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1984: ADAPTACIO TEATRAL DE MICHAEL GENE SULLIVAN (edición en catalán)
Existen varias versiones teatrales de 1984 de George Orwell. Sin embargo, solo una de ellas fue creada por el dramaturgo, actor y activista social de San Francisco, Michael Gene Sullivan. Esta versión fue la que triunfó en Barcelona hace algunos años, bajo la dirección del reconocido actor y director Tim Robbins. La puesta en escena se realizó en su versión original en inglés, pero el desafío de transmitir la fuerza y la rabia de Orwell al catalán no podía ser desaprovechado. A continuación, presentamos el resultado de esta adaptación.
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ACREEDORES: LA MÁS FUERTE
August Strindberg (1849-1912) escribió «Acreedores» en 1888, el mismo año que su famosa obra «La señorita Julia». Inspirado en su experiencia matrimonial, Strindberg creó una de sus obras favoritas, en la que exploró el ambiente intenso, despiadado y claustrofóbico que caracteriza su teatro.
En «Acreedores», el autor lleva a la escena la lucha entre el marido y el exmarido de una mujer, quienes representan diferentes facetas de su propia personalidad. A través de esta obra, Strindberg también expone sus ideas sobre la «lucha de cerebros» y el «asesinato psíquico».
Además de «Acreedores», el volumen también incluye «La más fuerte», una breve pieza en un acto que Strindberg escribió especialmente para su esposa Siri von Essen. Esta obra es considerada actualmente como uno de los monólogos más brillantes en la historia del teatro.
Con su estilo único y su profundo conocimiento de la psicología humana, Strindberg dejó un legado duradero en el mundo del teatro. Sus obras continúan siendo estudiadas y representadas en la actualidad, demostrando su impacto perdurable en la historia de la literatura.
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ANDREA DUNBAR: OBRA COMPLETA
La Obra completa incluye tres piezas de teatro que presentan a mujeres jóvenes enfrentándose a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión. Estas obras reflejan la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta, donde la precariedad y el desempleo de la era Thatcher causaban estragos.
En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley se muestra el universo completo de Andrea Dunbar. Podemos ver el vecindario en decadencia, el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida.
El prólogo escrito por Ángel Mirou nos brinda una perspectiva más amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar.
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ANIMAL NEGRO TRISTEZA. APEIRON
Este contenido presenta dos obras de Anja Hilling, una dramaturga contemporánea alemana muy prestigiosa. Su enfoque teatral se centra en la exploración de las formas, donde la interacción entre el diálogo y la narración es primordial, sin dejar de lado los temas relacionados con la crisis de la sociedad actual.
En «Animal negro tristeza», acompañamos a seis personas en una excursión a un bosque. Lo que parece ser un paseo tranquilo, se convierte en un incendio infernal a mitad de la noche. Enfrentados a la deflagración trágica, su única opción es salvar sus vidas, lo cual cambiará completamente su futuro.
«Ápeiron» es una metáfora de la soledad, el poder, el exceso y el dolor. En esta obra se crean imágenes que reflejan el anhelo de grandeza e importancia de las personas, y cómo luchan por superarse a sí mismas en busca de su realización. Los personajes se vuelven vulnerables y frágiles, al mismo tiempo que se cuestionan íntimamente a través de sus pensamientos.
«¿Qué queda después de un incendio? El negro de lo calcinado, lo animal del que intenta sobrevivir, la tristeza por lo perdido, por aquello que el fuego devoró. [Animal negro tristeza] es teatro de la catástrofe, forma benevolente quizás de narrar el horror desde la palabra y la acción» – Alba Freitas, Esfera cultural.
«Ápeiron […] es una pieza tremenda entre el murmullo, el análisis y la asociación. Describe formas de colapso demostradas por tres personajes: un actor, un empresario y un político» – Von Hans-Christoph Zimmermann, Die Deutsche Bühne.
«Lo que parecería una obra convencional […] es por su construcción una pieza muy singular que exige escapar del realismo» – Jacinto Antón, El País [Sobre Animal negro tristeza].
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ARCADIA (edición en catalán)
Arcadia es considerada la obra más ambiciosa y mejor lograda de Tom Stoppard. Ambientada en Sidley Park, la mansión que los Coverly tienen en el campo, la obra oscila como un péndulo entre varios polos: el orden y el caos, la razón y la intuición, el romanticismo y el neoclasicismo, las matemáticas y la poesía, el azar y la causalidad.
También hay dos tiempos en la obra, correspondientes a dos generaciones diferentes: a principios del siglo XIX, un paisajista quiere renovar los jardines de la mansión, habitada por Septimus Hodge, amigo del poeta Lord Byron y profesor de la joven y sorprendente Thomasina Coverly, hija de los propietarios de la casa. El segundo segmento temporal de Arcadia transcurre a finales del siglo XX, cuando en Sidley Park encontramos a los descendientes de los Coverly, y también a Bernard Nightingale, un profesor universitario que está realizando una investigación sobre Lord Byron.
Todo esto constituye una comedia compleja, llena de teorías y tramas secundarias que el lector o espectador debe seguir como un detective, y que terminan atrapándolo en un engranaje de una complejidad y un atractivo extraordinarios.
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BAAL. TAMBORES EN LA NOCHE. EN LA JUNGLA DE LAS CIUDADES
La obra de Bertolt Brecht (1898-1956) ha tenido un impacto significativo en el mundo del teatro, a pesar de abarcar diversos géneros. Después de verse obligado a exiliarse debido al régimen nazi, Brecht regresó a Alemania y fundó la compañía Berliner Ensemble. A través de sus innovadoras experiencias, puso en práctica su teoría del teatro épico, que busca reemplazar la intensidad emocional del teatro tradicional por la reflexión y la crítica a través del distanciamiento.
Este primer volumen de su serie «Teatro completo» recoge sus primeras tres piezas escritas entre 1918 y 1924, las cuales están influenciadas por la Primera Guerra Mundial y sus consecuencias. «Baal» y «Tambores en la noche» exploran el trasfondo de la revuelta espartaquista de 1919, mientras que «En la jungla de las ciudades» se centra en la intensa lucha entre sus dos personajes principales.
El legado literario de Brecht ha dejado una huella duradera en el ámbito teatral, y su enfoque innovador sigue siendo relevante en la actualidad. Su capacidad para distanciar al espectador y fomentar la reflexión crítica ha influido en numerosas obras y artistas posteriores. A través de su teatro épico, Brecht desafió las convenciones tradicionales y abrió nuevas posibilidades para la expresión artística.
