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(PE) ARTE MODERNO Y CONTEMPORANEO: 75 OBRAS MAESTRAS EN DETALLE
y la historia detrás de una obra de arte puede abrir una nueva perspectiva y profundizar nuestra apreciación.
El arte moderno y contemporáneo abarca una amplia gama de estilos y expresiones artísticas que desafían las convenciones tradicionales. Desde el expresionismo abstracto hasta el pop art, cada movimiento artístico tiene su propia historia y mensaje.
Es importante tener en cuenta que, a veces, las obras de arte moderno pueden parecer confusas o desconcertantes a primera vista. Sin embargo, al tomar el tiempo para examinarlas de cerca, podemos descubrir detalles fascinantes y significados ocultos.
La reinterpretación de una obra de arte también puede ser una experiencia enriquecedora. Al regresar a una exposición o galería, podemos notar aspectos que nos habían pasado por alto anteriormente. El cambio de perspectiva y la evolución personal pueden permitirnos apreciar aún más la complejidad y la belleza del arte contemporáneo.
La reflexión y el escrutinio son fundamentales para desentrañar el significado de una obra de arte. Preguntarse sobre el propósito del artista, las técnicas utilizadas y el impacto emocional que nos provoca puede ayudarnos a profundizar en nuestra conexión con la obra.
Además de analizar la obra en sí misma, es importante considerar el contexto histórico y cultural en el que fue creada. ¿Qué eventos o tendencias influenciaron al artista? ¿Cuál era el mensaje social o político que quería transmitir? Estas preguntas nos permiten apreciar el arte como una expresión de su tiempo y como una forma de comunicación humana.
En resumen, el arte moderno y contemporáneo es una oportunidad para expandir nuestros horizontes y abrir nuestra mente a nuevas formas de expresión. Al revisitar y reconsiderar las obras, nos damos la posibilidad de descubrir capas más profundas de significado y apreciar la creatividad y la visión del artista. Así que, la próxima vez que te encuentres frente a una obra de arte, tómate el tiempo para explorarla y entenderla en toda su complejidad.
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1900-1930 DEL ARTE EN CUBA: EL DIBUJO
Del Arte en Cuba. El dibujo. 1900-1930 es el tercer volumen de la serie publicada por la Dra. Llilian Llanes, dedicada al estudio de las artes plásticas en Cuba durante su etapa de independencia. Anteriormente, la autora abordó la enseñanza y la escultura. En esta ocasión, se centra en el papel del dibujo en la configuración de una nueva sensibilidad estética en el país.
El dibujo encontró en la prensa ilustrada el principal espacio de circulación y el medio para examinar la sociedad de la época. En este libro, profusamente ilustrado, se analiza la obra de los artistas que convivieron en ese periodo, ofreciendo una amplia visión del contexto local y universal en el que se desarrolló el camino hacia la modernidad en el arte cubano.
Según el pintor y escritor cubano Aldo Menéndez, este libro ofrece precisiones históricas y una literatura clara, fácil y comprensible. Examina tanto el arquetipo cultural que representaba París en ese momento como el ascenso de Estados Unidos como paradigma de prosperidad, cambio y modernidad.
La autora recopila citas, testimonios y relatos de protagonistas, así como opiniones de contemporáneos que revelan la psicología, el temperamento, las actitudes y el talento de estos artistas, quienes abrazaron los conceptos vanguardistas y rechazaron el tradicionalismo.
Después de la publicación de este libro, será inadmisible pasar por alto la labor de los dibujantes que marcaron pautas en la escena artística cubana de 1900 a 1930. La Dra. Llilian Llanes exige un reconocimiento definitivo para ellos.
