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JOAN MIRÓ- MESTRES QUADRENY
Marta Cureses ha publicado la obra «Joan Miró – Mestres Quadreny, Suite miroir» en 2017 en colaboración con la Fundació Joan Miró y la Universitat Pompeu Fabra.
Un tema poco explorado hasta el momento son las relaciones de Joan Miró con la creación sonora de su época. A pesar de haber mencionado nombres como Edgar Varèse, Karlheinz Stockhausen o John Cage, que ilustran su conocimiento del panorama musical internacional, la profunda comunión ideológica, estética y técnica que compartió con Josep M. Mestres Quadreny destaca sobre ellos.
Josep M. Mestres Quadreny, figura destacada en los primeros movimientos de vanguardia musical catalana, logra conectar sus creaciones sonoras, gráficas y visuales con obras como Intérieurs hollandaises, Constellations, Carnaval d’Arlequin, variadas bailarinas, pinturas-poema y trípticos íntimos de Miró.
La música de Mestres nos transporta a episodios fascinantes de la juventud de Joan Miró en Barcelona y Mont-roig, sus años en el París surrealista, sus viajes y su vida en Palma de Mallorca desde 1956 hasta su fallecimiento en 1983.
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THE THIRD PLACE
La obra de Irijalba en Twilight lleva el sistema de iluminación de un estadio de fútbol hasta Irati (Navarra), una de las últimas selvas que perduran en Europa. Al trasladar un potente sistema de iluminación artificial al contexto natural, surge la reflexión sobre cómo operan las tecnologías de conocimiento occidentales, destacando la luz artificial como generadora de un «medio abstracto» propicio para un tipo específico de conocimiento.
Por otro lado, Inertia, una proyección monocanal, explora el mismo tema: un dispositivo de luz artificial que se desplaza por un bosque en completa oscuridad. El movimiento desplaza el foco de atención del dispositivo lumínico a la experiencia del espectador audiovisual, cuyo entendimiento se ve moldeado por la tecnología de iluminación y su capacidad de captura.
Ambos proyectos profundizan en la luz como sistema de conocimiento, que posibilita condiciones artificiales de contemplación y registro de la realidad, fundamentales para la tecnología fotográfica y audiovisual contemporánea.
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SOÑANDO EN TECNICOLOR
En 2014 se publicó el libro de memorias «Soñando en tecnicolor» de la reconocida artista y diseñadora Karen Moller, bajo el sello de Ediciones La Bahía en Santander. La autora vio la luz en un pequeño pueblo en las montañas del oeste de Canadá, y a lo largo de las páginas de su obra relata los momentos más significativos de su vida.
Karen Moller se formó en la Escuela de Arte de Calgary y emprendió un viaje autostop hasta San Francisco, llevando consigo el libro «En el camino» de Kerouac. En tierras californianas, tuvo un contacto directo con el movimiento beatnik y compartió con figuras como Ferlinghetti o Bob Kaufman. Posteriormente, en París, recibió clases de André Lhote, mientras que en Nueva York tuvo la oportunidad de interactuar con figuras vanguardistas como John Cage, Andy Warhol, Yves Klein y los artistas Fluxus.
Después de su paso por estas ciudades, Karen aterrizó en Londres, donde entabló amistad con miembros de The Beatles, Pink Floyd y Rolling Stones. Participó activamente en grupos de poesía experimental y en movimientos políticos y feministas. En la capital británica, abrió su propia boutique hippie y estableció su primer estudio de diseño textil, vendiendo sus creaciones en París a reconocidas tiendas y figuras de la moda internacional como Galiano, Dior, Ungaro y Valentino.
Finalmente, en 1985, Karen Moller fundó en París Trend Union junto a un selecto grupo de diseñadores, una empresa de asesoramiento y pronóstico en diseño que revolucionó la industria de la moda.
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ESCRITOS DE ARTE DE VANGUARDIA, 1900-1945
La producción teórica de los artistas durante los períodos de transición en la historia del arte ha sido siempre notable, convirtiéndose en una fuente segura para explicar el porqué de las crisis, sus orígenes y su proceso de desarrollo. La vanguardia artística, al romper con los sistemas tradicionales de representación alrededor de 1900, ofrece un magnífico ejemplo de brusquedad y radicalidad en su enfoque.