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CADA CUAL A SU JUEGO (70 ANIVERSARIO)
Cada cual a su juego integra con aquella pieza, porque la realidad copia al teatro.
Esta noche se representa improvisando la trilogía donde trata de discutir las relaciones entre apariencia y realidad.
Con el pretexto del teatro, se analiza cómo la realidad ficticia, con mayor o menor grado de consistencia, se asemeja a la vida real.
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CARYL CHURCHILL: BOSC BOIG / COR BLAU / PROU BORRATXO PER DIR T ESTIMO? / ESCAPADA (edición en catalán)
Caryl Churchill ha revolucionado la forma dramática con una mirada extremadamente lúcida sobre las ansiedades y contradicciones de nuestro tiempo. Reconocida por sus posturas feministas y su denuncia del abuso de poder, sus textos ponen de manifiesto la capacidad de articular de manera innovadora la relación entre la forma y el contenido. Las obras que presentamos en esta antología, escritas en momentos diferentes y con un lenguaje cada vez más fragmentado, reflejan la lucidez y la variedad formal de una de las autoras más relevantes de la dramaturgia inglesa contemporánea: Bosc boig (1990), Cor blau (1997), Prou borratxo per dir t’estimo? (2006) y Escapada solitària (2016).
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CONOR MCPHERSON (edición en catalán)
Conor McPherson ha creado personajes solitarios e insatisfechos que buscan escapar a través de las historias que se cuentan entre ellos o que nos cuentan a nosotros. En esta antología, hemos reunido cuatro textos que son una muestra excelente de la extraordinaria habilidad narrativa del autor irlandés.
En primer lugar, encontramos «Sota el til·ler» (1995), una serie de monólogos entrelazados que nos transportan a diferentes situaciones y emociones. Estos personajes nos muestran la complejidad de la vida y cómo cada uno lucha por encontrar su lugar en el mundo.
En segundo lugar, nos adentramos en «St. Nicholas» (1996), donde un crítico de teatro confiesa su participación en una secta vampírica. Esta obra nos sumerge en un oscuro y fascinante mundo, donde la realidad y la ficción se entrelazan de manera sorprendente.
Continuamos con «La presa» (1997), una obra que nos lleva a un pub irlandés donde los clientes habituales comparten historias de fantasmas. A través de estas narraciones, descubrimos los misterios ocultos detrás de cada personaje y cómo el pasado puede perseguirnos incluso en el presente.
Por último, nos encontramos con «El mariner» (2006), donde presenciamos la lucha de un exalcohólico que se enfrenta al diablo en una partida de póquer. Esta obra nos sumerge en un juego peligroso entre el bien y el mal, donde las apuestas son altas y cada decisión puede cambiar el destino del protagonista.
Conor McPherson nos demuestra con esta antología su maestría en el arte de la narración. A través de la palabra, nos sumerge en mundos fascinantes y nos invita a reflexionar sobre la condición humana y la búsqueda de significado en nuestras vidas.
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CREDITORS (edición en catalán)
La trilogía de Strindberg: una mirada profunda a las relaciones humanas
En la obra Creditors (1888), junto con El pare (1887) y La senyoreta Júlia (1888), se forma una trilogía que representa un retrato conmovedor de un naufragio personal. Strindberg refleja de manera vibrante la peripecia de su primer divorcio, la distorsión a la que la vida conyugal somete al individuo.
Tres personajes, dos hombres y una mujer, saldan cuentas de a dos. Cada uno se convierte en el inexorable acreedor que, además de exigir despiadadamente la deuda, añade el interés usurario de aniquilar al otro. Dado que cada personaje es a su vez acreedor y deudor, cada uno acaba siendo verdugo y víctima.
En este conflicto, los dos hombres se pierden en la lucha por la mujer que dicen amar, pero que en realidad solo desean. Strindberg desmenuza de esta manera la relación conyugal, revelándola como una simple expresión de poder y lujuria, bajo el dominio de una mujer que controla, si no el escenario, al menos la situación. Como resultado, el autor nos presenta de manera impulsiva una imagen, real y especular, de sí mismo.
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CYRANO DE BERGERAC (edición en catalán)
La carrera teatral de Cyrano de Bergerac ha sido y sigue siendo tan extraordinaria que los críticos coinciden en afirmar que nos encontramos ante una obra maestra que es también el éxito más notable del teatro popular.
La versión catalana de Xavier Bru de Sala recibió el premio Nacional de Teatro Josep M. de Sagarra y en el año 1985 fue interpretada con un éxito rotundo por Josep M. Flotats.
Hasta el 2012 no había vuelto a los escenarios, esta vez de la mano del director Oriol Broggi.
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CYRANO DE BERGERAC
Inspirado libremente en la vida de Cyrano de Bergerac, peculiar escritor y filósofo gascón del siglo XVII, este drama de capa y espada, pleno de romanticismo, de Edmond Rostand obtuvo un clamoroso éxito durante su estreno en 1897.
El protagonista de esta historia es un espadachín temible, polemista violento y brillantemente locuaz, pero también célebre por su desproporcionada nariz. Sin embargo, detrás de su apariencia se esconde una pasión avasalladora por su prima Roxana.
Por desgracia, Roxana está enamorada de Christian, un guapo cadete carente de ingenio. En un pacto desesperado, Cyrano decide hacer intensas declaraciones de amor a su inalcanzable Roxana a través de su rival.
El juego que lo embriaga y angustia lleva a Cyrano por un camino lleno de emociones encontradas. Solo mucho tiempo después de la muerte de Christian, cuando ya es imposible recuperar el tiempo perdido, se descubrirá la verdad oculta.
Esta obra ha sido tan impactante que ha dado lugar a óperas y películas, como las protagonizadas por José Ferrer en 1950 o Gérard Depardieu en 1990. Además, en España ha habido memorables interpretaciones teatrales, como la de Josep Maria Flotats en 1985.
Edición de Mauro Armiño
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DECIR SI. LA MALASANGRE
La reconocida dramaturga argentina Griselda Gambaro es considerada una de las figuras más destacadas del teatro latinoamericano. Sus obras han sido llevadas a escena en diversos países de América Latina, Estados Unidos y Europa, obteniendo reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional. Además, sus trabajos han sido traducidos a una decena de idiomas.
