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«COSTOSISSIMO Y MUY DE VER». EL RETABLO DE LAS RELIQUIAS DE LA CATEDRAL DE SEVILLA, 1559-1584
Este libro se centra en la recuperación histórica del retablo-relicario que alguna vez fue único en su tipo en el territorio del arzobispado hispalense. Durante más de dos siglos, este retablo-relicario fue el elemento central en la Sacristía Mayor de la Catedral de Sevilla. Aunque fue desmontado en el siglo XIX, afortunadamente las pinturas que decoraban sus puertas y la estructura arquitectónica del relicario interior, ricamente tallada con esculturas, se conservaron.
A través de una extensa serie de documentos y del estudio detallado de los restos conservados, se ha logrado obtener un conocimiento más preciso sobre esta importante obra artística. Hasta ahora, solo se contaba con la breve descripción de Ceán Bermúdez, el último erudito que tuvo la oportunidad de verla en su ubicación original. Sin embargo, gracias a estas fuentes primarias, se ha revelado gran parte de cómo se construyó el retablo, incluyendo el contrato para las pinturas, que fueron realizadas por dos artistas poco conocidos en la historia del arte sevillano: Juan de Salcedo y Diego de Zamora.
Además, se cree que otros artistas clave en el Renacimiento sevillano, como Hernán Ruiz II y Asensio de Maeda en el diseño arquitectónico, y Juan Bautista Vázquez el Viejo y Diego de Velasco en la talla de las esculturas, también participaron en la creación del retablo-relicario.
La nueva cronología, revelada por las fuentes primarias, sitúa esta obra en un contexto histórico-religioso diferente al que se le había atribuido anteriormente. Por otro lado, el análisis de su simbolismo denso e inusual revela que esta obra se ajustaba completamente al ambiente de ortodoxia postridentina. Este ambiente superó las controversias religiosas de mediados del siglo, que también cuestionaron el papel intercesor de los santos y el valor del culto a las reliquias en el panorama sevillano.
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(I.B.D.) ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA. ENTRE EL BARROCO Y EL SIGLO XXI
Han pasado 32 años desde que el profesor Martín González publicara su Escultura Barroca en España 1600-1770. Mucho ha llovido, historiográficamente hablando, desde entonces. Aquel fue un trabajo, arduo, intenso, a la par que laborioso. No en vano, pretendía crear una magna obra que fuera, como fue y sigue siendo, el punto de referencia obligatorio al que todo investigador interesado en cuestiones relativas a la escultura barroca tuviera que dirigirse.
Así, nos encontramos ante el libro de cabecera de tres generaciones de investigadores. Escultura Barroca Española. Entre el Barroco y el siglo XXI, es el primer volumen de la trilogía Escultura Barroca Española. Nuevas lecturas desde los Siglos de Oro a la Sociedad del Conocimiento, una magna obra configurada en tres partes, cuya edición, con el fin de facilitar el acceso a la misma, se ha estructurado en diversos volúmenes con personalidad independiente, pero con solución de continuidad.
Con el permiso del profesor Martín González, nuestro tiempo comienza a continuación y, si lo hemos hecho bien, nos encontraremos dentro de 32 años.
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(I.B.D.) ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA. ESCULTURA BARROCA ANDALUZA
Si hay algo que destaca en esta tierra rica en manifestaciones artísticas de todos los periodos, es sin duda la escultura «barroca». Utilizamos este término para referirnos a un arte cuyas claves sociales se han mantenido desde el siglo XVII hasta la actualidad, más allá de sus características formales. La escultura barroca ha sabido reinventarse y crear nuevos lenguajes formales, expresivos y creativos a lo largo del tiempo.
Andalucía probablemente sea el lugar donde se han establecido las relaciones más cercanas entre las esculturas y las personas a lo largo de la historia. Pocas comunidades han experimentado una historia de «amor» tan apasionada y duradera como la nuestra. Aunque los escépticos puedan pensar que una escultura hecha de madera, piedra, barro u otro material poco puede hacer, la realidad es que aquí en Andalucía, las imágenes sagradas cumplen un papel activo en nuestra sociedad.
