha tenido un impacto significativo en el mundo del teatro, a pesar de abarcar diversos géneros. Después de verse obligado a exiliarse debido al régimen nazi, Brecht regresó a Alemania y fundó la compañía Berliner Ensemble. A través de sus innovadoras experiencias, puso en práctica su teoría del teatro épico, que busca reemplazar la intensidad emocional del teatro tradicional por la reflexión y la crítica a través del distanciamiento.
Este primer volumen de su serie «Teatro completo» recoge sus primeras tres piezas escritas entre 1918 y 1924, las cuales están influenciadas por la Primera Guerra Mundial y sus consecuencias. «Baal» y «Tambores en la noche» exploran el trasfondo de la revuelta espartaquista de 1919, mientras que «En la jungla de las ciudades» se centra en la intensa lucha entre sus dos personajes principales.
El legado literario de Brecht ha dejado una huella duradera en el ámbito teatral, y su enfoque innovador sigue siendo relevante en la actualidad. Su capacidad para distanciar al espectador y fomentar la reflexión crítica ha influido en numerosas obras y artistas posteriores. A través de su teatro épico, Brecht desafió las convenciones tradicionales y abrió nuevas posibilidades para la expresión artística.
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MI BRAZO / UN ROBLE
Presentamos dos de las primeras obras de Tim Crouch, reconocido como uno de los autores más innovadores en la escena contemporánea británica. Según Stephen Bottoms, distinguido profesor de Artes Escénicas en la Universidad de Manchester, el teatro de Tim Crouch representa una de las poéticas más relevantes en la dramaturgia en lengua inglesa del siglo XXI: «No puedo pensar en otro autor actual que haya cuestionado de manera tan convincente la forma escénica, el discurso narrativo y el compromiso con los espectadores».
Mi brazo es la historia de un gesto vacío. Narra la historia de un niño que, por pura obstinación, levanta su brazo y lo mantiene así durante los próximos treinta años. Con el tiempo, se convierte en un famoso espécimen médico y en un ícono de la escena artística de Nueva York. Según el autor, «la acción del niño es más significativa para los demás que para sí mismo. Su brazo se convierte en el objeto inanimado definitivo alrededor del cual los demás proyectan sus propios símbolos y significados».
Un roble relata el encuentro en un escenario entre un hipnotizador y el padre de una niña que accidentalmente mató con su coche. Es una obra sobre la pérdida, la sugestión y el poder de la mente. La dramaturga Caryl Churchill, entusiasmada con el texto, dijo: «Crouch piensa el teatro de una manera única y desafiante. Sus obras nos invitan a reflexionar sobre la condición humana y la complejidad de nuestras interacciones».
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TEATRO COMPLETO
Cuarenta años después de que Barthes predijera que «la obra de Brecht sería cada vez más importante», es válido preguntarse si esta profecía se ha cumplido sin matices. Tal vez, la publicación de un amplio volumen con su teatro completo sea un buen momento para averiguarlo.
Al revisar sus más de treinta obras, podemos identificar algunas constantes en su teatro. Por ejemplo, el clásico «primum vivere, deinde philosophari», que él tradujo en «La ópera» como «primero comer, después moralizar», ya estaba presente en «La Biblia», una breve pieza escrita cuando tenía quince años, que se presenta aquí por primera vez en español. Además, han perdurado sin desvanecerse secuencias y personajes inolvidables: esa eficacia teatral para transmitir el «terror» y la «miseria» en algunas escenas de «Terror y miseria»; el desgarrador grito de Shen Te que ya atormentaba a Job: «¿Por qué la maldad tiene su recompensa y por qué los buenos sufren tanto?»; o Azdak, el cínico juez de «El círculo», que quizás podría ser un alter ego de Brecht.
Por otro lado, el didactismo ha envejecido mal.
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ANDREA DUNBAR: OBRA COMPLETA
La Obra completa incluye tres piezas de teatro que presentan a mujeres jóvenes enfrentándose a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión. Estas obras reflejan la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta, donde la precariedad y el desempleo de la era Thatcher causaban estragos.
En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley se muestra el universo completo de Andrea Dunbar. Podemos ver el vecindario en decadencia, el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida.
El prólogo escrito por Ángel Mirou nos brinda una perspectiva más amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar.
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CARYL CHURCHILL: BOSC BOIG / COR BLAU / PROU BORRATXO PER DIR T ESTIMO? / ESCAPADA (edición en catalán)
Caryl Churchill ha revolucionado la forma dramática con una mirada extremadamente lúcida sobre las ansiedades y contradicciones de nuestro tiempo. Reconocida por sus posturas feministas y su denuncia del abuso de poder, sus textos ponen de manifiesto la capacidad de articular de manera innovadora la relación entre la forma y el contenido. Las obras que presentamos en esta antología, escritas en momentos diferentes y con un lenguaje cada vez más fragmentado, reflejan la lucidez y la variedad formal de una de las autoras más relevantes de la dramaturgia inglesa contemporánea: Bosc boig (1990), Cor blau (1997), Prou borratxo per dir t’estimo? (2006) y Escapada solitària (2016).
