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ABU GHRAIB, EL CIRCO (CATALOGO EXPOSICION FERNANDO BOTERO)
El Catálogo de exposición del IVAM presenta las obras que se exhibieron en dos importantes sedes: el 20 de mayo al 6 de julio en la Casa de las Artes de Vigo y de octubre a diciembre de 2008 en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM).
Esta exposición reunió una variedad de obras de artistas contemporáneos de renombre, mostrando la diversidad y calidad del arte moderno. Desde pinturas y esculturas hasta instalaciones y fotografías, los visitantes tuvieron la oportunidad de sumergirse en el fascinante mundo del arte contemporáneo.
El catálogo ofrece una visión completa de las obras exhibidas en ambas sedes, proporcionando información detallada sobre cada artista y su enfoque creativo. Los visitantes podrán explorar las diferentes corrientes artísticas representadas en la exposición, desde el surrealismo hasta el pop art, y apreciar la evolución del arte a lo largo del tiempo.
La Casa de las Artes de Vigo fue el escenario perfecto para dar inicio a esta exposición, con sus amplias salas y su ambiente acogedor. Durante el periodo de exhibición, los asistentes pudieron disfrutar de un recorrido guiado por expertos en arte, quienes brindaron una perspectiva única sobre las obras expuestas.
Posteriormente, la exposición se trasladó al IVAM en Valencia, donde continuó cautivando a los amantes del arte. El IVAM, reconocido internacionalmente por su colección de arte moderno y contemporáneo, fue el lugar ideal para albergar esta muestra tan especial.
El catálogo de la exposición del IVAM es una pieza esencial para aquellos que desean revivir la experiencia de la exposición o explorarla por primera vez. Con imágenes atractivas y textos informativos, este catálogo captura la esencia de las obras y ofrece una visión enriquecedora del arte contemporáneo.
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ADAM PENDLETON. CONTEMPORARY ARTISTS SERIES (edición en inglés)
La obra de Adam Pendleton ha sido descrita como la encarnación de una nueva era, siendo original y potente. Su enfoque multifacético abarca proyectos que incluyen pintura, collage, película y publicaciones. A través de su arte, Pendleton logra recontextualizar posiciones históricas y teóricas sobre la abstracción, la raza negra y el vanguardismo.
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ADRIAN VILLAR ROJAS: CONTEMPORARY ARTIST SERIES
Adrián Villar Rojas es un artista cuyas obras confeccionan reinos imaginarios. Utilizando principalmente arcilla como material, crea inmensas instalaciones que son efímeras y no pueden coleccionarse, desapareciendo o marchitándose con el paso del tiempo.
En su obra, Villar Rojas presenta al público ideas de obsolescencia y extinción. Sin embargo, también muestra las posibilidades infinitas de la raza humana y su inacabable imaginación.
Este libro es el primero en recopilar todo el trabajo del artista, incluyendo aquel que ha sido presentado en reconocidas bienales como la de Venecia, Documenta y Shanghái, entre otras.
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AI WEIWEI: CONVERSACIONES
El polifacético artista chino Ai Weiwei, reconocido como arquitecto, comisario, editor, poeta y urbanista, ha dejado una huella significativa en el panorama creativo y cultural internacional. Su obra ha ampliado los límites del arte tradicional y lo ha llevado a nuevas dimensiones.
En una serie de entrevistas con el comisario Hans Ulrich Obrist a lo largo de varios años, Ai Weiwei revela las múltiples influencias que han nutrido su trabajo. Reflexiona sobre cómo su vida artística ha sido moldeada por diferentes aspectos, desde la cerámica y los blogs, hasta la naturaleza, la filosofía y su faceta más conocida como activista político en contra del gobierno de China.
Este pequeño volumen de conversaciones extraordinarias arroja una luz excepcional sobre la complejidad de la obra y el pensamiento de Ai Weiwei. Además, nos recuerda la importancia de la libertad personal, política y artística en la vida de esta figura clave de la escena artística contemporánea.
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ALAN GLASS (edición en inglés)
El libro Alan Glass: El Arte de la Construcción nos sumerge en la fascinante vida y obra de uno de los artistas más destacados de todos los tiempos. Alan Glass, reconocido por su habilidad única en la construcción de objetos, ha dejado una huella imborrable en la historia del arte.
Su talento excepcional solo encuentra parangón en la figura del aclamado Joseph Cornell. Ambos han logrado crear un universo propio a través de sus cajas-objeto, donde convergen personajes históricos como la reina Isabel I y el rey Luis II de Bavaria, junto a elementos tan diversos como castillos de hielo, el mar y el cielo.
El mar, símbolo de navegación y descubrimiento, se encuentra presente en muchas de las creaciones de Glass. Sus cajas-objeto nos transportan a un mundo de fantasía donde las olas rompen contra las costas y los barcos surcan los mares en busca de lo desconocido.
El cielo, por su parte, se convierte en una ventana hacia el infinito. Glass, con su maestría en la astrología, ha plasmado estrellas y constelaciones en sus obras, invitándonos a explorar los misterios del universo a través de su arte.
Pero no solo las cajas-objeto definen la genialidad de Alan Glass. Sus obras bidimensionales son igualmente impactantes. Con un dibujo versátil y exquisito, el artista logra plasmar sus visiones fantásticas en papel y lienzo. Criaturas mágicas, paisajes oníricos y seres mitológicos cobran vida bajo su talento inigualable.
Este libro, titulado Alan Glass: El Arte de la Construcción, es el resultado de un minucioso estudio realizado durante dos años por la renombrada curadora y conferencista Masayo Nonaka. Especialista en el surrealismo mexicano, Nonaka nos guía a través de la trayectoria de Glass, revelando los secretos y significados ocultos en cada una de sus obras.
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ALAN GLASS
Alan Glass es un artista excepcional que ha dedicado su carrera entera a la creación de objetos. Su talento no tiene igual en la historia del arte, a excepción de Joseph Cornell. Sus obras, en forma de cajas-objeto, nos transportan a mundos imaginarios donde aparecen personajes históricos como la reina Isabel I y el rey Luis II de Bavaria. Además, encontramos castillos de hielo, el mar que invita a la navegación, el cielo que nos abre las puertas de la astrología y el universo en toda su grandeza.
Pero no solo se limita a las obras tridimensionales, también es reconocido por sus creaciones bidimensionales. Con su exquisito dibujo versátil, Alan Glass ha logrado plasmar sus visiones fantásticas en lienzos y papel. Sus obras nos transportan a paisajes oníricos y nos sumergen en un mundo surrealista lleno de misterio y belleza.
Este libro es el resultado de un estudio exhaustivo realizado a lo largo de dos años por la destacada curadora y conferencista Masayo Nonaka, especialista en el tema del surrealismo mexicano. En sus páginas, podremos adentrarnos en el mundo fascinante de Alan Glass y descubrir los secretos detrás de sus obras maestras. No hay duda de que este libro será una referencia imprescindible para todos los amantes del arte y del surrealismo.
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ALBERTO CORAZON
Amplio y generoso estudio de este talentoso artista español, que ha sido producido con motivo de una exposición en el IVAM. Junto a obras gráficas en forma de carteles, catálogos y libros, se incluyen también una exploración de obras conceptuales y escultóricas junto con pinturas. Las obras están claramente organizadas, presentadas en orden cronológico y acompañadas de una breve biografía y varios ensayos exploratorios.
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ALEIX PLADEMUNT
materia puede referirse tanto a la sustancia física de la que está compuesto el universo, como a un tema o contenido específico de estudio o discusión.
En física, la materia se clasifica en diferentes estados, como sólido, líquido y gaseoso. Esta clasificación se basa en las propiedades y comportamientos de las partículas que la componen. Por ejemplo, en un sólido, las partículas están cercanas y ordenadas, mientras que en un líquido están más separadas y en constante movimiento. En un gas, las partículas están muy separadas y se mueven libremente.