Manifiestos, cartas, declaraciones, panfletos, tratados y testimonios de todo tipo fueron utilizados por las distintas facciones de la vanguardia histórica para expresar sus razones, oponerse entre sí y establecer alianzas frente a enemigos comunes. La vanguardia busca explicar y combatir a través de sus escritos, revelando aspectos mal conocidos de la historia del arte moderno, rescatando del olvido aquellos textos que estaban prácticamente ignorados.
Hace apenas diez o quince años, el número de manifiestos y textos programáticos de la primera vanguardia era muy limitado en las antologías disponibles. Sin embargo, en la actualidad, las reediciones de libros y revistas, antes rarezas bibliográficas, junto con la historiografía artística más reciente, nos ofrecen un volumen casi desmesurado de documentos, donde es fácil perderse.
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LOS SANDY EN WAIKIKI
La vida de la familia Sandy en el norte de California entre 1940 y 1960
En un mercado de pulgas se encuentran diapositivas que revelan la vida de la familia Sandy, una familia de clase media que vivió en el norte de California entre 1940 y 1960. Daniela Franco, intrigada por estas imágenes, se propuso investigar más a fondo la historia de los Sandy.
Para desentrañar el misterio, Daniela se acercó a doce reconocidos escritores que afirmaban tener información relevante. Cada uno de ellos contribuyó con valiosas pistas: desde cuadernos de poemas hasta cartas entre adolescentes, pasando por conjeturas descabelladas y testimonios de testigos oculares.
Destaca una selección de fotografías accidentales tomadas por el señor Sandy, las cuales resultan enigmáticas y parecen intentar reconstruir la historia de esta familia a partir de lo que ha sido olvidado. Estas imágenes no solo ayudan a recordar, sino también a imaginar la vida cotidiana de los Sandy.
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JOSEP ROYO UNA FORMA OBERTA QUE CAU A PES (edición en catalán)
Josep Royo (Barcelona, 1945) es un reconocido artista textil cuya obra ha sido objeto de estudio en este volumen, el cual se enfoca principalmente en sus propios tapices, los cuales son injustamente poco conocidos en comparación con sus colaboraciones con Miró y Tàpies, que ya han sido ampliamente difundidas.
Formado en la Escola de Dibuix de Sant Cugat del Vallès y en la Escola Massana de Barcelona, Royo se destacó tras su aprendizaje en la fábrica Aymat de Sant Cugat, donde posteriormente trabajó en la Escola Catalana de Tapisseria.
El artista llevó a cabo investigaciones experimentales con materiales no textiles que incorporó a sus tapices. Sus Esfilagarsats incluyen jute, sisal, cáñamo, crin de caballo, cañas y palos, otorgándoles una intención tridimensional única.
Royo ha exhibido sus obras en los Pasos Catalans, así como en distintas partes de Europa y los Estados Unidos, consolidando su renombre a nivel internacional.
En 1970 fundó la Escola de Tapisseria de Tarragona, donde ejerció como profesor. En reconocimiento a su destacada trayectoria, en 1986 fue galardonado con el premio Aranjuez de tapiz, y en el 2022 recibió la distinción al Mérito Cultural del Ajuntament de Tarragona.
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SI PIERDO LA MEMORIA / IF I LOSE MEMORY
Un análisis crítico de la obra de veinte de los artistas más destacados de la Cuba contemporánea es presentado por Corina Matamoros, una experimentada curadora con casi cuarenta años de trayectoria.
Los artistas elegidos, nacidos entre los años cincuenta y setenta del siglo XX, han contribuido significativamente al arte cubano con propuestas innovadoras que han marcado un antes y un después en la isla. Sus trabajos en las artes plásticas y visuales, tanto desde la creación como en la enseñanza, les han valido el reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.
Con una metodología contextual, Matamoros examina y contextualiza las obras de estos artistas, analizándolas en su entorno artístico, social y cultural, mientras reflexiona sobre sus significados y objetivos. Al mismo tiempo, destaca las características y los cambios que ha experimentado el arte cubano en los últimos tiempos.