Tienen voz y voto en nuestras vidas, convivimos con ellas, las visitamos, nos preocupamos por su estado de «salud» y les pedimos que se preocupen por la nuestra. Las consultamos y hasta escribimos sobre ellas. La escultura barroca andaluza ha trascendido su condición material para convertirse en una parte fundamental de nuestra identidad cultural.
Desde las grandes construcciones historiográficas hasta la diversidad de los microrrelatos, la escultura barroca andaluza ha dejado una huella imborrable en nuestra historia y en nuestra forma de entender el arte. Cada obra es única y nos cuenta una historia, representa una emoción o nos invita a reflexionar sobre nuestra existencia. Es un testimonio vivo de la creatividad y la maestría de nuestros artistas a lo largo de los siglos.
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(I.B.D.) ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA. ESCULTURA BARROCA ANDALUZA
Si nos adentramos en la tierra de Andalucía, nos encontraremos con una gran riqueza artística que abarca todos los periodos de la historia. Sin duda, uno de los productos más destacados es la escultura «barroca». Utilizamos este término, no sin error, para referirnos a un arte cuyas claves sociales se han mantenido desde el siglo XVII hasta la actualidad.
El arte barroco ha sabido reinventarse y crear nuevos lenguajes formales, expresivos y creativos a lo largo del tiempo. Pero en Andalucía, es donde estas esculturas han establecido relaciones más humanas con las personas. Pocas comunidades han vivido una historia de amor tan apasionada y duradera con estas obras de arte.
Puede que los escépticos piensen que una escultura de madera, piedra, barro u otro material poco puede hacer. Sin embargo, aquí en Andalucía, las imágenes sagradas cumplen un papel activo en la sociedad. Tienen voz y voto, convivimos con ellas, las visitamos y nos preocupamos por su estado de salud. Les pedimos que se preocupen por nosotros, las consultamos y hasta escribimos sobre ellas.
La escultura barroca andaluza es un testimonio vivo de la gran diversidad artística que existe en esta región. Desde las grandes construcciones historiográficas hasta los microrrelatos más pequeños, cada obra de arte cuenta una historia única y transmite emociones profundas.
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(I.B.D.) ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA. ESCULTURA BARROCA ANDALUZA
La escultura «barroca» es uno de los productos estrella en esta tierra rica en manifestaciones artísticas de todos los periodos. Utilizamos el término barroco para referirnos a un arte cuyas claves sociales se han mantenido desde el siglo XVII hasta la actualidad, más que a unas meras características formales. Ha sabido reinventarse y crear nuevos lenguajes, formales, expresivos, creativos, etc.
Quizás sea en Andalucía donde se han establecido las relaciones más humanas entre esculturas y personas a lo largo de la historia. Pocas comunidades han vivido una historia de amor tan apasionada y duradera. Aunque los escépticos duden del impacto de una escultura de madera, piedra, barro u otro material, en Andalucía, las imágenes sagradas cumplen un papel activo en la sociedad.
Tienen voz y voto, convivimos con ellas, las visitamos, nos preocupamos por su estado de salud y les pedimos que se preocupen por el nuestro. Las consultamos y escribimos sobre ellas. La escultura barroca andaluza va desde las grandes construcciones historiográficas hasta la diversidad de los microrrelatos.
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(I.B.D.) ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA. ESCULTURA BARROCA ANDALUZA
La escultura «barroca» es uno de los productos estrella en una tierra rica en manifestaciones artísticas de todos los periodos. Al utilizar el término «barroco», nos elevamos sobre su temporalidad para referirnos a un arte cuyas claves sociales han perdurado desde el siglo XVII hasta la actualidad. Ha sabido reinventarse y crear nuevos lenguajes formales, expresivos y creativos.
En Andalucía, a lo largo de la Historia, se han establecido relaciones profundas entre esculturas y personas. Pocas comunidades han vivido una historia de «amor» tan apasionada y duradera. Aunque los escépticos puedan pensar que una escultura de madera, piedra o barro poco puede hacer, en Andalucía las imágenes sagradas tienen un papel activo en la sociedad. Convivimos con ellas, las visitamos, nos preocupamos por su «salud» y les pedimos que se preocupen por la nuestra. Las consultamos y escribimos sobre ellas.