Además de los estados de la materia, existen diferentes ramas de estudio que se enfocan en comprender sus propiedades y comportamientos. La física de partículas se dedica a investigar las partículas subatómicas y las interacciones entre ellas. La química, por su parte, se ocupa de los elementos y compuestos químicos y sus reacciones. La biología se centra en la materia viva y su funcionamiento.
Por otro lado, el término «materia» también puede referirse a un asunto o tema de importancia. Por ejemplo, cuando se habla de un «tema de materia», se está haciendo referencia a un contenido específico de estudio o discusión. En este sentido, la materia puede ser cualquier cosa que resulte relevante o interesante para un individuo o grupo.
En resumen, la materia es la sustancia primera con la que están hechas las cosas y puede referirse tanto a la sustancia física como a un tema de importancia. Su estudio abarca diferentes disciplinas científicas y es fundamental para comprender el mundo que nos rodea.
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ALEJANDRA ICAZA: MARSHMALLOWS
Retrospectiva a modo de libro de artista, que presenta la obra intuitiva de Alejandra Icaza, destacada por su abstracción narrativa llena de ritmo y su capacidad para envolver al espectador.
Alejandra Icaza es una artista cuya obra se caracteriza por su enfoque intuitivo y su habilidad para transmitir emociones a través de formas abstractas y narrativas. Su retrospectiva, presentada en forma de libro de artista, es una oportunidad única para sumergirse en su mundo creativo.
La abstracción narrativa es la clave de la obra de Icaza. A través de formas y colores, logra contar historias sin palabras, dejando que el espectador interprete y se sumerja en su propia experiencia. Cada obra es un poema visual que invita a la reflexión y la contemplación.
El ritmo es otro elemento fundamental en la obra de Icaza. Sus composiciones están llenas de movimiento y energía, creando una danza visual que cautiva al espectador. Cada trazo, cada pincelada, se convierte en una nota en un concierto de emociones.
La capacidad de envolver al espectador es una de las cualidades más destacadas de la obra de Icaza. Sus creaciones son como un abrazo visual que nos transporta a un mundo de sensaciones y nos invita a perdernos en su belleza. Cada obra nos invita a sumergirnos en su historia y descubrir nuevos significados.
En resumen, la retrospectiva de Alejandra Icaza es un viaje fascinante a través de su obra intuitiva. Su abstracción narrativa llena de ritmo y su habilidad para envolver al espectador nos invitan a sumergirnos en su mundo creativo y descubrir nuevas emociones.
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ALEXANDER CALDER: LES ANNEES PARISIENNES, 1926-1933 (EXPOSITION. NEW YORK, WHITNEY MUSEUM OF AMERICAN ART) (edición en francés)
Brigitte Léal y Joan SimonNacido en los Estados Unidos, Alexander Calder (1898-1976) es una de las figuras más destacadas de la escultura del siglo XX. Descendiente de una familia de escultores, recibió una doble formación como ingeniero y artista, lo cual estimuló su extraordinaria inventiva. Desde muy temprano se dedicó a la creación de objetos lúdicos, como juguetes y pequeños animales hechos a mano, que demuestran su ingenio.
Su verdadera carrera como escultor comenzó cuando llegó a París en 1926. En pocos años, reinventó la escultura llevándola hacia la dinámica y la abstracción. Entre 1926 y 1931, construyó un conjunto completamente original, un Circo en miniatura, compuesto por cientos de figuritas hechas con materiales reciclados y animadas con mecanismos rudimentarios, que presentaba en espectáculos musicales que reunían a todas las vanguardias parisinas. Sus personajes de alambre, llenos de humor y fantasía, que representaban artistas o estrellas del espectáculo como Joséphine Baker, transformaban la escultura en dibujo en el espacio.
Su creación se centra por completo en la búsqueda del movimiento. Inventó esculturas cinéticas, en las que las líneas metálicas ya no eran factores figurativos, sino direcciones rítmicas, y los primeros Mobiles, que eran construcciones animadas por manivelas o motorizadas. Los Mobiles suspendidos, con formas vegetales, que se mueven y respiran en el espacio, son el resultado de una obra cósmica y festiva.
El catálogo que acompaña a la exposición muestra la riqueza y variedad de sus esculturas, así como obras menos conocidas, como sus caricaturas y dibujos de prensa, juguetes y joyas, pero también conjuntos inéditos de fotografías y.
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ALICIA FRAMIS: PABELLON DE GENERO / GENDER PAVILION
Catalogo de la exposición «Pabellón de género» situada en la Sala Alcalá 31, que aborda de manera reflexiva la posición de la mujer en la sociedad. A través de discursos sociales y feministas, se exploran aspectos relacionados con el mundo en el que vivimos, cómo lo habitamos y nuestras relaciones humanas.
La artista Alicia Framis ha logrado interrelacionar campos tan diversos como la moda, el diseño y la arquitectura, así como la manifestación activista, los espacios de encuentro y la creación artística. En colaboración con la comisaria de la exposición, Margarita Aizpuru, han desarrollado el proyecto «Pabellón de género» y lo han estructurado en dos ejes principales.
El primer eje se compone de un grupo de obras que exploran el espacio y su ocupación. Se presentan arquitecturas y habitaciones que desafían las formas de vida y de habitar lo establecido. Entre las obras destacadas se encuentran «One night tent», «Arquitectura secreta» y «Hijas sin hijas».
El segundo eje está compuesto por obras de carácter performativo que se enfocan en la moda, el diseño, el videoarte e incluso el activismo callejero. Ejemplos de estas obras incluyen «MAMAMEN», una serie de trajes de hombre con portabebés que permiten conciliar el trabajo y las tareas diarias, y la colección de moda «Anti_dog», que aborda la violencia de género y el racismo.
Además, la exposición contará con la nueva performance de la artista titulada «The walking ceiling», que es un poderoso alegato contra el techo de cristal social, laboral y político que aún enfrentan las mujeres en la actualidad.
Esta muestra, organizada por la CAM, ofrece una mirada profunda y provocadora sobre la posición de la mujer en la sociedad contemporánea, invitando a la reflexión y generando diálogos en torno a la igualdad de género y los desafíos que aún debemos superar.
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ALICIA PENALBA. ESCULTORA
El presente libro, publicado por RM en colaboración con el Archivo Alicia Penalba y el Museo Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), surge a partir de la difusión del archivo personal de la destacada escultora argentina Alicia Penalba. Este archivo cuenta con un amplio fondo documental y un magnífico conjunto de fotografías, materiales inéditos que enriquecen de manera significativa esta edición.
La obra se presenta como una edición ampliamente ilustrada, que reúne ensayos de reconocidos investigadores tanto europeos como argentinos. Estos ensayos ofrecen una mirada profunda y detallada sobre la vida y obra de Alicia Penalba, permitiendo al lector adentrarse en la trayectoria artística de esta talentosa escultora.
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ALIGHIERO BOETTI: QUASI TUTTO (BILINGÜE ITALIANO-INGLES) (edición en italiano)
El volumen es el catálogo de la exposición montada en la Galería de Arte Moderno y Contemporáneo de Bergamo, dedicada a Alighiero Boetti, un ecléctico artista de la posguerra que creó una poética singular capaz de superar barreras culturales aparentemente insuperables, como las de Afganistán, donde vivió y trabajó.
La exposición y el catálogo fueron concebidos siguiendo un enfoque dual que se enfoca en el concepto de complejidad teorizado por Boetti a lo largo de su vida y llevado a cabo formalmente en sus obras. Al igual que la exposición, estructurada según las técnicas y materiales utilizados, es en realidad un recorrido temporal a través de los temas desarrollados por el artista, como el orden y el desorden, el fragmento y la complejidad, la progresión del tiempo y la extensión del espacio, el catálogo también se concibe como un diccionario.