Dos de sus obras más importantes, «Decir sí» y «La malasangre», fueron estrenadas durante la última dictadura militar en Argentina. La primera de ellas, en 1981, formó parte del ciclo Teatro Abierto, el cual buscaba romper el silencio impuesto por los militares. Por su parte, «La malasangre» fue estrenada en agosto de 1982, justo después de finalizar la Guerra de las Malvinas. Ambas piezas teatrales obtuvieron un gran éxito tanto entre el público como entre la crítica, y desde entonces han sido representadas con frecuencia tanto en escenarios nacionales como internacionales.
En «Decir sí» podemos encontrar un patrón recurrente en algunas de las obras de Gambaro: un hombre inocente que llega a un lugar aparentemente inofensivo, en este caso una peluquería. A través de un acto aparentemente rutinario, la autora aborda temas como la represión, la violencia, la sumisión y el servilismo, así como la victimización y sus consecuencias.
Por otro lado, en la sencilla historia de «La malasangre», donde una pareja de enamorados decide fugarse ante la oposición del padre de la joven a la relación amorosa, se esconde una denuncia del ejercicio arbitrario del poder, tanto en el ámbito privado de la familia como en el socio-político del Estado.
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DIABLO DE DIOS, EL / LOS SECUESTRADOS DE ALTONA
Diablo y Dios (1951) es una obra maestra en la que el personaje central, Goetz, encarna de manera magistral el mal.
En esta historia, Goetz se presenta como un ser oscuro y siniestro, cuyas acciones son impulsadas por su naturaleza malévola. A lo largo de la trama, su maldad se manifiesta en cada acto que realiza, sembrando caos y destrucción a su paso.
El autor de esta obra logra retratar de manera brillante la dualidad entre el bien y el mal, presentando a Goetz como una representación perfecta del diablo. Su presencia en la historia es tan intensa que cada página se impregna de su esencia maligna.
Diablo y Dios nos sumerge en un mundo lleno de violencia y perversidad, donde los valores morales son desafiados y la redención parece estar fuera de alcance. A medida que avanzamos en la trama, somos testigos de cómo Goetz se convierte en el arquetipo del mal, sin mostrar ningún remordimiento o compasión hacia sus víctimas.
La narrativa de esta obra es cautivadora, manteniendo al lector en vilo en cada página. Cada descripción, cada diálogo, está imbuido de una oscuridad palpable que nos envuelve por completo. El autor utiliza magistralmente las palabras para transmitir la profundidad de la maldad de Goetz.
Diablo y Dios nos confronta con preguntas sobre la naturaleza humana y la existencia del mal en el mundo. A través de la figura de Goetz, el autor nos desafía a reflexionar sobre nuestros propios demonios internos y la capacidad que todos tenemos de ser tentados por el lado oscuro.
En resumen, Diablo y Dios (1951) es una obra literaria impactante en la que el personaje central, Goetz, personifica de manera magistral el mal absoluto. Esta historia nos sumerge en un mundo oscuro y perturbador, desafiando nuestras creencias y cuestionando nuestra propia naturaleza humana.
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DIALOGO DE UNA PROSTITUTA CON SU CLIENTE
En este volumen se presentan tres obras que profundizan en el universo femenino desde diferentes perspectivas: mujeres y sexo, mujeres y amistad, mujeres y sufrimiento. Cada una de estas obras aborda aspectos oscuros y misteriosos de la experiencia femenina.
El diálogo entre Manila y su compañera revela la resistencia del cuerpo femenino a ser reducido a una mercancía. Las mujeres protagonistas se enfrentan a desafíos internos y externos que ponen a prueba su fortaleza y determinación.
La amistad entre mujeres se presenta como un refugio en medio de la adversidad, un espacio donde la complicidad y el apoyo mutuo son fundamentales para sobrellevar las dificultades de la vida. La intimidad entre amigas se convierte en un salvavidas emocional en tiempos de crisis.
El sufrimiento femenino se manifiesta de diversas formas a lo largo de las historias, mostrando la complejidad de las emociones y experiencias de las protagonistas. A través de la narrativa, se exploran las profundidades de la psique femenina y se cuestionan los roles tradicionales impuestos a las mujeres en la sociedad.
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DRAMATURGIA FINLANDESA CONTEMPORANIA (edición en catalán)
l conflicte són alguns dels temes tractats en aquestes obres.
El feminisme és un dels temes recurrents en aquesta antologia. Les obres posen de manifest la lluita per la igualtat de gènere i la necessitat de canviar les estructures socials per aconseguir una societat més justa i equitativa.
El desig és un altre tema central present en aquestes obres. El teatre explora les diferents formes de desig i com aquest pot influir en les relacions humanes. Des del desig romàntic fins al desig sexual, les obres representades a Finlàndia aborden aquest aspecte de la condició humana amb profunditat i sensibilitat.
El poder és un altre concepte que es tracta en aquesta antologia teatral. Les obres reflexionen sobre com el poder pot ser utilitzat per a l’opressió o per a la llibertat. Es qüestionen les estructures de poder existents i es posen en evidència les seves conseqüències en la vida quotidiana.
A més, el conflicte és un element essencial en aquestes obres. El teatre utilitza el conflicte com a motor narratiu per explorar les tensions i les contradiccions de la condició humana. A través dels personatges i les seves relacions, s’aborden conflictes individuals i socials que reflecteixen les preocupacions i les inquietuds de la societat finlandesa.
En resum, aquesta antologia de teatre finlandès reuneix obres que posen de manifest temes com el feminisme, el desig, el poder i el conflicte. A través de la representació teatral, aquestes obres contribueixen a fer visibles fenòmens importants per al país i a generar un diàleg crític sobre les qüestions que preocupen la societat finlandesa en els últims anys.
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EL 6º CONTINENTE
¿Cómo diablos puede convertirse una familia obsesionada con la limpieza en la fuente de polución más horrenda de la historia de la humanidad? Esta es la incógnita que se resuelve en «El 6º continente», una obra teatral creada a partir de las innumerables improvisaciones de un grupo de actores bajo las órdenes de la directora francesa Lilo Baur. Estrenada en el teatro parisino Bouffes du Nord, este drama familiar-planetario es a su vez una ópera bufa que, ante el inevitable desastre ecológico que vaticinan sus páginas, no deja otra salida al espectador (y al lector) que la risa.
Precede a esta pieza teatral el monólogo «Ex paciente de los hospitales de París», en el que un médico residente de un hospital público de París relata una larga y accidentada noche de guardia. Es una noche en la que encontró la fe, la perdió, la reencontró y la extravió de nuevo.