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A POOR COLLECTOR S GUIDE TO BUYING GREAT ART (edición en inglés)
El mercado del arte de hoy en día es increíblemente dinámico. Hay tantas obras, exposiciones y exhibiciones fascinantes para elegir y nuevas galerías se abren todo el tiempo. Debido a que hay tanto por descubrir y ver, muchas personas se están interesando en coleccionar arte. Pero como es imposible estar al tanto de todos los avances, convertirse en coleccionista de arte no es fácil. A Poor Collector’s Guide to Buying Great Art brinda alivio y ofrece consejos sólidos a aquellos que desean comprar arte pero no saben cómo o dónde hacerlo. Pueden tener preferencias en términos de estilos o técnicas, pero no están familiarizados con cómo funciona el proceso de compra. Tal vez ya tengan piezas específicas en mente pero aún no confían en las reglas del mercado del arte, si es que realmente existen. ¿Qué necesita saber alguien para evitar que sus gustos personales los lleven a tomar decisiones de inversión equivocadas?
En su camino para convertirse en un apasionado coleccionista de arte, el aventurero noruego Erling Kagge tuvo que aprender estas reglas y responder a esta misma pregunta. Sus años como alpinista y visitante de ambos polos sin duda le ayudaron a explorar y evaluar los extremos del mercado del arte. Afortunadamente para nosotros, su experiencia también le dio el deseo y las habilidades para transmitir su conocimiento a otros en A Poor Collector’s Guide to Buying Great Art. Este libro ilumina todos los aspectos de convertirse en un experto en la compra de arte que uno disfrutará durante muchos años, como cómo comenzar, cómo tomar en serio los propios gustos, cómo hacer una búsqueda específica de piezas, cómo aprender a evaluar precios y cómo encontrar socios confiables. La orientación práctica pero entretenida paso a paso de Kagge también incluye formas de identificar y evitar trampas y tentaciones engañosas. Como atleta extremo, sabe muy bien cómo seguir las reglas pero confiar en su instinto donde cuenta. Este conocimiento ha beneficiado a Kagge en el mercado del arte y ahora beneficiará a todos los lectores de A Poor Collector’s Guide to Buying Great Art también.
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ALHAMBRA DI GRANADA (ED. DELUXE) (ITALIANO) (edición en italiano)
El Palacio de la Alhambra, considerado como un símbolo de poder político y militar en el Reino de Granada, fue la residencia oficial de los Sultanes Nasridas durante los siglos XIII al XV. Los monarcas deseaban reflejar la grandeza de la cultura islámica a través de la construcción de magníficos palacios y jardines.
Este anhelo se materializó en una imponente fortaleza que se destacó por su refinamiento artístico y su exuberante decoración, convirtiéndose en el principal referente de la arquitectura hispano-musulmana. Cada rincón de la Alhambra respira historia y belleza, atrayendo a visitantes de todo el mundo que quedan maravillados por su majestuosidad.
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ALMACEN: EL LUGAR DE LOS INVISIBLES
Sumérgete en un universo completamente nuevo en esta exposición que se presenta como un paisaje artístico. Aquí se exhiben alrededor de 300 esculturas y objetos artísticos, algunos de ellos nunca antes vistos y guardados en el almacén del museo. Este lugar, que en la imaginación del público evoca una bodega oscura y una reserva de tesoros secretos, es en realidad un universo paralelo de arte que abarca desde la Edad Media hasta el siglo XVIII, con estilos y formatos variados.
Esta muestra inmersiva ofrece a los visitantes una experiencia única, gracias a una instalación escénica que permite contemplar las obras de una manera nueva, íntima y libre. Hasta el momento, estas piezas eran invisibles para el público, pero ahora cobran vida para responder a los interrogantes sobre el significado del museo, su colección, sus enigmas, paradojas y metas.
La exposición se articula en torno a principios de libre juego e imaginación formal, explorando las posibilidades de la fabricación en serie y la multiplicidad escultórica. Además, se presentan contrapuntos basados en dualismos, tales como el suelo y el cielo, y recursos utilizados por los escultores para reflejar disociaciones espaciales.
‘Almacén. El lugar de los invisibles’ desafía las convenciones expositivas tradicionales y las jerarquías académicas al permitir que los espectadores contemplen las obras desde una nueva perspectiva, dando protagonismo a artistas anónimos, fragmentos dispersos y singularidades que normalmente quedan en la sombra.