Cada letra remite a un concepto propio del pensamiento de Boetti, ilustrado por una de sus obras y comentado por un especialista en el campo artístico y por una voz ajena a la crítica. El catálogo, que representa un verdadero mapa del trabajo del artista, está acompañado de textos críticos y de un rico repertorio ilustrativo.
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AMERICA
Este libro es una obra visual que muestra el lado más divertido y conmovedor de Andy Warhol, representando a América en todas sus contradicciones asombrosas. Es una obra importante y hermosa del artista más americano del siglo XX.
Desde sus primeros retratos de Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elvis Presley y las sopas Campbell, hasta sus obras más recientes de Liza Minnelli, Diana Ross, Arnold Schwarzenegger y el Pato Donald, los veinte años de Andy Warhol como artista de renombre internacional han sido una apasionada historia de amor con los Estados Unidos.
Gracias a su cámara siempre presente, ahora nos llega una carta de amor, un recuerdo y un retrato sorprendente de la vida moderna en América. Este libro ha sido seleccionado de sus archivos de una década y muestra una perspicacia deslumbrante. Es una obra de extraña belleza y enormes contradicciones.
Aquí encontrarás las vidas privadas de los ricos y famosos, los jóvenes estadounidenses de hoy en día con sus cuerpos sexis y musculosos, y el mundo de la calle con las personas más pobres de América. También podrás ver a las asombrosas criaturas de la noche vestidas con sus mejores galas, y disfrutar de un brunch en Texas que incluye una clase de baile al estilo del Oeste.
En Montauk, una belleza al estilo de Gauguin se alza sobre una concha al estilo de Botticelli, mientras que en Nueva York los árabes protestan y se encuentran…
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ANASTASIO MARTINEZ HERNANDEZ (1874-1933): ESCULTOR
El escultor Anastasio Martínez Hernández, destacado artista del sureste español en el siglo XX, dejó un legado artístico que abarca diversas disciplinas. Después de recibir formación en varios centros artísticos, estableció su taller en Murcia, donde creó obras que van desde esculturas religiosas y funerarias hasta ornamentación arquitectónica, mobiliario litúrgico y privado, y carrozas para las Fiestas de Primavera.
Martínez Hernández se distinguió por su colaboración con renombrados arquitectos como Pedro Cerdán y José Antonio Rodríguez, así como por ser maestro de reconocidos escultores como José Planes y Clemente Cantos. Su obra se puede apreciar en emblemáticos edificios religiosos y civiles de Murcia, como la Catedral y el Casino, así como en otras localidades como Lorca, Fortuna, Novelda, Espinardo y Orihuela.
Entre sus creaciones más destacadas se encuentra el primer Monumento al Corazón de Jesús de Monteagudo, una obra célebre que refleja la maestría y el talento del escultor Anastasio Martínez Hernández.
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ANDREU MAIMO, UN HOME QUE PINTA (edición en catalán)
Si un músico, escritor o artista desea alcanzar un verdadero éxito, no solo en términos de popularidad y dinero, sino también en prestigio y reconocimiento, es crucial que aprendan a trabajar siempre con la pasión y frescura que tenían cuando recién descubrieron su vocación.
Es cierto que el camino hacia el éxito puede ser largo y desafiante. Sin embargo, aquellos que perseveran y continúan persiguiendo sus sueños con determinación son los que logran destacarse en sus respectivos campos.
Para lograr esto, es importante recordar que cada proyecto es una oportunidad para crecer y mejorar. Los artistas deben estar dispuestos a salir de su zona de confort y experimentar con nuevas ideas y enfoques. La creatividad y la originalidad son elementos clave para diferenciarse de los demás y dejar una huella duradera en la industria.
Además, es fundamental mantenerse actualizado y en constante aprendizaje. La industria artística está en constante evolución, por lo que es esencial estar al tanto de las últimas tendencias y técnicas. Ya sea asistiendo a talleres, leyendo libros o conectándose con otros profesionales del sector, la educación continua es esencial para mantenerse relevante y competitivo.
Por otro lado, es importante recordar que el éxito no se logra de la noche a la mañana. Es un proceso gradual que requiere dedicación y perseverancia. Los artistas deben estar dispuestos a enfrentar los desafíos y superar los obstáculos que se presenten en su camino. La resiliencia y la determinación son cualidades imprescindibles para alcanzar el éxito a largo plazo.
Asimismo, es crucial construir una red de contactos sólida. Establecer relaciones con otros profesionales de la industria puede abrir puertas y brindar oportunidades de colaboración. El apoyo y la retroalimentación de personas con experiencia pueden ser invaluables para el crecimiento y desarrollo de un artista.
En resumen, para alcanzar el éxito como artista, escritor o músico, es necesario trabajar con pasión y frescura, experimentar, mantenerse actualizado, perseverar, ser resiliente y construir una red de contactos sólida. El camino puede ser desafiante, pero aquellos que están dispuestos a poner el esfuerzo y la dedicación necesaria tienen la oportunidad de dejar una huella duradera en su industria y alcanzar el reconocimiento que anhelan.
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ANDY WARHOL (edición en francés)
Descubre todo el universo del «Papa del Pop» con más de 20 facsímiles inéditos!
Adéntrate en la vida y la carrera del icónico artista con esta fascinante colección. En cada página, encontrarás imágenes y documentos exclusivos que te transportarán al mundo de la música y el arte de este legendario artista.
Explora sus primeros años de vida, desde su infancia en una pequeña ciudad hasta su ascenso a la fama mundial. Revive sus conciertos más memorables a través de fotografías en vivo y recuerdos de fans. Conoce los secretos detrás de sus mayores éxitos y descubre cómo su música ha dejado una huella imborrable en la industria.
Sumérgete en la intimidad de su vida personal con cartas y notas escritas a mano. Descubre sus influencias artísticas y su proceso creativo a través de bocetos y dibujos originales. Además, podrás ver reproducciones de objetos personales que pertenecieron al «Papa del Pop», como su sombrero emblemático y su guante brillante.
Esta colección única te ofrece una oportunidad única de acercarte al legado de este ícono de la música. Cada facsímil es una pieza de historia que te permitirá explorar de cerca la vida y el impacto de este artista visionario.
No te pierdas la oportunidad de sumergirte en el mundo del «Papa del Pop» con esta impresionante colección. ¡Obtén tus facsímiles inéditos y disfruta de una experiencia única!
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ANDY WHARHOL
Arthur C. Danto, filósofo y crítico de arte, nos invita a adentrarnos en el fascinante universo de Andy Warhol y descubrir la compleja evolución que experimentó a lo largo de su vida. Danto analiza detalladamente la trayectoria de Warhol, explorando su relación con destacados artistas como Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Además, profundiza en el fenómeno de The Factory, revelando el contexto social y la dimensión filosófica que impregnan sus obras y que lo distinguen de figuras como Marcel Duchamp o Jeff Koons.
Danto nos presenta a Warhol como un ser multifacético, que no solo fue un icónico artista del pop, sino también un activista político, cineasta, escritor y filósofo. Su legado ha dejado una huella imborrable en la contemporaneidad, siendo un referente clave en la transformación de la concepción tradicional del arte. Las técnicas revolucionarias de Warhol y sus creaciones han allanado el camino hacia un panorama artístico pluralista y lleno de libertad creativa en la actualidad, demostrando así su impacto perdurable en el mundo del arte.
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ÁNGEL ESPINOSA HERRER. (1889-1971). PINTOR Y ESCRITOR.
Aunque el paso del tiempo ha relegado al olvido a Ángel Espinosa Herrer, su obra artística no es completamente desconocida para los bilbilitanos. Este poeta y pintor nacido en Calatayud vivió en una época llena de efervescencia artística en la Edad de Plata de la cultura española, además de experimentar la Guerra Civil, la dura posguerra y el franquismo.