Con su habitual y aguda ironía, y echando mano del lenguaje escénico, Daniel Pennac nos enfrenta con la realidad de una sociedad posmoderna llena de excesos, inconsciente y egoísta. Los integrantes de esta sociedad desestabilizan un sistema sanitario precario y un equilibrio medioambiental ya prácticamente inexistente.
Reseñas:
«Divertida, conmovedora, lúcida y bromista.» – Le quotidien du médecin
«Divertidísimo.» – Marie France
«El estilo ligero y audaz de Pennac nos ofrece una pléyade de situaciones cómicas y toda una legión de personajes estrafalarios. Es divertida, uno se ríe, pero la melancolía y el cinismo, siempre presentes en Pennac, no pierden su lugar, y provocan de manera imperceptible que el lector ahonde en sus reflexiones y emociones más sombrías.» – Le souffleur -
EL ASESINO SIN GAJES / ESCENA PARA CUATRO PERSONAJES
El teatro de Eugéne Ionesco (1912-1994) es una manifestación de las aspiraciones colectivas basadas en la audacia de su ruptura lógica y en la ineludible huida de lo naturalmente visible, elementos que constituyen la esencia misma de su comicidad. Esto le permite expresar con claridad sus ideas fundamentales: «el humor es libertad»; «la imaginación no es arbitraria, es reveladora»; «nada más racional que la imaginación». La irracionalidad es la vida. De ahí surge un realismo interno, no solo del individuo, sino de toda la sociedad. Las obras «El asesino sin gajes», «Escena para cuatro personajes» y «La ira» representan magistralmente la teoría y la estética del destacado autor rumano.
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EL CARTERO DEL REY. EL ASCETA. EL REY Y LA REINA
El descubrimiento de la obra de Rabindranaz Tagore (1861-1941) fue un encuentro deslumbrante para Occidente con la tradición lírica que se remonta a los «Upanisads» y continúa hasta nuestros días. Las tres obras reunidas en este volumen, «El cartero del rey, El asceta y El rey y la reina», revelan la intensa espiritualidad del Premio Nobel de 1913, expresada en un lenguaje rítmico y colorido, impregnado de un profundo sentido de la naturaleza.
La fama del gran escritor indio está estrechamente vinculada en nuestra área idiomática a los nombres de Zenobia Camprubí y Juan Ramón Jiménez, cuyas traducciones de la obra de Tagore representan una prodigiosa labor de recreación literaria.
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EL CASAMIENTO
El sueño de Henri, soldado polaco en el ejército francés durante la Segunda Guerra Mundial, es casarse. En sus sueños, ve cómo su país ha sido destruido, su familia y su novia han sido degradados. Para vengar la derrota de los suyos, decide elevar a su padre a la dignidad real.
Una vez convertido en príncipe, Henri logra unirse a su amada a través del sacramento del matrimonio, devolviendo a cada uno el honor que habían perdido. Pero, desafortunadamente, su poder y su influencia tienen un efecto negativo en él. Influenciado por borrachos y intoxicado por su propio poder, Henri traiciona a su padre-Rey y usurpa su trono, convirtiéndose en un dictador absoluto en su universo sin dios ni iglesia.
Henri, ya convertido en dictador, decide conferirse a sí mismo el sacramento del matrimonio. Sin embargo, pronto se da cuenta del horror de sus propios actos y decide renunciar a todo lo que ha hecho.
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EL CERCLE DE GUIX CAUCASIA (edición en catalán)
El dramaturgo Bertolt Brecht creó una de sus obras más poéticas con el Círculo de Tiza Caucasiano, a pesar de ser parte de sus «grandes obras épicas» que perduran más allá de su tiempo y sociedad de origen.
La obra se presenta como un teatro dentro del teatro. Como en un juego de muñecas rusas, la primera escena establece el marco para que los personajes representen la obra «titular», la parábola del círculo de tiza. En esta, se entrelazan dos historias distintas: la de la sirvienta Grushe y la del juez Azdak.
Un cantante-narrador es quien otorga la dimensión épica a la parábola, narrando las historias que se entrecruzan en una trama llena de giros inesperados y decisiones morales.
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EL JUICIO DE LOS NUEVE DE CATONSVILLE
El 17 de mayo de 1968, nueve personas, siete hombres y dos mujeres, llevaron a cabo una protesta en la oficina del servicio de reclutamiento militar de Catonsville, en el condado de Baltimore (Maryland), en oposición a la guerra de Vietnam. En un acto sorprendente para las funcionarias presentes, vaciaron rápidamente algunos archivos en papeleras de metal y luego salieron corriendo hacia el estacionamiento exterior. Allí, prendieron fuego a los expedientes de movilización que contenían los ficheros, después de rociarlos con napalm casero. Después de este acto, se santiguaron y se pusieron a rezar, a la espera de la llegada de la policía.
Los nueve de Catonsville fueron arrestados, sometidos a juicio y condenados a prisión. Uno de ellos, Daniel Berrigan, escribió un libro como testimonio de aquel juicio. Los nueve de Catonsville se convirtieron en un símbolo en aquel momento, independientemente de si lograron o no poner fin a la guerra. Aunque han pasado casi cuarenta años desde entonces, las mismas cuestiones que querían denunciar con su acción aún son relevantes: la guerra, el racismo, la pobreza… Por esta razón, esta pequeña obra sobre los límites de la obediencia y el significado y las contradicciones de la desobediencia sigue siendo significativa hasta el día de hoy.
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EL JUICIO DEL DOCTOR JOHNSON
John Swallow Swift, un espía americano, llega a las islas Hébridas junto a su esposa Mary con una misión secreta. Su objetivo es establecer contacto con la sociedad inglesa para evaluar la situación de la guerra de Independencia de Estados Unidos. La pareja se instala en Londres, donde se verán envueltos en un enredo político que pondrá a prueba sus ideales y su amor. En este entorno, la simulación se convierte en una necesidad para sobrevivir.
El doctor Samuel Johnson, un monstruo intelectual y observador atento de la realidad, actúa como maestro de ceremonias. Siempre está acompañado de su amigo James Boswell. Los Swift, revolucionarios idealistas y caóticos, se convierten en portavoces de los cambios que se avecinan en el incipiente mundo nuevo. Sin embargo, tendrán que enfrentarse a sus propias contradicciones de la mano del doctor Johnson, quien pondrá a prueba sus capacidades morales e intelectuales.
Con una sutil ironía, Chesterton construye un brillante retrato alegórico de la nación en desarrollo, con todo su ímpetu e inocencia. En esta obra, se exploran juegos de poder, intriga y las emociones más íntimas, ofreciendo así un reflejo de la sociedad de principios del pasado siglo, la cual no es tan diferente a la nuestra.