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ARTE DEL SIGLO XIX
El XVI Curso de la Cátedra Goya de la IFC, celebrado en octubre de 2012, fue un evento lleno de aprendizaje y conocimiento. Durante esta edición, se impartieron varias lecciones que dejaron una huella duradera en los asistentes.
Una de las lecciones destacadas fue la importancia de la creatividad en el arte. Los expertos destacaron cómo la originalidad y la innovación son elementos esenciales para destacarse en el mundo artístico. Además, se enfatizó la importancia de la experimentación y el atrevimiento para romper barreras y explorar nuevas formas de expresión.
Otra lección importante fue la necesidad de conocer la historia del arte. Los ponentes hicieron hincapié en la importancia de estudiar y comprender las obras de los grandes maestros, ya que esto proporciona una base sólida para el desarrollo artístico. Además, se destacó cómo el arte del pasado puede influir y enriquecer la creatividad contemporánea.
Además, se abordó la importancia de la técnica en el arte. Los expertos compartieron sus conocimientos sobre diferentes técnicas y materiales, y cómo su dominio puede potenciar la expresión artística. Se hizo hincapié en la práctica constante y la dedicación para perfeccionar las habilidades técnicas.
Por último, se discutió la relevancia de la crítica constructiva en el desarrollo artístico. Los asistentes aprendieron a recibir y utilizar el feedback de manera positiva, comprendiendo que la crítica puede ser una herramienta valiosa para el crecimiento personal y profesional.
En resumen, el XVI Curso de la Cátedra Goya de la IFC fue un evento enriquecedor que dejó importantes lecciones sobre la creatividad, la historia del arte, la técnica y la crítica constructiva. Estas enseñanzas son fundamentales para todo aquel que desee adentrarse en el mundo del arte y desarrollar su propio estilo único.
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ARTE EN TIEMPOS DE GUERRA
Las XIV Jornadas Internacionales de Historia del Arte, celebradas en el Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC en 2008, exploraron el impacto del conflicto en el arte bajo el título «Arte en tiempos de guerra». Durante el evento, se expusieron diversas investigaciones que analizaron cómo la creación artística se ve influenciada por los eventos bélicos, demostrando que el arte no puede escapar de su entorno y se ve profundamente afectado por las situaciones de guerra y los conflictos socio-políticos.
El estudio se enfocó en cómo la guerra ha repercutido en el arte, los artistas y el patrimonio en general. El análisis se dividió en tres secciones temáticas que abordaron diferentes aspectos de esta relación compleja: La imagen de la guerra, El artista y la guerra, y La guerra y el patrimonio artístico.
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ARTE ESCRITA
En el arte del último siglo, el entrecruzamiento de texto, imagen y mujeres ha permitido abrir nuevas líneas de reflexión sobre la historia del arte contemporáneo. Este libro ofrece una serie de ensayos que examinan este encuentro desde la perspectiva de los estudios de género.
La primera parte de la obra se centra en el estudio del encuentro entre el lenguaje visual y escrito en las creaciones de artistas vanguardistas como Marianne Moore, Claude Cahun, Ketty La Rocca y las artistas de diversos colectivos feministas italianos de la década de los setenta. Este análisis revela la riqueza y complejidad de la interacción entre texto e imagen en estas obras.
La segunda parte del libro aborda la relación entre el arte y la literatura a través del estudio de figuras como la lectora, la escritora y la espectadora, así como la presencia de la mujer en la publicidad. Se explora cómo estas figuras influyen en la construcción de significados en el ámbito artístico y cultural.
Finalmente, la obra incluye dos ensayos visuales que demuestran la aplicación de obras lingüístico-visuales por parte de artistas pertenecientes a un grupo de investigación. Este ejercicio revela cómo la palabra y la imagen se convierten en el fundamento de la búsqueda de nuevas formas de expresión de la subjetividad femenina, desafiando las representaciones culturales dominantes y construyendo relatos alternativos sobre la historia del arte del último siglo.
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ARTE TRANSGRESOR
Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales.
En estas páginas encontrará fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepción y el legado de 50 obras transgresoras.