La vida de Espinosa Herrer es un auténtico puzle biográfico, del cual se tenían muy pocos datos hilvanados hasta la fecha. Sin embargo, gracias a la investigación en archivos, hemerotecas y museos, se han encontrado piezas que permiten integrar y secuenciar un relato coherente y contextualizado de su vida y obra.
Emergiendo de este relato, se revela la figura del artista con sus inquietudes intelectuales. A pesar de su olvido, su legado artístico sigue presente y merece ser reconocido.
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ANGELES SANTOS, ENTRE LA VIDA I LA PINTURA (edición en catalán)
Aproximación a la vida y la obra de Ángeles Santos, una de las pintoras más importantes del panorama español contemporáneo. En su opúsculo, Anna Molas nos sumerge en el fascinante mundo de esta artista única, haciendo un exhaustivo repaso de su intensa vida y su impactante obra.
Ángeles Santos, nacida en Portbou en 1911, fue una figura destacada en el ámbito artístico español de la primera mitad del siglo XX. A pesar de su talento y contribuciones al arte, su nombre ha sido injustamente olvidado a lo largo de los años. Sin embargo, gracias a la meticulosa investigación de Molas, podemos descubrir la importancia y el legado que dejó esta pintora.
Su estilo artístico se caracteriza por una fusión de influencias, desde el cubismo hasta el expresionismo. Sus pinturas muestran una combinación única de formas geométricas y colores vibrantes, creando composiciones abstractas que transmiten una profunda emotividad.
La obra de Santos refleja su visión personal del mundo y su experiencia vital. A través de sus cuadros, podemos adentrarnos en su universo interior, explorando temas como la identidad, la feminidad y la trascendencia. Cada pincelada parece contar una historia, invitándonos a reflexionar sobre nuestra propia existencia.
Además de su faceta como pintora, Santos también se destacó como escritora y activista cultural. Su compromiso con la defensa de los derechos de la mujer y su lucha por la igualdad de género se reflejan tanto en sus textos como en su obra visual. Fue una voz valiente en una época en la que las mujeres artistas eran marginadas y subestimadas.
A lo largo de su carrera, Ángeles Santos participó en numerosas exposiciones y recibió reconocimientos por su trabajo. Sin embargo, su contribución al arte español no ha sido debidamente valorada hasta hace poco. Gracias a Anna Molas y su dedicado trabajo de investigación, podemos apreciar y celebrar el talento de esta pintora olvidada, reconocer su importancia en el panorama artístico y devolverle el lugar que merece en la historia del arte.
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ANTONI ABAD
Desde 2004, Antoni Abad, un artista comprometido socialmente, ha llevado a cabo una serie de proyectos innovadores y multidisciplinarios en diferentes ubicaciones geográficas. Estos proyectos están englobados en megafone.net.
megafone.net es una plataforma que brinda la oportunidad a diversos grupos humanos en peligro de exclusión de expresar sus experiencias y opiniones a través del uso de teléfonos móviles. Estos mensajes, ya sean de audio, vídeo, texto o foto, se publican instantáneamente en la web.
Este proyecto ha obtenido el reconocimiento internacional más alto en el ámbito del arte electrónico debido a sus resultados pioneros en las artes y la comunicación social.
Los textos presentes en megafone.net abarcan una amplia variedad de temas, desde la historia del arte y la crítica hasta la geografía y la etnografía. También incluyen estudios de comunicación, así como reflexiones sobre temas sociales y políticos. Todos estos textos juntos ofrecen un análisis profundo de los usos alternativos de los teléfonos inteligentes y las redes sociales, donde la experiencia de los grupos vulnerables se vuelve relevante para toda la sociedad.
El proyecto expositivo, del cual esta publicación es un referente, ha sido realizado en colaboración entre el MACBA y AC/E.
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ANTONIO LOPEZ. EL ARTE EN LO PROFUNDO: UN NO SE QUE QUE SE ALCANZA POR VENTURA
Este libro nos introduce en la rica profundidad de la personal creación artística de Antonio López. Nos sorprende cada día con su obra, que se oculta pero emerge para maravillarnos.
Para comprender su arte, debemos entrar en un estado meditativo similar al que el autor experimentó mientras creaba. Ya sea pintura, escultura, dibujo, grabado o diseño, estas diferentes formas de expresión revelan las múltiples capas de sabiduría que Antonio López guarda en sus obras.
A través de sus creaciones, podemos vislumbrar visiones retro-proyectivas del pasado lejano y anticipar el futuro. Sus obras son monumentos grandiosos y delicadas flores que se marchitan con el tiempo. En ellas encontramos amores llenos de vida y otros más inertes. También vemos una niña o una Diosa que mira más allá del horizonte.
Antonio López es el mismo tanto si pinta a Reyes como si pinta a algún viejo amigo de su pueblo. Vive en pareja pero también disfruta de paseos solitarios en el metro o en su propio taller, buscando nuevas luces. A través de su palabra concisa, logra transmitir su mensaje de manera clara y directa.
Todo esto y mucho más es Antonio López García.
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ARRANZ-BRAVO: DES DE DINS (edición en catalán)
Eduard Arranz-Bravo es un artista incansable, total y multidisciplinario. Ha expuesto en ciudades como Barcelona, Nueva York y Río de Janeiro. En colaboración con Rafael Bartolozzi, realizó una de las intervenciones murales más relevantes y reconocidas del arte pop en la Península: la pintura de las paredes de la fábrica Tipel. Años más tarde, ambos participaron juntos en la Bienal de Venecia e incluso pintaron la casa de un premio Nobel.
Estas son las memorias de un hombre que ha colocado el arte por encima de todo y que nunca ha necesitado disfrazarse con una falsa imagen pública. Jordi Garrido, historiador y crítico de arte, realiza en este ejercicio de ventriloquia literaria la tarea de dar voz al artista, permitiéndole mostrar, a través de su biografía, la historia del arte catalán desde el franquismo hasta la actualidad, con luces, sombras y claroscuros.
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ARRANZ-BRAVO: DES DE DINS (edición en catalán)
Eduard Arranz-Bravo es un artista incansable, total y multidisciplinario. Ha expuesto en ciudades como Barcelona, Nueva York y Río de Janeiro, dejando su huella en cada lugar.
Una de las intervenciones murales más destacadas y reconocidas del arte pop en la Península fue su colaboración con Rafael Bartolozzi en la fábrica Tipel, donde pintaron las paredes con su arte único.
Años más tarde, Arranz-Bravo y Bartolozzi participaron juntos en la Biennale de Venecia, demostrando su talento artístico en un escenario internacional. Incluso tuvieron el honor de pintar la casa de un premio Nobel, dejando una marca indeleble en la vida de esta persona distinguida.
Estas son las memorias de un hombre que ha puesto el arte por encima de todo, sin necesidad de disfrazarse con una falsa imagen pública. Jordi Garrido, historiador y crítico de arte, ha logrado dar voz al artista en un ejercicio de ventriloquia literaria.
A través de la biografía de Arranz-Bravo, Garrido nos muestra la historia del arte catalán desde la época del franquismo hasta la actualidad, con sus luces, sombras y claroscuros.
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ARRANZ-BRAVO: DES DE DINS (edición en catalán)
Eduard Arranz-Bravo es un artista incansable, total y multidisciplinario. Ha expuesto en ciudades de todo el mundo, como Barcelona, Nueva York y Río de Janeiro. Junto con Rafael Bartolozzi, realizó una de las intervenciones murales más relevantes y reconocidas del arte pop en la Península, pintando las paredes de la fábrica Tipel. Años más tarde, participaron juntos en la Bienal de Venecia e incluso pintaron la casa de un premio Nobel. Estos son los recuerdos de un hombre que ha colocado el arte por encima de todo y que nunca ha necesitado disfrazarse con una falsa imagen pública.