La escultura barroca andaluza va desde las grandes construcciones historiográficas hasta la diversidad de los microrrelatos. Ha sabido trascender a lo largo del tiempo, manteniendo viva su relevancia y belleza en esta región tan llena de historia y pasión artística.
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(PE) ARTE MODERNO Y CONTEMPORANEO: 75 OBRAS MAESTRAS EN DETALLE
y la historia detrás de una obra de arte puede abrir una nueva perspectiva y profundizar nuestra apreciación.
El arte moderno y contemporáneo abarca una amplia gama de estilos y expresiones artísticas que desafían las convenciones tradicionales. Desde el expresionismo abstracto hasta el pop art, cada movimiento artístico tiene su propia historia y mensaje.
Es importante tener en cuenta que, a veces, las obras de arte moderno pueden parecer confusas o desconcertantes a primera vista. Sin embargo, al tomar el tiempo para examinarlas de cerca, podemos descubrir detalles fascinantes y significados ocultos.
La reinterpretación de una obra de arte también puede ser una experiencia enriquecedora. Al regresar a una exposición o galería, podemos notar aspectos que nos habían pasado por alto anteriormente. El cambio de perspectiva y la evolución personal pueden permitirnos apreciar aún más la complejidad y la belleza del arte contemporáneo.
La reflexión y el escrutinio son fundamentales para desentrañar el significado de una obra de arte. Preguntarse sobre el propósito del artista, las técnicas utilizadas y el impacto emocional que nos provoca puede ayudarnos a profundizar en nuestra conexión con la obra.
Además de analizar la obra en sí misma, es importante considerar el contexto histórico y cultural en el que fue creada. ¿Qué eventos o tendencias influenciaron al artista? ¿Cuál era el mensaje social o político que quería transmitir? Estas preguntas nos permiten apreciar el arte como una expresión de su tiempo y como una forma de comunicación humana.
En resumen, el arte moderno y contemporáneo es una oportunidad para expandir nuestros horizontes y abrir nuestra mente a nuevas formas de expresión. Al revisitar y reconsiderar las obras, nos damos la posibilidad de descubrir capas más profundas de significado y apreciar la creatividad y la visión del artista. Así que, la próxima vez que te encuentres frente a una obra de arte, tómate el tiempo para explorarla y entenderla en toda su complejidad.
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(PE) LA ANTIGUA GRECIA
La identidad cultural occidental moderna descansa sobre la historia de Grecia y su pasado, que ha experimentado un constante proceso de reivindicación y adaptación a lo largo del tiempo. Este legado ha sido venerado o denigrado según la ideología política predominante en cada época.
En este libro, de manera cronológica, se describen una serie de objetos que le permitirán comprender detalladamente esta civilización. La historia de Grecia se ha convertido en la piedra angular de la cultura occidental actual, siendo fundamental para entender el desarrollo de la sociedad y el pensamiento en el mundo moderno.
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(PE) MONARQUIA ESPAÑOLA EN LA PINTURA: LOS BORBONES
La monarquía española ha tenido a su servicio a dos genios nacidos en la península como pintores de cámara. Los Austrias contaron con Velázquez, mientras que los Borbones, desde Carlos III hasta Fernando VII, tuvieron a Goya, quien realizó algunas de las efigies más reconocidas de la historia del arte.
No obstante, el protagonismo de Goya en este volumen no debe hacer olvidar la importancia de otros artistas. Antes que él, pintores extranjeros, principalmente franceses pero también italianos y cosmopolitas como Amiconi y Mengs, crearon obras de una calidad excepcional.
Después de Goya, surgieron otros pintores españoles destacados como Vicente López y Federico de Madrazo. Además, no podemos olvidar las contribuciones de numerosos pintores posteriores, entre los que se destacan Sorolla y Dalí. Todos ellos jugaron un papel fundamental en la historia de la monarquía y del arte al servicio de la misma.
Cabe mencionar que casi todas las obras de gran importancia artística, a excepción de las de Paret, son retratos. Estos retratos han dejado un legado invaluable en la historia del arte español y en la representación visual de la monarquía.