Desde Las bañistas (1853), de Gustave Courbet, hasta la Fuente (1917), de Marcel Duchamp, Antropometría sin título (1960), de Yves Klein, La cena (1974-1979), de Judy Chicago, pasando por el Cristo del pis (1987), de Andres Serrano, y El amor está en la papelera (2018), de Banksy. Aquí hallará egos enormes, feministas ortodoxas, reclusos superdotados, espiritistas, anticonsumistas, activistas, satíricos y mucho más.
Al contar la historia del arte contemporáneo a través de obras que fueron verdaderamente disruptivas y explicar el contexto en el que se creó cada una, este libro pone de relieve la esencia del arte contemporáneo. Cuestiona y desafía las expectativas de forma constante. Como dijo Pablo Picasso: «Todo acto de creación es, ante todo, un acto de destrucción».
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ARTE Y CULTURA DE INDIA: PENINSULA DEL INDOSTAN, HIMALAYA Y SUDES TE ASIATICO: DE LA A A LA Z
Enciclopedia del Arte Indio:
Una guía esencial para entender la riqueza artística de la India.
Esta enciclopedia, estructurada como un diccionario, presenta 488 entradas detalladas sobre el arte indio tanto en la península del Indostán como en otros lugares del mundo.
Diseñada para estudiantes e investigadores, esta obra proporciona el contexto y las referencias necesarias para comprender cada término, al mismo tiempo que despierta la curiosidad por descubrir nuevas perspectivas.
Con el viajero y el lector principiante en mente, se incluyen topónimos y datos específicos que facilitan la inmersión en el fascinante mosaico cultural de la India.
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ARTE, MAGIA E ILUSIÓN
El presente análisis se centra en el estudio de la influencia y repercusión de los fenómenos asociados a las ilusiones ópticas cognitivas y fisiológicas en diversas producciones visuales, como el arte, el diseño, la arquitectura, el cine o la moda, entre otros.
Se ha establecido que las ilusiones ópticas no solo afectan la transmisión de la información, sino también el propio mensaje visual. Estos fenómenos condicionan la interacción entre la imagen y los procesos perceptivos, determinando qué mecanismos se ponen en juego.
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ARTES Y ARTISTAS
Antes de la Primera Guerra Mundial, la obra de Picasso ya era aceptada y coleccionada en la capital checa. Este temprano interés se debió en gran parte al coleccionista y teórico del arte Vincec Kramár, quien fue uno de los primeros en reconocer el valor del trabajo del artista español. Además, muchos artistas checos que visitaron París en los inicios del cubismo quedaron fascinados por la obra de Picasso y contribuyeron a difundirla en Praga.
Este interés por la obra de Picasso se mantuvo a lo largo de los años, incluso durante el periodo de la Segunda Guerra Mundial. A pesar de las dificultades y los conflictos políticos, las obras del artista continuaron siendo valoradas y admiradas en la capital checa. Durante el régimen comunista, casi todas las obras de Picasso que se encontraban en Praga fueron transferidas a la Galería Nacional, donde se conservan hasta el día de hoy.
En 1960, Vincec Kramár decidió donar su colección de obras de Picasso a la Galería Nacional de Praga. Esta donación fue de gran importancia, ya que permitió que el conjunto de los «Picassos de Praga» se convirtiera en una de las colecciones más importantes del mundo. Estas obras son clave para el estudio del período cubista y continúan siendo objeto de admiración y estudio por parte de expertos y amantes del arte en todo el mundo.
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ARTISTAS: SU VIDAS Y SUS OBRAS
Artistas. Sus vidas y sus obras es una increíble exploración de más de 80 artistas famosos y sus fascinantes vidas. Este increíble libro narra las inspiradoras historias detrás de las obras más famosas del mundo y sus creadores, incluyendo sus influencias, amistades y rivales.
Descubre las vidas de artistas tan icónicos como Raphael, Hogarth, Van Gogh, Warhol y Kiefer. Cada artista cuenta con una biografía ilustrada a todo color que revela sus obras visionarias, sus técnicas y también las personalidades que los convirtieron en leyendas.