Jordi Garrido, historiador y crítico de arte, firma aquí un ejercicio de ventriloquia literaria que logra hacer hablar al artista y le permite mostrar, a través de su biografía, la historia del arte catalán desde el franquismo hasta la actualidad, con luces, sombras y claroscuros.
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ARRANZ-BRAVO: DES DE DINS (edición en catalán)
Eduard Arranz-Bravo es un artista incansable, total y multidisciplinario. Ha recorrido medio mundo exponiendo en ciudades como Barcelona, Nueva York y Río de Janeiro. En colaboración con Rafael Bartolozzi, llevó su arte a las paredes de la fábrica Tipel, una de las intervenciones murales más relevantes y reconocidas del arte pop en la Península. Años más tarde, juntos participaron en la Bienal de Venecia e incluso pintaron la casa de un premio Nobel. Estos son los recuerdos de un hombre que ha puesto el arte por encima de todo y que nunca ha necesitado disfrazarse con una falsa imagen pública.
Jordi Garrido, historiador y crítico de arte, firma aquí un ejercicio de ventriloquia literaria que logra dar voz al artista y le permite mostrar, a través de su biografía, la historia del arte catalán desde el franquismo hasta la actualidad, con luces, sombras y claroscuros.
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ARTETA: ESTUDIO DE LA FIGURA
El análisis de la obra de Aurelio Arteta, un pintor de formación academicista y con un gran conocimiento del dibujo, nos sirve como punto de partida para demostrar que los pintores más respetuosos con la morfología de las figuras no hacen simplemente una copia de la realidad, sino que realizan una interpretación única.
Para comprender mejor su arte, es importante estudiar la sociedad bilbaína en la que Arteta se formó, así como los diferentes ambientes artísticos en los que vivió en París, Madrid y Bilbao. Estos contrastados entornos influyeron en su estilo y en su visión del arte.
La obra de Arteta pone de manifiesto unos hábitos representativos, una libertad y una seguridad adquiridas a lo largo de los años como pintor, así como sus recursos interpretativos. Cada pincelada y cada trazo reflejan su madurez artística.
El método de confrontación entre figuras y dibujos que analizan la morfología real es empleado por Arteta en su obra. A través de esta técnica, podemos apreciar cómo el artista no se limita a copiar la forma de las figuras, sino que las interpreta y las transforma en su propia visión artística.
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ARTIFICIAL INFINITE (edición en inglés)
Magníficos paisajes recreados a través de montajes complejos, que hablan de lo sublime, la realidad y la creación.
La belleza de los paisajes es capturada y recreada de una manera única a través de montajes complejos. Estas composiciones reflejan la grandeza de la naturaleza y transmiten un sentido de asombro y admiración. Los elementos se combinan de manera armoniosa para crear imágenes impactantes que nos transportan a lugares lejanos y mágicos.
Estos montajes trascienden la realidad física y nos invitan a explorar la relación entre la imaginación y la creación. A través de una cuidadosa manipulación de los elementos visuales, se logra una composición que despierta emociones y nos sumerge en un mundo de ensueño.
El resultado final es una representación artística que va más allá de la simple fotografía. Cada detalle está cuidadosamente seleccionado y colocado para transmitir una sensación de grandeza y majestuosidad. Los colores, la luz y la perspectiva se combinan para crear un efecto visual impactante.
Estos paisajes recreados nos invitan a reflexionar sobre nuestra relación con la naturaleza y la forma en que percibimos la realidad. Nos muestran la belleza que podemos encontrar en lo cotidiano y nos invitan a apreciar la magia que nos rodea.
En resumen, los montajes complejos que recrean magníficos paisajes nos hablan de lo sublime, la realidad y la creación. Son una expresión artística que nos transporta a lugares maravillosos y nos invita a explorar nuestra imaginación. A través de ellos, podemos apreciar la belleza que nos rodea y reflexionar sobre nuestra relación con el mundo natural.
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ARTURO BERNED
El libro «Arturo Berned: Trayectoria Escultórica» es una recopilación de la obra del reconocido escultor Arturo Berned, que abarca su amplia trayectoria artística. Este libro incluye no solo sus obras más destacadas, sino también las creaciones que ha realizado específicamente para conmemorar el año dual España Japón.
Arturo Berned es un artista con un talento excepcional en el campo de la escultura. A lo largo de su carrera, ha experimentado con diferentes materiales y técnicas para crear piezas únicas y cautivadoras. Su estilo se caracteriza por la combinación de elementos contemporáneos y tradicionales, lo que le otorga a sus esculturas una estética única y atemporal.
En este libro, se puede apreciar la evolución artística de Berned a lo largo de los años. Desde sus primeras obras, en las que exploraba la forma y el volumen de manera abstracta, hasta sus creaciones más recientes, donde incorpora elementos figurativos que reflejan su interés por la cultura y la historia.
Una de las particularidades de este libro es la inclusión de las obras que Arturo Berned ha realizado en el marco del año dual España Japón. Esta celebración ha sido una fuente de inspiración para el artista, quien ha creado esculturas que fusionan la esencia de ambas culturas. Estas obras representan un diálogo entre España y Japón, resaltando los lazos históricos y culturales que existen entre ambos países.
El libro «Arturo Berned: Trayectoria Escultórica» es una invitación a sumergirse en el mundo de la escultura contemporánea y a descubrir la obra de uno de los artistas más destacados de nuestro tiempo. A través de sus páginas, se puede apreciar la pasión y el compromiso de Arturo Berned con su arte, así como su habilidad para transmitir emociones a través de sus esculturas.
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AUN ES SIEMPRE
El reconocido artista Pepe Cerdá expone su evolución artística a lo largo de los años, desde sus primeros trabajos en la década de los 80 hasta su más reciente creación, que vio la luz hace tan solo unos días.
Los brillantes análisis del catálogo ofrecen una profunda exploración de su extensa carrera en el mundo de la pintura, así como un detallado estudio de su obra más reciente, presentados por Antonio Ansón, Fernando Castro Flórez, Rafael Ordóñez y el propio artista.
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BAJO EL ECLIPSE. PINTORAS EN ESPAÑA, 1880-1939
El menoscabo y la misoginia que han sufrido las mujeres artistas a lo largo de la Edad Contemporánea, hasta bien avanzado el siglo XX, han generado un silencio ominoso en torno a su obra o, en el mejor de los casos, la atribución de roles secundarios o marginales. Bajo el eclipse tiene como objetivo contribuir a llenar esta laguna historiográfica, construyendo un nuevo relato histórico y estético de una parte esencial de la historia del arte entre 1880 y 1939.
Su lectura nos sumerge en los mecanismos de un proceso mucho más complejo de lo que se pensaba, donde emergen nombres propios de gran relevancia que habían sido olvidados. A lo largo de sus páginas, se revelan los graves obstáculos que las mujeres tuvieron que superar para obtener formación artística, insertarse en la escena artística y ejercer su profesión, enfrentándose a una crítica de arte sesgada por una ideología patriarcal.
Al mismo tiempo, el libro establece una definición de los lenguajes visuales utilizados por estas mujeres y su importancia en la construcción dialéctica de una identidad específica. También nos adentra en los temas y argumentos desarrollados en su pintura, así como en los procesos de evolución de su estilo y estética.
Por último, esta exhaustiva revisión permite visibilizar y revalorizar el legado artístico de estas mujeres, que ha sido relegado durante mucho tiempo. La obra resalta su importancia y contribución a la historia del arte, rompiendo con los estereotipos de género y reconociendo su talento y valía.