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EL JUICIO DEL DR. JOHNSON
Chesterton, Gilbert K. (1874-1936); Ahlquist, Dale; León Varela, Victoria. «SHAW espoleó a Chesterton para que escribiera Magia, que será publicado próximamente en esta misma colección«, que obtuvo un notable éxito. Sin embargo, sigue siendo un misterio el por qué no logró ser aún más exitosa. Y aún más misterioso es por qué no escribió más teatro.
Pero el mayor misterio de todos es por qué las obras teatrales que escribió no son grandes éxitos y piezas indispensables del repertorio dramático actual. Uno de estos ejemplos es «El juicio del Dr. Johnson». Esta obra lo tiene todo: un diálogo ingenioso, alto drama y personajes históricos de gran interés. Además, posee el interés añadido de tener como protagonista a la figura literaria con la que más se ha comparado al propio Chesterton: el Dr. Samuel Johnson.
¿Por qué no fue un gran éxito? ¿Por qué no sigue siendo un gran éxito? No tengo respuestas. Estas preguntas siguen siendo un enigma para todos los amantes del teatro y de la obra de Chesterton.
(Del prólogo de Dale Ahlquist)
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EL SOL
A principios del siglo XXI, el mundo se vio sacudido por una epidemia virulenta causada por el bioterrorismo. Esta tragedia dividió a la humanidad en dos comunidades distintas: los nox y los curios.
Los nox, seres de la noche, se caracterizan por ser eternamente jóvenes, inteligentes, fuertes y saludables. Son inmunes al virus que causó la pandemia y han logrado construir una sociedad prospera y avanzada.
Por otro lado, los curios son aquellos que sobrevivieron a la epidemia, pero siguen siendo vulnerables al virus. Condenados a vivir en guetos, su salud y bienestar están constantemente amenazados.
En una pequeña aldea aislada, hace años, ocurrió un trágico suceso: el asesinato de un nox. Desde entonces, los habitantes de esta aldea han sufrido un embargo, una penalización impuesta por el resto de la comunidad nox.
Finalmente, este embargo está por concluir y se espera que el restablecimiento de las relaciones entre nox y curios tenga lugar. Sin embargo, a medida que se acerca este momento, los prejuicios y los viejos rencores resurgen.
Es importante destacar que Tomohiro Maekawa, reconocido escritor, ha sido galardonado con numerosos premios, entre ellos el prestigioso Premio Yomiuri y el Kinokuniya. Sus obras han sido adaptadas al cine, llevando sus historias a una audiencia más amplia.
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EL ZOO DE CRISTAL; UN TRANVIA LLAMADO DESEO (2ª ED.)
Un tranvía llamado Deseo fue uno de los grandes éxitos del reconocido autor, marcando su segundo gran triunfo en el mundo del teatro. En esta obra, la heroína atormentada, Blanche Dubois, representa el desgaste de las antiguas costumbres sureñas y se encuentra en conflicto con la necesaria adaptación a los nuevos tiempos, personificada por su hermana y su tosco esposo.
El zoo de cristal marcó el inicio de la prominente carrera de Williams, revelando las bases de su obra madura. En esta pieza, se vislumbran los elementos característicos de su estilo, como el retrato de una familia sureña en decadencia, con una madre autoritaria y melancólica, una hija discapacitada cuyos sueños maternales de matrimonio nunca se cumplirán, y un hijo que huye de este entorno opresivo buscando refugio en el cine, incapaz de soportar más la carga de responsabilidades que no le corresponden.
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EN LA SOLITUD DELS CAMPS DE COTÓ
En la tranquilidad de los campos de algodón, a la hora oscura en la que las persianas de los comercios ya se han cerrado, dos desconocidos se encuentran secretamente para llevar a cabo una transacción que pondrá en juego sus identidades y terminará poniendo en riesgo algo más que eso.
Ambos individuos, cuyos nombres aún no han sido revelados, se adentran en un territorio peligroso y desconocido. La tensión en el aire es palpable, mientras el viento susurra entre los campos de algodón, como si fuera un testigo silencioso de lo que está por suceder.
Uno de ellos, conocido por su destreza en el mundo de los negocios ilícitos, busca obtener información valiosa que podría cambiar el curso de los acontecimientos. Su mirada penetrante refleja la determinación y la astucia con la que ha sobrevivido en este juego de sombras.
El otro individuo, de apariencia misteriosa, es un experto en el arte de la infiltración. Ha desarrollado habilidades que le permiten pasar desapercibido en cualquier situación, convirtiéndose en una sombra que se desliza sigilosamente por el submundo.
En ese momento crucial, los dos desconocidos intercambian un breve saludo, apenas un gesto de reconocimiento que demuestra que están dispuestos a embarcarse en esta peligrosa travesía juntos.
La transacción comienza y las palabras se convierten en moneda de cambio. Ambos individuos se miden el uno al otro, tratando de descifrar los secretos que ocultan detrás de sus ojos. Cada palabra pronunciada es un paso más cerca del éxito o el fracaso.
El silencio se rompe de repente por el sonido de un coche que se acerca. Los corazones de los desconocidos se aceleran, conscientes de que cualquier error podría tener consecuencias desastrosas. La adrenalina fluye por sus venas, agudizando sus sentidos.
La transacción llega a su fin y los desconocidos se despiden sin mirarse directamente a los ojos. Cada uno sabe que su camino se separará pronto, pero el impacto de esta noche quedará grabado en sus memorias para siempre.
Así, en la solitud de los campos de algodón, los dos desconocidos se alejan, llevando consigo las sombras de su pasado y el peso de las decisiones tomadas en la oscuridad. El destino de sus identidades y de algo más que eso, queda en el aire, esperando a que se desvele en algún momento del futuro.
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ESPECIE FUGITIVA
Una de las piezas tempranas de Tennessee Williams es Especie Fugitiva. Esta obra fue escrita y estrenada en 1937, y aborda una serie de personajes, temas y situaciones que posteriormente poblaron sus grandes obras. En Especie Fugitiva, nos encontramos inmersos en un mundo de seres frágiles o violentos, pero siempre inadaptados a la realidad hostil que los rodea. En este caso, la acción se desarrolla en la ciudad de Saint Louis.