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SIN FIN
La presencia constante de la muerte en el arte del barroco es fascinante, ya sea alegorizada o de manera literal, se manifiesta en sus obras. Esta presencia supone una celebración macabra de la vida, a pesar de ser contradictoria, resalta todo lo que es fútil y pasajero.
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DERIVES URBANES (edición en catalán)
Derives Urbanes ha sido un proyecto-taller que permitió a colectivos de personas con discapacidad intelectual sumergirse en el arte y la creación contemporáneos. Dos grupos de nueve personas con discapacidad provenientes de la entidad Sant Joan de Déu de Almacelles participaron en este proyecto. La idea era que estos grupos tuvieran diferentes niveles de discapacidad para explorar cómo el arte contemporáneo podía potenciar sus capacidades y habilidades.
El artista a cargo del proyecto fue Francesc Ruiz, conocido por sus obras arraigadas en el contexto social del que emergen, gracias a su enfoque como rastreador urbano en su trabajo. El proyecto se dividió en tres partes distintas. En la primera fase, cada participante creó un autorretrato y un personaje basado en sí mismo, pero con la posibilidad de proyectar otros aspectos de su personalidad en él. Posteriormente, se llevó a cabo un recorrido por la ciudad, visitando bares, tiendas y espacios culturales.
A partir de las historias personales de cada participante, se construyó una historia colectiva que integraba todas las anteriores. Utilizando este material, se creó un fotocómic que captura la vida de la ciudad y la interacción de los participantes con ella. Esta obra ha sido publicada en una edición de 500 ejemplares, permitiendo que el trabajo y la experiencia de estos colectivos se difundan y perduren en el tiempo.
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REAL(ISMOS)
El catálogo de esta exposición presenta una amplia variedad de obras, que incluyen pinturas, esculturas, dibujos, grabados y fotografías. Estas piezas representan una audaz y persistente apuesta por un arte innovador, que rompe con las convenciones del siglo XIX. Se destaca la relevancia artística de los efímeros ismos realistas y su papel crucial en la modernización del arte español. Un proyecto que reconoce el valor de estos movimientos en la historia del arte y en su evolución hacia la modernidad.
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THE EUROPEAN DESKTOP
La serie de televisión The Wire es ampliamente reconocida como una de las mejores de la historia, presentando de manera única una cruda narrativa sobre la guerra entre policías y traficantes de drogas. Para satisfacer la demanda de los seguidores de la serie, nuestra editorial ha lanzado 10 nuevas dosis de contenido de la más alta calidad.
Entre las nuevas incorporaciones se encuentra la fascinante introducción escrita por DAVID SIMON, el creador de la serie, un relato exclusivo del aclamado guionista de The Wire, GEORGE PELECANOS, y contribuciones de destacados escritores y pensadores como NICK HORNBY, RODRIGO FRESÁN, MARGARET TALBOT, JORGE CARRIÓN, entre otros.
Las 5 temporadas de The Wire aparentan narrar una batalla de desgaste entre las fuerzas policiales de Baltimore y los principales narcotraficantes de la ciudad. Sin embargo, en realidad, la serie nos sumerge en un mundo de ambigüedad moral, justicia e injusticia, legalidad e ilegalidad, acercándonos a un grupo de individuos en constante lucha contra las estructuras que los rodean.
La trama nos ofrece un retrato detallado y complejo de una ciudad estadounidense promedio, desde los jóvenes traficantes que protegen y lucrando con
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EL SEMINARIO DE COMILLAS Y «EL ARTE CRISTIANO»
El Seminario de Comillas, construido entre 1883 y 1893, es un claro ejemplo adaptado al entorno español del movimiento conocido en Europa como el «Arte Cristiano». Este movimiento se consideraba una separación de las corrientes artísticas contemporáneas, que eran vistas como producto del paganismo, el positivismo o el ateísmo. El Seminario de Comillas combina influencias del «Arte Cristiano» alemán y francés con una clara intención de españolizar el movimiento, bajo la dirección espiritual e intelectual de la Compañía de Jesús y el mecenazgo de los marqueses de Comillas, Antonio López y López y Claudio López Bru.