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BALLESTEROS
Este libro presenta una recopilación de veinte años de la variada producción de Ballesteros, revelando que, detrás de su enérgica resistencia a la conformación de un estilo definido, el artista sostiene una concepción del arte construida a partir de tres elementos fundamentales: el juego, el ocio creativo y la participación de múltiples actores en una misma obra.
Mezclando estos componentes en diferentes grados, como si fuera un científico, su producción se presenta ante nosotros en ocasiones abierta, ruidosa y festiva, mientras que en otras es silenciosa y meditativa. Sin embargo, siempre se trata del resultado de un experimento incierto.
Valeria González ha escrito un texto que recorre el desarrollo de la producción de Ballesteros, desde su cómic existencialista «Vito Ver» publicado en los años 80, hasta sus últimas fotografías presentadas por primera vez en este libro.
Eva Grinstein entrevista al artista, haciendo hincapié en su papel como puente entre las estéticas «autistas» de los años 90 y las corrientes actuales, en las que los artistas permiten e incluso buscan la autoría colectiva.
Por último, se incluye un breve ensayo de Reinaldo Laddaga que explora el misterio de la última obra presentada por Ballesteros en la galería Ruth Benzacar: una imponente montaña oscura, negra y enorme, realizada con 40.000 kilómetros de hilo, que representa la medida de la circunferencia del planeta Tierra tomada a la altura del Ecuador.
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BALTHUS – CATALOGO EXPOSICION (TAPA DURA)
ura de paisajes marinos. Esta exposición nos sumerge en la fascinante historia de cómo estos dos artistas se influyeron mutuamente y dejaron una huella duradera en el arte del siglo XIX.
Claude Monet, considerado uno de los padres del impresionismo, nació en París en 1840 y falleció en Giverny en 1926. Su estilo revolucionario y su enfoque innovador de la luz y el color lo convirtieron en uno de los pintores más influyentes de su tiempo. Sin embargo, pocos conocen la importancia que tuvo su relación con su maestro, Eugène Boudin.
Eugène Boudin, nacido en Honfleur en 1824 y fallecido en Deauville en 1898, fue un pintor especializado en paisajes marinos. Fue uno de los primeros en pintar al aire libre y capturar la fugacidad de la luz y el movimiento en sus obras. Su técnica y estilo ejercieron una gran influencia en Monet, quien lo consideraba su mentor y guía.
La exposición Monet/Boudin nos muestra una selección de obras de ambos artistas, destacando las similitudes y diferencias en su enfoque artístico. Podemos apreciar la evolución de Monet, desde sus primeras obras influenciadas por Boudin hasta su propia interpretación del impresionismo.
Ambos artistas compartían una pasión por capturar la belleza de la naturaleza y el cambio constante de la luz. Sus cuadros reflejan la atmósfera y el ambiente de la costa de Normandía, con sus playas, puertos y paisajes marinos. Cada pincelada de Monet y Boudin nos transporta a un lugar lleno de vida y movimiento.
La exposición también nos permite explorar la relación personal entre Monet y Boudin. A través de cartas y documentos, podemos descubrir cómo se conocieron, cómo se influenciaron mutuamente y cómo su amistad duró toda la vida. Son dos artistas que compartieron una pasión por el arte y la búsqueda de la belleza en el mundo que les rodeaba.
Monet/Boudin es una oportunidad única para sumergirse en la historia del impresionismo y descubrir la relación entre dos grandes artistas. Sus obras nos muestran la evolución del arte del siglo XIX y nos invitan a apreciar la belleza de la naturaleza a través de los ojos de Monet y Boudin. No te pierdas esta fascinante exposición que te transportará a un mundo lleno de luz, color y emoción.
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BANKSY
Banksy es considerado por muchos como el Che Guevara del siglo XXI. Aunque, a diferencia del famoso revolucionario, Banksy no estudió medicina, no participó en la Revolución Cubana, ni viajó al Congo o Bolivia.
En este libro, los lectores encontrarán una cuidada recopilación de las mejores fotografías del arte callejero de Banksy. Es una colección única que nunca antes ha sido editada.
Es lamentable para las escuelas de arte que Banksy sea recordado como el mejor artista británico después de la depresión del milenio. Sin embargo, su habilidad para llamar la atención y transmitir un mensaje, a menudo con frases contundentes o de sentido ambiguo, lo hubiera convertido en un destacado publicista. La pérdida para Madison Avenue es nuestra ganancia.
Cuando Banksy comenzó a pintar, el panorama político era desolador. Su arte callejero se convirtió en una forma de protesta y crítica social, capturando la atención del mundo.
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BANKSY
Banksy evita la publicidad y se esconde detrás de un alias, pero es ampliamente conocido en todo el mundo. Sus primeras obras de arte, creadas como artista de graffiti en Bristol, ahora se venden por cantidades astronómicas y decoran las paredes de famosos. Cada vez que aparece un nuevo ‘Banksy’ en algún lugar, se convierte en noticia internacional.
Su documental, «Exit Through the Gift Sh†», fue nominado al Oscar y las personas hacen largas filas para admirar su última exposición. En la actualidad, Banksy es más un artista apreciado que un forastero descarado, por lo que es momento de conocerlo más de cerca.
¿Quién es exactamente Banksy y cómo se convirtió en la figura que es hoy en día? En este oportuno libro ricamente ilustrado sobre la vida y la carrera de Banksy, Will Ellsworth-Jones describe su mundo y revela las contradicciones que lo rodean.
Ya sea considerado arte o vandalismo, una crítica a lo establecido o una señal de su pasado como grafitero, Banksy y su obra se han convertido en un fenómeno cultural. Este libro nos invita a adentrarnos en su universo y a reflexionar sobre el impacto que ha tenido en el arte contemporáneo.
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BARBARA HEPWORTH (INSTITUT VALENCIA D ART MODERN, VALENCIA)
El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) presenta una exposición fascinante del 2 al 9 de noviembre de 2004. Esta muestra destaca la diversidad del arte moderno, mostrando una amplia gama de obras de artistas contemporáneos.
Los visitantes tendrán la oportunidad de sumergirse en el mundo del arte contemporáneo y explorar las diferentes perspectivas y estilos presentes en la exposición. Desde pinturas vibrantes hasta instalaciones innovadoras, la exhibición promete cautivar a todos los amantes del arte.
El IVAM se convierte en un espacio vibrante donde la creatividad y la expresión artística se encuentran. Los artistas que participan en la exposición han creado obras que desafían las convenciones y exploran nuevas formas de comunicar ideas y emociones.
Esta exposición es una oportunidad única para contemplar el talento y la imaginación de artistas contemporáneos de renombre, así como de descubrir nuevas voces en el mundo del arte. El IVAM se enorgullece de ofrecer un espacio para la experimentación artística y la reflexión, invitando a los espectadores a sumergirse en un viaje visual y emocional único.
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BELLAS DAMAS SIN PIEDAD: MUJERES DEL SURREALISMO
Al poco tiempo de llegar a Barcelona, Laureano Debat decidió visitar un piso en el barrio de l’Eixample con el propósito de alquilar una habitación. Quedó impresionado con las mujeres que le mostraron el lugar, una madre y su hija, quienes resultaron ser muy amables. La habitación era amplia y luminosa, e incluso le pareció divertido que el balcón diera al patio de un convento de monjas.
No pasaron muchos días antes de que Laureano se diera cuenta de que Jimena y Sonia, sus cálidas anfitrionas, trabajaban como prostitutas en la casa. Así comenzó una relación de amistad y convivencia que duró nueve meses. Sin siquiera pretenderlo, el autor comenzó a adentrarse en la cotidianidad y los secretos de un camerino de escorts en un piso privado.
Más de diez años después y tras un arduo proceso de escritura, en el que el autor dialoga con su memoria y sus cuadernos de notas, llega esta novela de interiores. En ella, se explora la vida de dos mujeres de la alta sociedad chilena que terminaron ejerciendo la prostitución en Barcelona. La historia revela lo que no se ve tras los escenarios del sexo remunerado.