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100 AÑOS DEL PABELLON ESPAÑOL EN LA BIENAL DE VENECIA, 1922- 2022 / 100 YEARS SPANISH PAVILION VENICE BIENNALE, 1922-2022
En el año 2022, se celebrará el centenario de la construcción del Pabellón Español en la Bienal de Venecia. Durante estos cien años, se ha llevado a cabo una labor excepcional que ha contribuido enormemente a la construcción y consolidación de la imagen de España como una potencia cultural a nivel internacional.
El Pabellón Español ha sido una plataforma invaluable para la exhibición y promoción del arte y la cultura española en el contexto de la Bienal de Venecia. A lo largo de los años, ha albergado exposiciones de renombrados artistas y ha sido testigo de la evolución y diversidad del arte español.
La participación de España en la Bienal de Venecia ha sido una ventana abierta al mundo para dar a conocer la riqueza y la creatividad de nuestra cultura. A través de las obras expuestas en el Pabellón Español, hemos mostrado al mundo la variedad de estilos, técnicas y expresiones artísticas que caracterizan a nuestros artistas.
El Pabellón Español ha sido un espacio emblemático que ha acogido exposiciones de pintura, escultura, fotografía, instalaciones y otras manifestaciones artísticas. Cada exhibición ha reflejado la pasión y el talento de nuestros artistas, así como la capacidad de España para generar propuestas artísticas vanguardistas y relevantes.
La presencia de España en la Bienal de Venecia ha sido un escaparate fundamental para el reconocimiento y la proyección internacional de nuestros artistas. Gracias a la visibilidad que han obtenido en este importante evento, muchos de ellos han logrado alcanzar reconocimiento y éxito tanto a nivel nacional como internacional.
El Pabellón Español en la Bienal de Venecia es un símbolo de la excelencia y la creatividad de la cultura española. Su centenario es un motivo de celebración y orgullo para todos aquellos que han contribuido a su éxito a lo largo de estos cien años.
En el año 2022, se rendirá homenaje a la trayectoria del Pabellón Español y a todos los artistas que han dejado su huella en este icónico espacio. Será una oportunidad para recordar y valorar el legado artístico que hemos construido a lo largo de estos cien años, así como para proyectar nuestras miras hacia el futuro y seguir promoviendo la cultura española en el ámbito internacional.
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100 DONES. 100 INSPIRACIONS CREATIVES (edición en catalán)
Grandes artistas de diferentes lugares y épocas hablan sobre el hecho creativo, la inspiración, el poder transformador del arte y muchos otros aspectos del proceso artístico. Y todas ellas son mujeres, casualmente. A pesar de ser grandes artistas, muchas de ellas son poco o nada conocidas, y esto no es casual.
El mundo del arte ha estado dominado históricamente por hombres, lo que ha llevado a que las contribuciones y voces de las artistas femeninas hayan sido subestimadas y relegadas al olvido. Sin embargo, a lo largo de la historia, numerosas mujeres han desafiado los estereotipos de género y han dejado una huella imborrable en el mundo del arte.
Una de estas grandes artistas es Frida Kahlo, una pintora mexicana reconocida por su estilo único y su representación de la identidad femenina. A través de sus autorretratos, Kahlo exploró temas como el dolor, la maternidad y la lucha por la igualdad de género. Su obra ha trascendido fronteras y ha inspirado a generaciones de mujeres artistas.
Otra destacada artista es Artemisia Gentileschi, una pintora italiana del siglo XVII. A pesar de las dificultades que enfrentó como mujer en un campo dominado por hombres, Gentileschi se convirtió en una de las primeras mujeres en ser reconocida como una gran pintora. Su obra se caracteriza por su enfoque en temas históricos y mitológicos, así como por su representación realista de la figura humana.
Además de estas dos artistas, también encontramos a Yayoi Kusama, una artista contemporánea japonesa conocida por su estilo único y su uso de patrones repetitivos. Kusama ha desafiado las normas del arte tradicional y ha explorado temas como la obsesión, la identidad y el concepto de infinito en su obra. Su trabajo ha sido exhibido en museos de todo el mundo y ha dejado una profunda huella en el arte contemporáneo.