Además, en la construcción del Seminario participó un destacado grupo de arquitectos y artistas catalanes como Juan Martorell, Luis Doménech y Montaner, Cristóbal Cascante, Eduardo Llorens Masdeu, José María Tamburini, Juan Llimona y Eusebio Arnau. La nueva documentación y el análisis detallado de la iconografía y el contexto de las obras artísticas del Seminario ofrecen una explicación profunda de cada una de ellas y del conjunto del Seminario, situándolo en el marco del arte español y europeo de finales del siglo XIX.
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EXPRESIONISTAS EN ESPAÑA (1914-1939)
Esta recopilación presenta una variedad de relatos y perfiles de los artistas más destacados del expresionismo alemán, extraídos de las revistas y publicaciones literarias de España de aquel periodo. En su totalidad, ofrece una fascinante inmersión en el vibrante mundo artístico de la época, revelando las inspiraciones y desafíos que enfrentaron estos creativos visionarios.
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LANZAROTE. UN VIAJE, UN RECUERDO
La travesía de Concha Daud a la isla de Lanzarote fue una experiencia inesperadamente agridulce que dejó una profunda marca en su vida y que plasmó a través de su arte. Una crónica detallada de las texturas y colores del paisaje canario, pero también un reflejo de las emociones intensas vividas durante su estancia en la isla.
Dedicada a su fiel compañero, Damir, esta serie de pinturas busca resaltar la importancia de preservar el paisaje como un tesoro universal, mostrándolo y exaltándolo a través de obras imbuidas de melancolía y subjetividad. Al mismo tiempo, rinde un pequeño tributo al artista canario César Manrique, quien supo proteger estos espacios en beneficio de todos.
Las pinturas recogidas en este catálogo forman parte de una serie temática que abarca el periodo comprendido entre 2016 y 2021, con más de cien obras en su colección. Se ha realizado una cuidadosa selección de cuadros que destacan por su sencillez, su estilo figurativo y descriptivo, y por llevar impreso el distintivo personal de la artista, trascendiendo la mera representación visual de la realidad.
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MAN RAY (edición en inglés)
Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que exploró diversas disciplinas artísticas como la pintura, la escultura, el cine, la creación de grabados y la poesía. Sin embargo, fue su obra fotográfica la que marcó un hito en la historia de la fotografía, con sus desnudos, imágenes de moda y retratos.
Esta monografía ofrece una mirada detallada sobre la polifacética práctica de Man Ray y su legado fotográfico, a través de una extensa colección que incluye tanto sus obras más conocidas como aquellas menos reconocidas.
A lo largo de su carrera, Man Ray mostró una evolución artística notable, desde sus inicios en Nueva York hasta su destacado papel en la vanguardia parisina. En la capital francesa, participó en la primera exposición surrealista junto a figuras como Jean Arp, Max Ernst, Andre Masson, Joan Miró y Pablo Picasso, creando obras icónicas como «Noire et blanche» (Negra y blanca) y «Le Violon d’Ingres» (El violín de Ingres).
Explorando diversos géneros como la naturaleza muerta y los retratos, Man Ray experimentó constantemente con nuevas técnicas, elevando la fotografía a una expresión etérea y poética más allá de su función documental. A través de la exposición múltiple, la solarización y su innovador enfoque en los fotogramas, conocidos como «rayogramas», el artista logró crear un universo visual único.
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LUNA LUNA THE ART AMUSEMENT PARK (edición en inglés)
En la década de 1980, se unieron más de 30 artistas reconocidos como Jean-Michel Basquiat, David Hockney, Roy Lichtenstein, Salvador Dalí y Keith Haring para crear atracciones únicas en un parque original. Estas atracciones incluían juegos mecánicos, esculturas interactivas, actuaciones y música en vivo.
Cada artista dejó su huella en el parque, y su contribución se ha inmortalizado en fotografías que capturan su proceso creativo y los detalles de sus obras de arte. Esta colección de arte raro, que no se había visto en público durante 35 años, se presenta por primera vez en un libro en inglés, con un prefacio actualizado que contextualiza estas obras maestras.