Aunque esta novela se enmarca dentro de una amplia tradición sobre este tema, como la novela francesa del siglo XIX, la novela latinoamericana del siglo XX, el ensayo feminista del siglo XXI, la música, el cine y las series de televisión, la perspectiva que ofrece «Casa de nadie» es muy singular. Se trata de la historia de una madre y una hija migrantes, quienes ejercen la prostitución juntas en el mismo espacio y tiempo.
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BENE BERGADO. IRREVERSIBLE
ducción artística de esta destacada escultora.
La exposición titulada «El arte en tres dimensiones: la obra de Bene Bergado» se llevará a cabo en el prestigioso museo de arte contemporáneo de Madrid. Esta muestra es una oportunidad única para explorar la evolución creativa de Bergado a lo largo de los años.
El talento de Bene Bergado ha sido reconocido a nivel nacional e internacional. Sus esculturas han sido exhibidas en importantes galerías y museos de todo el mundo. Sus obras se caracterizan por su originalidad y su capacidad para transmitir emociones a través de formas y texturas únicas.
La exposición se divide en varias secciones, cada una de las cuales muestra diferentes períodos de la carrera de Bergado. En la primera sección, se presentan las esculturas tempranas de la artista, donde se puede apreciar su estilo inicial y su búsqueda por encontrar su propia voz artística.
En la siguiente sección, se exponen las obras más icónicas de Bergado, aquellas que la han convertido en una figura destacada del arte contemporáneo. Estas esculturas exploran temas como la identidad, el tiempo y la naturaleza, y muestran la maestría técnica de la artista.
La tercera sección de la exposición se centra en las colaboraciones de Bergado con otros artistas y su participación en proyectos comunitarios. Estas obras reflejan su compromiso con la comunidad y su deseo de utilizar el arte como una herramienta para el cambio social.
La muestra concluye con una sección dedicada a las últimas creaciones de Bergado, donde se puede apreciar su evolución artística y su exploración de nuevos materiales y técnicas. Estas obras demuestran la capacidad de la artista para reinventarse y seguir sorprendiendo al público.
En resumen, la exposición «El arte en tres dimensiones: la obra de Bene Bergado» es una oportunidad única para adentrarse en el mundo escultórico de esta talentosa artista. Sus obras son una muestra de su creatividad, su habilidad técnica y su capacidad para transmitir emociones a través de la escultura. No te pierdas esta magnífica ocasión de disfrutar de la obra de Bene Bergado en el corazón de Madrid.
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BENJI LIEBMANN. DRAWINGS
Benji Liebmann. Drawings es un libro fascinante que nos sumerge en el mundo del artista Benji Liebmann, nacido en Johannesburgo en 1953. Este prodigioso dibujante nos deleita con su obra, compuesta principalmente por dibujos de grafito sobre papel.
Al adentrarnos en las páginas de este libro, somos transportados a paisajes interiores y experiencias iniciáticas que están íntimamente relacionadas con la naturaleza y el sexo. Liebmann logra transmitir a través de sus trazos la pasión y la conexión profunda que existe entre el ser humano y su entorno.
Sus dibujos son un reflejo de su visión única del mundo, capturando la esencia de la naturaleza y la sensualidad humana de una manera poética y evocadora. Cada línea trazada por Liebmann nos invita a reflexionar sobre nuestra propia relación con el mundo que nos rodea.
En este libro, Liebmann nos invita a explorar los rincones más profundos de nuestra psique, a través de su arte que se convierte en un vehículo para el autoconocimiento y la introspección. Sus dibujos nos invitan a adentrarnos en nuestro propio ser y a reflexionar sobre nuestra conexión con el universo.
Benji Liebmann. Drawings es una obra maestra que nos sumerge en un viaje emocional y sensorial a través de la mirada de un artista excepcional. Con cada página, nos adentramos más en su universo creativo y descubrimos la belleza que se esconde en los detalles más sutiles.
Este libro es una invitación a contemplar la belleza de la naturaleza, a conectar con nuestra esencia más profunda y a explorar las múltiples facetas del ser humano. Benji Liebmann nos muestra que el arte puede ser un camino hacia la autenticidad y la conexión con la vida misma.
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BERNAR VENET
Bernar Venet es uno de los artistas franceses más aclamados de la actualidad. Su trayectoria comenzó en la escena Avant-Garde de Nueva York en los años 60, donde desarrolló un estilo único basado en las matemáticas y la ciencia. En su obra, la suerte, el control y el caos convergen para crear un equilibrio fascinante, mientras explora su relación con el entorno.
Después de abandonar temporalmente su carrera artística para dedicarse a las matemáticas durante varias décadas, Bernar Venet regresó al mundo del arte con una impactante serie de esculturas. Estas obras monumentales se exhiben permanentemente en diversas ciudades de Europa central.
«Mi objetivo es crear algo verdaderamente significativo en la historia del arte, no solo ser reconocido como un artista durante mi vida. Lo que deseo es que, dentro de 300 años, la gente diga: ‘Mira lo que hizo Bernar Venet'», expresó el artista en una entrevista con Forbes.
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BERTHE MORISOT, PINTORA IMPRTESIONISTA
La vida y obra de Berthe Morisot (1841-1895) se entrelazan de manera singular, ya que ella vivió su propia pintura y pintó su propia vida. Para ella, la pintura era una función natural y necesaria, ligada a su estilo de vida, que se basaba en la observación y la acción, en la voluntad creadora y en la luz que la rodeaba.
Morisot tenía la capacidad de tomar, dejar y retomar su pintura, de la misma manera en que una idea llega a nosotros, se desvanece y luego regresa. Este proceso creativo confiere a sus obras un encanto muy particular, ya que establece una relación estrecha y casi indisoluble entre el ideal del artista y la intimidad de su existencia.
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BEUYS A PERUGIA (edición en italiano)
Sábado 11 de octubre, en Perugia, a las 17:00 horas, en el museo de Palazzo della Penna, se presentará al público la definitiva instalación de la obra que Joseph Beuys realizó en la capital de Umbria la noche del 3 de abril de 1980. Se trata de un complejo «relato» compuesto por seis grandes pizarras (aproximadamente 150 x 180 cm) en las cuales el gran artista alemán ilustró por medio de imágenes sus teorías sobre el arte durante un encuentro público con Alberto Burri, que tuvo lugar esa noche hace más de veinte años en los espacios monumentales de la Rocca Paolina de Perugia.
Propiedad del Ayuntamiento de Perugia, la obra encuentra ahora en el nuevo arreglo curado por Italo Tomassoni, una adecuada ubicación que permitirá al visitante la lectura secuencial de las pizarras individuales, enriquecida por un amplio apéndice documental e iconográfico de la noche-evento de la cual surgió el trabajo, recreando así, intencionalmente, la sugerencia de esa memorable performance en el visitante. Una publicación en edición bilingüe (italiano e inglés), rica en imágenes y documentos, de la cual es autor Italo Tomassoni y que también contiene una biografía del artista elaborada por Lucrezia De Domizio Durini, será publicada por la editorial milanese Silvana Editoriale.
La ceremonia inaugural será presentada por Felix Baumann, conocido contemporaneísta y exdirector del Kunsthaus de Zurich. Es importante destacar que el evento también sella un plan orgánico de colaboraciones entre el Ministerio de Bienes y Actividades Culturales y el Ayuntamiento de Perugia, con el objetivo de valorizar los bienes culturales de la contemporaneidad presentes en Perugia. Además, también colabora en el proyecto la Fundación Cassa di Risparmio di Perugia, que desde hace años apoya el plan de musealización de las colecciones municipales.