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EL JUICIO DEL DR. JOHNSON
Chesterton, Gilbert K. (1874-1936); Ahlquist, Dale; León Varela, Victoria. «SHAW espoleó a Chesterton para que escribiera Magia, que será publicado próximamente en esta misma colección«, que obtuvo un notable éxito. Sin embargo, sigue siendo un misterio el por qué no logró ser aún más exitosa. Y aún más misterioso es por qué no escribió más teatro.
Pero el mayor misterio de todos es por qué las obras teatrales que escribió no son grandes éxitos y piezas indispensables del repertorio dramático actual. Uno de estos ejemplos es «El juicio del Dr. Johnson». Esta obra lo tiene todo: un diálogo ingenioso, alto drama y personajes históricos de gran interés. Además, posee el interés añadido de tener como protagonista a la figura literaria con la que más se ha comparado al propio Chesterton: el Dr. Samuel Johnson.
¿Por qué no fue un gran éxito? ¿Por qué no sigue siendo un gran éxito? No tengo respuestas. Estas preguntas siguen siendo un enigma para todos los amantes del teatro y de la obra de Chesterton.
(Del prólogo de Dale Ahlquist)
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QUIJOTE Y LOS INVENCIBLES
Este contenido presenta un volumen que contiene un DVD con la grabación de un espectáculo teatral único llamado «Quijote y los invencibles», presentado por Erri de Luca en Madrid en 2009. El espectáculo se encuentra a medio camino entre el monólogo y el ensayo escénico.
El libro está compuesto por breves ensayos de De Luca sobre el Quijote, una entrevista realizada por César Rendueles al escritor italiano, y la transcripción completa de lo contado, recitado y cantado en el espectáculo.
En el escenario, se encuentran una mesa de madera y cuatro sillas. En ellas, se sientan Erri De Luca, el cantautor Gianmaria Testa y el clarinetista Gabriele Mirabassi. La última silla, vacía, es para Quijote, el invencible. Este homenaje va dirigido a él y a los demás invencibles: no a aquellos que siempre ganan y suben al escalón más alto del podio, sino a aquellos que, a pesar de ser siempre vencidos, batidos y derrotados, no se rinden y se levantan una y otra vez para luchar de nuevo.
Con la ayuda de poemas y canciones de Rafael Alberti, Bertolt Brecht, Ungaretti, Boris Vian, Nazim Hikmet o Izet Sarajlic, el escritor italiano Erri de Luca repasa diferentes figuras contemporáneas de «invencibles», como los migrantes, los presos y los suicidas. A través de estas reflexiones, se teje un hilo sobre la poesía como herramienta de combate en la literatura, nuestra condición actual como espectadores y el alpinismo. Y entre medio, m…
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EL ASESINO SIN GAJES / ESCENA PARA CUATRO PERSONAJES
El teatro de Eugéne Ionesco (1912-1994) es una manifestación de las aspiraciones colectivas basadas en la audacia de su ruptura lógica y en la ineludible huida de lo naturalmente visible, elementos que constituyen la esencia misma de su comicidad. Esto le permite expresar con claridad sus ideas fundamentales: «el humor es libertad»; «la imaginación no es arbitraria, es reveladora»; «nada más racional que la imaginación». La irracionalidad es la vida. De ahí surge un realismo interno, no solo del individuo, sino de toda la sociedad. Las obras «El asesino sin gajes», «Escena para cuatro personajes» y «La ira» representan magistralmente la teoría y la estética del destacado autor rumano.
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MUERTE ACCIDENTAL DE UN ANARQUISTA
mayor éxito. En esta comedia satírica, Fo utiliza el incidente de la muerte de Salsedo para explorar temas como la corrupción policial y la manipulación de la verdad por parte de las autoridades.
La historia se desarrolla en una comisaría de policía, donde un inspector y sus subordinados están investigando la muerte de un anarquista que aparentemente cayó desde una ventana. El inspector, interpretado por Fo en la producción original, es un personaje cómico y astuto que utiliza su ingenio para desenmascarar la incompetencia y la corrupción de la policía.
A medida que la trama avanza, se descubren una serie de inconsistencias en el informe policial y en las declaraciones de los testigos. El inspector sospecha que la muerte del anarquista no fue accidental, sino un asesinato encubierto. Utilizando su habilidad para cambiar de identidad, el inspector se infiltra en la comisaría haciéndose pasar por un loco. Esta estratagema le permite interrogar a los sospechosos y obtener información crucial para resolver el caso.
Fo utiliza el humor y la ironía para criticar la corrupción y la opresión en la sociedad. A través de diálogos rápidos y situaciones absurdas, el dramaturgo italiano pone en evidencia la falta de ética de las autoridades y la manipulación de la verdad en beneficio propio. Además, la obra cuestiona la noción de poder y autoridad, mostrando cómo aquellos en posiciones de poder pueden abusar de su autoridad y reprimir a aquellos que luchan por la justicia y la libertad.
Muerte accidental de un anarquista es una obra teatral que combina la comedia y la crítica social de una manera única. A través de la sátira y el humor, Dario Fo nos invita a reflexionar sobre la justicia, la verdad y el papel de la autoridad en nuestra sociedad.