Artistas. Sus vidas y sus obras es el regalo ideal para los amantes del arte, tanto jóvenes como adultos. Es una mirada única y fascinante a las vidas de estos creadores, que sin duda dejará una impresión duradera en quienes lo lean.
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ATLAS ILUSTRADO. ARTE AFRICANO
Todas las vertientes del arte han tenido y tienen en África una expresión auténtica y original. Este arte no está hecho para ser contemplado desde fuera, sino que es una expresión íntima de sus habitantes, que ellos viven desde su interior, porque conocen su significado.
Este arte no busca el retrato, ni la anécdota ni el detalle, sino lo que esa figura representa y simboliza. No es un objeto de adorno, sino que cumple una función social.
Este libro ilustrado es un acercamiento a este arte. Es una ventana que nos permite adentrarnos en la riqueza cultural y simbólica de las creaciones artísticas africanas. A través de sus páginas, descubriremos los distintos estilos y técnicas utilizadas en la escultura, la pintura y la cerámica, entre otras manifestaciones artísticas.
Las obras de arte africanas nos hablan de la historia y la tradición de sus pueblos. Cada figura, cada máscara, cada objeto tiene su propio significado y nos revela aspectos de la vida cotidiana, las creencias y los rituales de las diferentes culturas africanas.
En este libro, podremos apreciar la belleza y la fuerza de estas obras, así como su profundo simbolismo. A través de las imágenes y las descripciones, nos sumergiremos en la esencia del arte africano, comprendiendo su importancia y su impacto en la sociedad africana.
Desde las esculturas de madera hasta las coloridas pinturas rupestres, cada página de este libro nos invita a explorar y apreciar la diversidad y la originalidad del arte africano.
Además, encontraremos información sobre los artistas y los contextos culturales en los que se desarrollaron estas creaciones. Así, podremos comprender mejor el significado y la trascendencia de cada obra de arte.
En definitiva, este libro ilustrado nos acerca a un universo artístico único y fascinante. Nos invita a descubrir y valorar la autenticidad y la originalidad del arte africano, así como a reflexionar sobre la importancia del arte como expresión cultural y social.
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BAUHAUS WEIMAR: DESIGN FOR THE FUTURE (edición en inglés)
En abril de 1919, Walter Gropius fundó la Bauhaus en Weimar, Alemania. Hasta 1925, año en que se trasladó a Dessau, este fue el lugar de encuentro para una amplia gama de ideas a menudo contradictorias, utopías y experimentos que formaron la base de la reputación de la institución. Con más de 400 ilustraciones, este libro muestra los logros de la Bauhaus de Weimar, siendo la primera vez que se les da una cobertura tan extensa en una publicación. El enfoque principal se centra en las obras destacadas de los estudiantes de todos los talleres, desde los estudios en el famoso curso introductorio impartido por Johannes Itten, hasta los bocetos de diseño que se han convertido en clásicos en la actualidad.
Otra sección está dedicada a las importantes colecciones de la Bauhaus de Weimar, especialmente la colección autorizada del mundo en las Kunstsammlungen zu Weimar, que contiene más de 8000 exhibiciones. Por último, se dan vida a los «lugares originales» de la Bauhaus en Weimar, como los edificios de la escuela de arte de Henry van de Velde y el monumento de Walter Gropius a los que murieron en la Revolución de 1848. Gracias a la gran cantidad de material, parte de cual se publica por primera vez en este libro, emerge un mundo colorido y pluralista que contradice la idea común de una sola Bauhaus.
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BLANCO
El color blanco, como lo conocemos, solo existe en nuestra percepción. Es inútil buscarlo, ya que no se puede encontrar. En cambio, debemos encontrar la forma de sentir la blancura. A través de este proceso, nos daremos cuenta de que hay diferentes tonalidades de blanco que no percibimos normalmente.
En la cultura japonesa, podemos encontrar una sorprendente diversidad de blancuras. Finalmente, entenderemos palabras como «silencio» o «espacio vacío» y seremos capaces de distinguir los significados ocultos que contienen.
A medida que nos sumerjamos en la comprensión del blanco, nuestro mundo se volverá más brillante y las sombras más notables.
Kenya HARA