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ESPERANT GODOT (edición en catalán)
El gran clàssic de Samuel Beckett, Esperant Godot, arriba als escenaris en una nova traducció de Josep Pedrals. Aquesta obra ens presenta a dos rodamons, Vladimir i Estragó, que es troben al peu d’un salze, esperant l’arribada d’un personatge desconegut, Godot. A partir d’aquest argument tan simple, Beckett planteja, des dels paràmetres de l’anomenat teatre de l’absurd, els interrogants que turmenten l’ésser humà durant la seva existència en aquest gran circ que és el món.
Des del seu estrena a París el 1953, Esperant Godot s’ha convertit en un punt de referència clau tant en el món del teatre com en la cultura contemporània. Aquesta obra ens convida a reflexionar sobre els temes universals de l’espera, el sentit de la vida i la relació amb els altres. Amb una nova traducció de Josep Pedrals, aquesta versió de Esperant Godot promet sorprendre i captivar el públic amb la seva profunditat i la seva capacitat de fer-nos qüestionar la nostra pròpia existència.
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FEDRA
Fedra lucha contra su inclinación hacia su hijastro, Hipólito. Sin embargo, cuando se le informa incorrectamente de que Teseo, su esposo, ha fallecido, confiesa su amor a un Hipólito horrorizado. Este, a su vez, huye ya que su verdadero amor es Aricia. Es en este punto donde se desencadena la tragedia, que ha sido narrada tanto en la obra Hipólito de Eurípides como en la de Séneca.
Jean Racine (1639-1699) es considerado uno de los tres grandes dramaturgos franceses del siglo XVII, junto a Corneille y Molière. Fue miembro de la Academia Francesa e historiógrafo de Luis XIV. Se destacó principalmente en la escritura de tragedias como Fedra, Andrómaca, Británico, Berenice, entre otras. También incursionó en el género de la comedia con obras como Los Litigantes. Además, Racine escribió algunas obras con temáticas bíblicas, como Esther y Atalía.
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FINLANDIA; SEGUIDO DE 3 ANUNCIACIONES
En una fría noche de invierno en Helsinki, el reloj marcaba cerca de las 4 de la madrugada. En una habitación de hotel, Israel se dirige a Irene con determinación: «Levántate». Israel, quien ha recorrido 4000 km en coche desde Madrid, le pide a Irene que le explique qué está sucediendo, que le hable como un ser humano. Irene, con brusquedad, retira las sábanas y expresa su desesperación: «Haz lo que quieras, vete o quédate, desvélame, despiértame cada quince minutos, machácame con tus palabras, ya no puedo más».
No en vano, como mencionó Carmen Martín, «lo que busca siempre un enamorado es mantener despierto el interés del otro, lograr que le escuche sin pensar en otra cosa. La traición amorosa es, sobre todo, rechazo de narración». Así, en Finlandia, con una prosa torrencial y beligerante -esa compulsión de decir tan singular de las obras de Pascal Rambert-, una madre y un padre discuten la custodia de su hija convirtiéndose mutuamente en receptáculos para verter sus relatos, hasta desbordarlos.
Completa el volumen 3 de Anunciaciones, una original reinterpretación de la Anunciación del ángel Gabriel a través de tres monólogos poéticos e íntimos que cuestionan cuál sería la anunciación en nuestros tiempos.
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FRESHWATER
Virginia Woolf, una vez tuvo el deseo de escribir una pieza de teatro, pero solo encontró su materialización en Freshwater (Agua Dulce), una obra concebida para una representación privada. Esta pieza lleva el nombre de la localidad donde se desarrolla la acción, en la isla de Wight, al sur de Inglaterra.
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HOMEBODY KABUL: EN CASA/EN KABUL
La obra «Traducción Carla Matteini; Dramaturgia y dirección Mario Gas» es una pieza teatral que contiene ilustraciones y viene acompañada de un DVD. Escrita por Kushner, esta obra teje una red de personajes y conflictos, a los cuales el autor aplica su particular bisturí para diseccionar con ironía, lucidez, dolor y comprensión una serie de situaciones colectivas e individuales.
Estas situaciones no son otra cosa que resonancias aceradas del mundo que nos rodea y de nuestra posición como individuos pertenecientes al acomodado ‘primer mundo’. A través de su habilidad para retratar al ser humano en todas sus facetas, Kushner nos invita a reflexionar sobre nuestra propia existencia y nuestras acciones en la sociedad.
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IÑIGO, UNA OBRA DE TEATRO
El actor y director Jonathan Moore escribe esta obra dramática a Ignacio de…
La historia gira en torno a un personaje principal, Ignacio, quien se encuentra en un momento crucial de su vida. Ignacio, interpretado por un talentoso actor, se enfrenta a una serie de desafíos que lo llevarán a explorar su propia identidad y confrontar sus miedos más profundos.
La trama se desarrolla en un pequeño pueblo en el que Ignacio ha vivido durante toda su vida. Sin embargo, a pesar de las apariencias, Ignacio se siente desconectado de su entorno y anhela algo más significativo en su existencia.
Con el objetivo de encontrar respuestas y redescubrir su propósito en la vida, Ignacio se embarca en un viaje emocional que lo llevará a lugares inesperados y a encuentros con personajes fascinantes. A lo largo de su travesía, Ignacio se enfrentará a sus propias limitaciones y se verá obligado a tomar decisiones difíciles que pondrán a prueba su coraje y determinación.
La obra de Jonathan Moore explora temas universales como la búsqueda de la identidad, el poder de la autotrascendencia y la importancia de enfrentar nuestros miedos para alcanzar la plenitud. Con diálogos profundos y una narrativa cautivadora, esta obra teatral invita al público a reflexionar sobre sus propias vidas y a cuestionarse si están viviendo de acuerdo con su verdadero propósito.
El elenco, dirigido por el talentoso Jonathan Moore, realiza una actuación excepcional, capturando la complejidad emocional de los personajes y transmitiendo su lucha interna de manera convincente. Cada escena está cuidadosamente coreografiada para mantener al público en vilo y sumergirlo por completo en la historia.
Con una puesta en escena impresionante y una cuidadosa atención a los detalles, esta obra dramática de Jonathan Moore es una experiencia teatral que no te puedes perder. Desde el momento en que las luces se apagan hasta el último aplauso, esta obra te transportará a un mundo de emociones y reflexiones que resonarán mucho después de que caiga el telón.