La obra de Perugia, que constituye uno de los trabajos italianos más significativos de Beuys, refleja plenamente su radicalismo ideológico y la tensión exartística que caracteriza su estética; también en este caso, el tema tratado es la relación entre el hombre y la naturaleza, fuente inagotable de toda energía vital, que permanece «más allá» de cualquier construcción social o determinación histórica, fundando la única, verdadera, eterna.
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BORES
Con motivo del quincuagésimo aniversario de la muerte de Francisco Bores (1898-1972) y la exposición homónima organizada por la Residencia de Estudiantes, se ha publicado este catálogo que ofrece un recorrido por la trayectoria de este pintor y su relación con sus compañeros de generación, quienes estuvieron estrechamente vinculados a la histórica Residencia de Estudiantes tanto en Madrid, donde Bores comenzó su carrera artística, como en París, donde formó parte de la famosa Escuela de París a partir de 1925.
El libro muestra cómo, según Juan Manuel Bonet, Bores fue «el pintor más característico de la generación del 27 parisino», siendo el más influyente y alcanzando prestigio internacional de manera temprana. A partir de 1922, la obra de Bores estuvo involucrada en la renovación vanguardista del Madrid de aquel entonces, participando en la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos en 1925. Desde su traslado a París en el verano de ese mismo año, se incorporó gradual pero intensamente a la escena artística de la capital francesa, donde su obra fue ganando excelencia hasta convertirse en un clásico de nuestro arte contemporáneo, como había anunciado Juan Ramón Jiménez en El Sol en 1931: «si une y funde, al fin, el eterno impresionismo con el cubismo eterno, será […] luz eterna, permanente, clásica».
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BRAQUE, EL PATRON
Braque, el patrón no es un texto fácil de definir. Es una semblanza del pintor, una interpretación de su pintura, un manifiesto artístico propio y una suerte de poema fragmentado en prosa. Podríamos decir que Paulhan escribe como pinta Braque: en fragmentos superpuestos que revelan otros fragmentos.
De hecho, el recorrido que hace de la vida y la obra de Braque no sigue un orden cronológico, ni es lineal, ni siquiera lógico. Se sostiene por el hilo virtual que entrelaza las impresiones frente a un escaparate de París, los recuerdos de una infancia en El Havre y una conversación en el estudio del pintor muchos años después.
Al terminar de leer, el lector tendrá la impresión de haber entrado en el universo de Braque y comenzará a comprender la brillantez disparatada de quien nos abre sus puertas, Paulhan.
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BRUCE NAUMAN: ESTANCIAS, CUERPOS, PALABRAS
El Museo Picasso Málaga presenta una exposición de Bruce Nauman titulada «Estancias, cuerpos, palabras», donde se muestran las innovadoras aportaciones de este artista al mundo del arte. Nauman entiende el arte más como una actividad o un proceso que como una mera producción de objetos, lo cual lo hace único en su estilo.
Después de 25 años, esta exposición será la primera gran muestra de Bruce Nauman en España, lo que la convierte en un evento muy esperado y especial.
La obra de este artista está llena de referencias a la música, la danza, la literatura y la filosofía, lo cual genera en el espectador una serie de reacciones asociadas a la provocación, el conflicto, la tensión, la desorientación e incluso la angustia.
Una de las características más destacadas de la obra de Nauman es la implacable repetición del lenguaje y la forma, lo que crea un impacto visual y emocional muy poderoso en aquellos que la observan.
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BURIL Y VITRIOLO. EL BAILECITO DE LA MUERTE
Buril y vitriolo es un libro que ofrece un enfoque selecto y acertado sobre la obra de José Guadalupe Posada, uno de los grabadores más celebrados y populares de todos los tiempos. Nacido en México en 1852 y fallecido en 1913, Posada dejó un legado artístico monumental.
La obra de Posada se caracteriza por su estilo único y su habilidad para plasmar la realidad social y política de su época. A través de sus grabados, el artista capturó la esencia de la vida cotidiana, los problemas sociales y las injusticias que aquejaban a la sociedad mexicana.
El libro Buril y vitriolo recorre la trayectoria artística de Posada, desde sus primeros trabajos hasta sus obras más emblemáticas. Cada página está impregnada de la maestría y la genialidad de este gran grabador.
El autor de este libro, cuyo nombre no se menciona, nos guía a través de las diferentes etapas creativas de Posada, destacando los temas recurrentes en su obra, como la muerte, la crítica social y la tradición mexicana.
El legado de José Guadalupe Posada trasciende las fronteras de México y su influencia se puede apreciar en diferentes movimientos artísticos alrededor del mundo. Su estilo innovador y su compromiso con la denuncia social lo convierten en una figura imprescindible en la historia del arte.
Buril y vitriolo es un homenaje a la vida y obra de José Guadalupe Posada, un artista que supo plasmar la esencia de su tiempo y cuya influencia perdura hasta nuestros días. Este libro es una invitación a adentrarse en el universo creativo de uno de los grabadores más importantes de la historia.
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CALMA BLANCA – JEAN MARC BUSTAMANTE
El catálogo de la exposición «Jean-Marc Bustamante» presenta una selección cuidadosa de 39 obras del renombrado artista francés. Esta colección ofrece una visión completa de su obra a través de una variedad de medios, incluyendo fotografías, pinturas sobre plexiglás, esculturas e instalaciones.
Todas las obras exhibidas en esta exposición destacan por su extraordinaria calidad y permiten apreciar en detalle las características distintivas del trabajo de Bustamante. Cada pieza ha sido meticulosamente seleccionada para representar su estilo único y su enfoque artístico.
Las fotografías capturan momentos fugaces y exploran la interacción entre la luz y la sombra. Las pinturas sobre plexiglás ofrecen una perspectiva intrigante al jugar con la transparencia y la opacidad. Las esculturas, por su parte, se presentan como formas tridimensionales que desafían la percepción del espectador.
Además, las instalaciones creadas por Bustamante invitan al público a sumergirse en un ambiente inmersivo y experimental. Estas obras transforman el espacio expositivo, creando una experiencia única para cada visitante.
La exposición «Jean-Marc Bustamante» es una oportunidad única para apreciar la diversidad y la maestría del trabajo de este destacado artista francés. A través de esta cuidada selección de obras, los espectadores podrán adentrarse en su mundo creativo y descubrir la evolución de su trayectoria artística.
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CANOGAR. MATERIA, FORMA, FIGURA
Rafael Canogar es un reconocido artista español contemporáneo, cuyo nombre ha sido fundamental en el mundo del arte durante casi setenta años sin discusión alguna. Su trayectoria ha estado marcada por momentos brillantes y destacados en diferentes corrientes artísticas.
En los primeros años 50, Canogar se destacó en el ámbito de la abstracción, una corriente artística que buscaba liberar al arte de la representación figurativa y explorar nuevas formas de expresión. Su habilidad para crear composiciones abstractas con una paleta de colores vibrantes y formas dinámicas lo convirtió en un referente dentro de este movimiento.
Posteriormente, Canogar se adentró en el Informalismo, una corriente artística que se caracterizaba por la espontaneidad y la libertad gestual en la creación de obras. A través de la aplicación de capas de pintura y el uso de materiales no convencionales, el artista logró transmitir emociones y estados de ánimo en sus pinturas.
La versatilidad de Canogar también se ha manifestado en su incursión en el arte figurativo, donde ha explorado la representación de la figura humana y su relación con el entorno. Sus obras en este estilo se caracterizan por una combinación de realismo y expresionismo, capturando la esencia de las emociones y la condición humana.
La obra de Rafael Canogar ha sido ampliamente reconocida tanto a nivel nacional como internacional. Sus pinturas se han exhibido en importantes galerías y museos de todo el mundo, y sus contribuciones al arte español contemporáneo han dejado una huella imborrable en la historia del arte.