Estas son solo algunas ejemplos de las muchas artistas femeninas que han contribuido de manera significativa al mundo del arte. Su talento y creatividad han desafiado las barreras de género y han demostrado que el arte no tiene fronteras ni límites. Es importante reconocer y valorar el trabajo de estas grandes artistas, y seguir promoviendo la igualdad de oportunidades para las mujeres en el ámbito artístico.
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1900-1930 DEL ARTE EN CUBA: EL DIBUJO
Del Arte en Cuba. El dibujo. 1900-1930 es el tercer volumen de la serie publicada por la Dra. Llilian Llanes, dedicada al estudio de las artes plásticas en Cuba durante su etapa de independencia. Anteriormente, la autora abordó la enseñanza y la escultura. En esta ocasión, se centra en el papel del dibujo en la configuración de una nueva sensibilidad estética en el país.
El dibujo encontró en la prensa ilustrada el principal espacio de circulación y el medio para examinar la sociedad de la época. En este libro, profusamente ilustrado, se analiza la obra de los artistas que convivieron en ese periodo, ofreciendo una amplia visión del contexto local y universal en el que se desarrolló el camino hacia la modernidad en el arte cubano.
Según el pintor y escritor cubano Aldo Menéndez, este libro ofrece precisiones históricas y una literatura clara, fácil y comprensible. Examina tanto el arquetipo cultural que representaba París en ese momento como el ascenso de Estados Unidos como paradigma de prosperidad, cambio y modernidad.
La autora recopila citas, testimonios y relatos de protagonistas, así como opiniones de contemporáneos que revelan la psicología, el temperamento, las actitudes y el talento de estos artistas, quienes abrazaron los conceptos vanguardistas y rechazaron el tradicionalismo.
Después de la publicación de este libro, será inadmisible pasar por alto la labor de los dibujantes que marcaron pautas en la escena artística cubana de 1900 a 1930. La Dra. Llilian Llanes exige un reconocimiento definitivo para ellos.
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2 MOVE VIDEO ART MIGRATION (LIBRO + DVD)
La exposición «2Move. Video Art», dirigida por Mieke Bal y Miguel Ángel HernándezNavarro, ha sido presentada en diferentes países como Murcia, Holanda, Irlanda y Noruega.
Este catálogo contiene una selección de obras de arte en formato de video que exploran el tema del movimiento y su relación con el arte contemporáneo.
En esta exposición, los artistas presentan una variedad de enfoques y técnicas para capturar y representar el movimiento en sus obras.
Algunas de las obras destacadas incluyen «Dancing Shadows» de Juan Pérez, una pieza que utiliza sombras y luces para crear una danza visualmente impactante.
Otra obra destacada es «Flowing Rhythms» de María Gómez, donde utiliza imágenes en movimiento y música para crear una experiencia inmersiva y rítmica.
La exposición también incluye obras que exploran el movimiento en relación con la naturaleza, como «Nature in Motion» de Laura Fernández, que muestra la belleza y la elegancia del movimiento en los elementos naturales.
Además de las obras individuales, la exposición también presenta instalaciones interactivas donde los visitantes pueden experimentar y explorar el movimiento a través de diferentes medios.
El catálogo completo de la exposición «2Move. Video Art» ofrece una mirada completa a las obras de arte presentadas y proporciona una reflexión sobre el papel del movimiento en el arte contemporáneo.
Esta exposición ha sido aclamada por la crítica y ha recibido elogios por su enfoque innovador y su capacidad para crear una experiencia inmersiva para los espectadores.
En resumen, la exposición «2Move. Video Art» es una muestra fascinante de cómo el movimiento puede ser capturado y representado a través del video arte, y cómo esto puede influir en nuestra percepción y comprensión del mundo que nos rodea.
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20TH CENTURY ALCOHOL & TOBACCO ADS. 40TH ED. (edición en inglés)
En esta colección de anuncios de alcohol y tabaco del siglo XX, exploramos cómo la publicidad de estos productos se mueve entre la elegancia y la originalidad, presentando anuncios de diferentes épocas e imágenes icónicas como el Hombre Marlboro o Spuds Mackenzie. Descubra cómo se hacía publicidad en un tiempo en el que incluso los médicos recomendaban fumar.