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IVANOV; LA GAVIOTA; TIO VANIA
Rechazando las convenciones y efectismos del teatro de su tiempo, Antón Chéjov (1860-1904) buscaba crear obras más contenidas y sutiles, sin pretensiones didácticas ni juicios morales, en las que la vida se mostrara objetivamente tal como es, con la complejidad y sencillez que caracteriza la realidad cotidiana. En este volumen se recopilan tres de sus obras más representativas: «Ivánov», donde el protagonista es un destacado representante del liberalismo ruso que ahora está dominado por la indolencia y la apatía; «La gaviota», que resume las reflexiones del autor sobre el arte y su función social; y «Tío Ványa», que contrasta al hombre útil, activo y sensible a los problemas de la humanidad, con la vida rutinaria y somnolienta del hacendado de la época.
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LA ANUNCIACION A MARIA (2ª ED.)
La Anunciación a María es una obra literaria escrita por Paul Claudel y publicada por Ediciones Encuentro. Este libro, perteneciente a la colección Encuentro Literatura, tiene el código de ISBN 978-84-1339-019-2 y cuenta con un total de 222 páginas.
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LA CLASE MUERTA; WIELOPOLE, WIELOPOLE
En La clase muerta, **Kantor** recreó una escuela donde ancianos fallecidos se encontraban con los fantasmas de niños, representados por maniquíes, de su infancia. A lo largo de la obra, los personajes desarrollan historias que rememoran cómo era el proceso de aprendizaje.
En 1942, en **Wielopole**, ochocientas cincuenta personas fueron asesinadas. La forma en que **Kantor** aborda en **Wielopole, Wielopole** el aspecto militar, su premonición de la muerte y la separación radical del mundo de los vivos, le otorgan una dimensión universal significativa y llevan a cabo su idea del teatro de la muerte hasta sus últimas consecuencias.
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LA CLAUSURA DEL AMOR, SEGUIDO DE ENSAYO
«La clausura del amor» y «Ensayo» son dos de los grandes éxitos de Pascal Rambert, uno de los mejores dramaturgos franceses del momento.
¿Qué ocurre cuando el nosotros comienza a resquebrajarse y solo prevalece el yo en la convivencia inevitable? «La clausura del amor» es una crónica desgarradora de una separación a través de dos soliloquios enfrentados.
En «Ensayo», un grupo de teatro conformado por cuatro amigos, dos parejas, se citan para ensayar una nueva obra. Aquí, es una mirada la que enciende la llama de un discurso que se multiplica y consume cada una de las voces, mientras los cuerpos se desencajan.
Este texto también explora el vínculo entre el artista y la creación. En definitiva, estas dos obras representan un doble combate que describen con claridad, utilizando la palabra como un bisturí que sabe dónde causar daño, el proceso de una ruptura, de una demolición.
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LA EVITABLE ASCENSION DE ARTURO UI. LAS VISIONES DE SIMONE MACHARD (TEATRO COMPLETO, 9)
La obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca varios géneros, pero su legado literario ha ejercido una influencia decisiva en el teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, Brecht regresó a Alemania y fundó la compañía Berliner Ensemble. A través de sus innovadoras experiencias, puso en práctica su teoría del teatro épico, que busca reemplazar la intensidad emocional del teatro tradicional por la reflexión y la crítica a través del distanciamiento.
Este volumen, correspondiente al noveno de la serie «Teatro completo» de Brecht, incluye dos obras escritas entre 1940 y 1943. La primera es «La evitable ascensión de Arturo Ui», una sátira de Adolf Hitler. La segunda obra es «Las visiones de Simone Machard».
Esta traducción ha sido realizada por Miguel Sáenz.
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LA GAVIOTA. TIO VANIA
Dos de las grandes obras de Chéjov, La gaviota y Tío Vania, han sido llevadas a nuevas traducciones concebidas para la escena. Estas versiones incluyen textos complementarios inéditos, entre otros, de Stanislavski y de la actriz Maria Chitáu, quien estrenó La gaviota en 1896.
En La gaviota, presenciamos un duelo emocional entre cuatro personas. Por un lado, está la madre, Irina Arkádina, y su amante Trigorin, un famoso escritor. Por otro lado, tenemos a su hijo Tréplev, un escritor en ciernes, y a su amada, Nina.
Por su parte, Tío Vania nos relata la historia de la monótona y tranquila vida de la hacienda campestre de Serebriakov. Sin embargo, esta paz se ve alterada con el regreso del propietario, lo que desencadena una serie de conflictos y tensiones.
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LA IMPROVISACION DEL ALMA; EL ASESINO SIN GAJES; EL NUEVO INQUIL INO
La obra original «La improvisación del alma» se estrenó en el Studio des Champs-Élysées el 20 de febrero de 1956, con una magnífica puesta en escena a cargo de Maurice Jacquemont, quien también interpretó uno de los personajes principales, el propio Ionesco.
En esta obra, el apasionado discurso del ciudadano corriente Béranger en «El asesino sin gajes» es tan impactante que podría considerarse un acto completo en sí mismo. En sus palabras, el orador encontrará, a su pesar y en contra de sí mismo, argumentos a favor del asesino.
«El nuevo inquilino» debutó el lo de septiembre de 1957 en el Théâtre d’Aujourd’hui, con impresionantes decorados diseñados por Siné. Anteriormente, la obra había sido representada en Finlandia, en idioma sueco, y posteriormente conquistó los escenarios de todo el mundo.
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LA MARIPOSA DE LATON
A pesar de que el autor William Golding es reconocido por la enorme popularidad de su obra «El señor de las moscas», sigue siendo un desconocido para la mayoría de los lectores. Es comúnmente conocido que recibió el Premio Nobel de Literatura en 1983, pero a pesar de haber escrito numerosas obras literarias como doce novelas, un libro de relatos, dos volúmenes de ensayos, un peculiar diario de viajes, obras de teatro, artículos no compilados y un temprano libro de poemas, sigue siendo principalmente reconocido por su único libro, considerado uno de los clásicos por excelencia del siglo XX.
Una de las adaptaciones teatrales de Golding es «La mariposa de latón», basada en su relato «El enviado especial». Situada en la Roma del siglo III d.C., esta obra puede ser interpretada como una pieza de carácter satírico o como un relato de ciencia ficción, ya que presenta como posibles invenciones tres artefactos extemporáneos: la máquina de vapor, los proyectiles y la imprenta.
Esta fábula es divertida e ingeniosa, llena de ironía y perspicacia. En ella se confrontan la ciencia y la religión, y el choque entre el mundo antiguo y el moderno sirve como metáfora del progreso.
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LA NOCHE DE LA IGUANA
Tennessee Williams (1911-1983), reconocido autor de obras de teatro intensas y tormentosas, es uno de los dramaturgos fundamentales del siglo XX. Sus obras, como «Un tranvía llamado deseo», «La gata sobre el tejado de zinc» o «De repente el último verano», se han popularizado gracias a sus inolvidables adaptaciones cinematográficas.
En sus obras, Williams aborda temas impregnados de una fuerte y latente tensión sexual. Sin embargo, el enfoque de su atención no se centra únicamente en las circunstancias sociales de los personajes o en su destino predeterminado, sino que se adentra en el análisis de los sentimientos, presentándolos como el enigma principal al que se enfrenta el ser humano.
En «La noche de la iguana», probablemente su obra más destacada, Williams nos presenta a un inolvidable grupo de personajes varado fuera de temporada en un ruin hostal a orillas del Pacífico. En esta obra, los personajes devanan y entremezclan sus respectivas madejas de deseos y necesidades, ofreciendo un asombroso retrato colectivo de la desolación y de la resistencia al abandono.
La obra de Tennessee Williams continúa siendo relevante y emocionante para el público actual, gracias a su habilidad para explorar la complejidad de las emociones humanas y su capacidad para crear personajes inolvidables.
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LA ROSA TATUADA
Una de las piezas ineludibles dentro de la producción de Tennessee Williams es su famosa obra «Un tranvía llamado Deseo». Este clásico del teatro estadounidense nos sumerge en el turbulento mundo de Blanche DuBois, una mujer complicada y enigmática que lucha por encontrar su lugar en una sociedad machista y opresiva.
La historia se desarrolla en Nueva Orleans, donde Blanche llega a casa de su hermana Stella y su cuñado Stanley. A medida que avanza la trama, nos adentramos en los oscuros secretos de Blanche y en su relación conflictiva con Stanley, un hombre rudo y violento.
La obra aborda temas como la sexualidad, la locura, el deseo y la decadencia de la sociedad sureña. Williams utiliza un lenguaje poético y cargado de simbolismo para explorar la complejidad de los personajes y sus relaciones.
«Un tranvía llamado Deseo» es una obra teatral que ha dejado una huella imborrable en la historia del teatro. Su impacto se debe en gran medida a la brillante interpretación de los actores, especialmente Marlon Brando en el papel de Stanley. Su actuación intensa y visceral le valió el reconocimiento y la admiración del público y la crítica.
Además de su éxito en el escenario, «Un tranvía llamado Deseo» también fue llevada al cine en 1951, en una adaptación dirigida por Elia Kazan. La película fue aclamada por su fidelidad a la obra original y por las poderosas actuaciones de Vivien Leigh como Blanche y Marlon Brando como Stanley.
En resumen, «Un tranvía llamado Deseo» es una obra maestra que nos sumerge en las profundidades de la psicología humana y nos confronta con los conflictos y las pasiones que nos definen como seres humanos.
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LA ROSA TATUADA (CATALAN) (edición en catalán)
En una pequeña población del norte de América, en la comunidad siciliana, Serafina delle Rose aguarda la llegada de su esposo, un transportista. Sin embargo, pronto descubriremos que su esposo no regresará…
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LA SANG DE LES PROMESES (edición en catalán)
Identidad, exilio, desarraigo, memoria, búsqueda de los orígenes, responsabilidad y violencia marcan con hierro candente la obra de Mouawad. La sangre de las promesas nos habla del momento en que nos damos cuenta de que ese sentimiento sobre el cual nos hemos construido es una mentira. Y nos pregunta qué somos, cuánto horror somos capaces de sufrir e infligir, y si hay esperanza a pesar del dolor.
La sangre de las promesas nos conduce a una catarsis a partir del mito y los dramas de nuestro tiempo.
Baptiste Liger, Lire – «Una experiencia lectora fascinante y terriblemente poderosa.»
José Carlos Sorribas, El Periódico – «Mouawad nunca se queda corto. Sus obras son más grandes que la vida; por ambición, complejidad, escritura deslumbrante, épica y aura poética.»
Imma Fernández, El Periódico – «Un impresionante fresco del desarraigo y la memoria.»
Javier Vallejo, El País – «Mouawad reinventa la tragedia. Recuerden este nombre. Cualquier elogio le quedaría como una llamarada o como un traje raído.»
Marcos Ordóñez, Babelia / El País – «Palabras mayores, intensas sacudidas emocionales y estéticas. Una obra que busca y crea belleza.»
Mª José Ragué, El Mundo – «Una tragedia lírica y poderosísima sin concesiones.»
Joaquim Armengol, El Punt Avui – «Dura, intensa, exigente, ambiciosa.»
Jordi Balló, La Vanguardia – «Una de las experiencias más vibrantes y perturbadoras de la literatura contemporánea.»
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LA TENTACION; JUAREZ Y MAXIMILIANO
El escritor Franz Werfel, nacido en Praga en 1890, fue un fugitivo del terror nazi por ser judío y por poeta decadente, adscrito tradicionalmente a la corriente literaria del expresionismo. En 1937, sin saber que él podría llegar a ser uno de los beneficiarios, había suscrito la creación de lo que hoy día se llamaría un «fondo colaborativo» para el mantenimiento del numeroso grupo de escritores alemanes que había caído bajo la proscripción de los ideólogos nazis. En 1938, tras la anexión alemana de Austria, huyó a Francia para posteriormente exiliarse en los Estados Unidos.
En «La tentación», ahonda en lo subjetivo trasladándose a un plano simbólico en el que se establecen diálogos con las fuerzas cósmicas, y huye de lo social en busca de esa segunda y auténtica realidad. Por otro lado, «Juárez y Maximiliano», drama histórico, conserva la verdad histórica de forma fidedigna para reconstruir los hechos del corto episodio de los Habsburgo en México y plasmarlos en su pieza teatral.
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LAS BACANTES: VACAS LECHERAS HOLSTEIN
Nos encontramos ante una versión rebelde y audaz de Las bacantes de Eurípides. En esta reescritura, el escenario se traslada al salón de una casa en un lugar indeterminado de la actualidad japonesa. A lo largo de la obra, desfilan varios personajes: una ama de casa amante de los happening bars, una bestia surgida de la inseminación artificial realizada por la mujer, el coro atormentado compuesto por las almas de las vacas lecheras, e incluso un perro papillón adquirido por capricho.
La autora, Satoko Ichihara, ha optado por utilizar únicamente actrices para dar vida a estos personajes. A través de largos monólogos, recuerdos, diálogos desconcertantes y los cantos del coro, pone en tela de juicio el discurso patriarcal y antropocéntrico en relación a la sexualidad y la reproducción. Incluso se cuestionan las creencias éticas y morales de la mayoría de la sociedad.