Vicios o virtudes: el alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que podían crear grandes festines visuales. En este espectacular compendio de anuncios, exploramos cómo se representaban estos productos, moviéndonos entre la elegancia y la excentricidad. Descubrimos cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran.
Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan de manera exuberante página tras página. Imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como el Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta, y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.
Tanto si saborea estas delicias visuales como si disfruta a caladas o sorbos de estos placeres prohibidos, le encantará esta exploración de un capítulo vibrante y, en ocasiones, controvertido de la historia de la publicidad.
Sobre la serie
¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciamos nuestra labor como arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, ayudando a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles a nuestro credo. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio, pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
«Estos son los anuncios que nos empujaron a nosotros, a nuestros padres y a los padres de nuestros padres, hacia el lado oscuro de los cigarrillos y las bebidas alcohólicas.»
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68+50
68 + 50 es una exposición que reúne el trabajo de cuatro exposiciones diferentes, Gráfica del 68, Grupo Mira, Salón Independiente y #NoMeCansaré. Estas exposiciones reflexionan sobre el movimiento estudiantil de 1968 en México y los cambios culturales y artísticos que se generaron a raíz de este acontecimiento histórico.
Gráfica del 68 es una muestra que exhibe una selección de obras de artistas que utilizaron la gráfica como medio de expresión para denunciar la represión y la violencia ejercida por el gobierno durante el movimiento estudiantil. A través de sus obras, estos artistas buscaban transmitir un mensaje de resistencia y lucha por los derechos humanos.
Por otro lado, Grupo Mira es una exposición que presenta el trabajo colectivo de un grupo de artistas que se unieron para crear obras de arte que reflejaran las demandas y los ideales del movimiento estudiantil. Estas obras exploran temas como la libertad de expresión, la igualdad y la justicia social.
El Salón Independiente es una muestra que reúne obras de artistas que formaron parte del movimiento estudiantil y que utilizaron el arte como una forma de protesta y resistencia. Estas obras reflejan la efervescencia y la creatividad que caracterizó a este periodo de la historia de México.
Finalmente, la exposición #NoMeCansaré presenta obras de artistas contemporáneos que reflexionan sobre la vigencia y la relevancia del movimiento estudiantil de 1968 en la actualidad. Estas obras cuestionan el papel de la juventud en la sociedad y buscan generar un diálogo entre las generaciones pasadas y presentes.
En conjunto, estas cuatro exposiciones ofrecen una mirada amplia y diversa sobre el movimiento estudiantil de 1968 en México y su impacto en la cultura y el arte. A través de diferentes técnicas y enfoques artísticos, los artistas nos invitan a reflexionar sobre la importancia de la memoria histórica y la lucha por los derechos humanos.
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A FRONTE DA ARTE (edición en gallego)
El arte gallego en el contexto europeo de los años treinta recopila un conjunto de trabajos dedicados al desarrollo de la pintura del siglo pasado, con especial atención a la producción del movimiento renovador del arte gallego que trabajó en los años veinte, en el período republicano, en la Guerra Civil y en el exilio. Se estudia cómo su arte era conscientemente presentado desde posturas que reafirmaban el carácter conflictivo, denunciador de la opresión o reafirmador de las imágenes, desde criterios sociopolíticos alternativos al discurso dominante que dictaba el poder.
Tenían, por lo tanto, un fuerte contenido social e identitario, apareciendo los labradores como clase subalterna pero también el proletariado y el mundo fabril. Las obras de nuestros pintores se producen, por lo tanto, desde un conocimiento de lo representado, elaborando un discurso que no es ajeno a lo que se produce en otros lugares de Europa -con sus singularidades- y en América, en el contexto de la llamada «realismo de entreguerras». La búsqueda de raíces en el pasado propio como fuente de modernidad es una de las recetas; en el caso gallego es la inspiración en el arte popular y medieval, en especial la escultura esgrafiada y granítica de nuestro románico y barroco.
La recepción posterior tópica de nuestro arte sólo se puede entender por una visión previa que lee la producción gallega desde un a priori que reduce la imagen costumbrista.
