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(PE) ARTE MODERNO Y CONTEMPORANEO: 75 OBRAS MAESTRAS EN DETALLE
y la historia detrás de una obra de arte puede abrir una nueva perspectiva y profundizar nuestra apreciación.
El arte moderno y contemporáneo abarca una amplia gama de estilos y expresiones artísticas que desafían las convenciones tradicionales. Desde el expresionismo abstracto hasta el pop art, cada movimiento artístico tiene su propia historia y mensaje.
Es importante tener en cuenta que, a veces, las obras de arte moderno pueden parecer confusas o desconcertantes a primera vista. Sin embargo, al tomar el tiempo para examinarlas de cerca, podemos descubrir detalles fascinantes y significados ocultos.
La reinterpretación de una obra de arte también puede ser una experiencia enriquecedora. Al regresar a una exposición o galería, podemos notar aspectos que nos habían pasado por alto anteriormente. El cambio de perspectiva y la evolución personal pueden permitirnos apreciar aún más la complejidad y la belleza del arte contemporáneo.
La reflexión y el escrutinio son fundamentales para desentrañar el significado de una obra de arte. Preguntarse sobre el propósito del artista, las técnicas utilizadas y el impacto emocional que nos provoca puede ayudarnos a profundizar en nuestra conexión con la obra.
Además de analizar la obra en sí misma, es importante considerar el contexto histórico y cultural en el que fue creada. ¿Qué eventos o tendencias influenciaron al artista? ¿Cuál era el mensaje social o político que quería transmitir? Estas preguntas nos permiten apreciar el arte como una expresión de su tiempo y como una forma de comunicación humana.
En resumen, el arte moderno y contemporáneo es una oportunidad para expandir nuestros horizontes y abrir nuestra mente a nuevas formas de expresión. Al revisitar y reconsiderar las obras, nos damos la posibilidad de descubrir capas más profundas de significado y apreciar la creatividad y la visión del artista. Así que, la próxima vez que te encuentres frente a una obra de arte, tómate el tiempo para explorarla y entenderla en toda su complejidad.
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1900-1930 DEL ARTE EN CUBA: EL DIBUJO
Del Arte en Cuba. El dibujo. 1900-1930 es el tercer volumen de la serie publicada por la Dra. Llilian Llanes, dedicada al estudio de las artes plásticas en Cuba durante su etapa de independencia. Anteriormente, la autora abordó la enseñanza y la escultura. En esta ocasión, se centra en el papel del dibujo en la configuración de una nueva sensibilidad estética en el país.
El dibujo encontró en la prensa ilustrada el principal espacio de circulación y el medio para examinar la sociedad de la época. En este libro, profusamente ilustrado, se analiza la obra de los artistas que convivieron en ese periodo, ofreciendo una amplia visión del contexto local y universal en el que se desarrolló el camino hacia la modernidad en el arte cubano.
Según el pintor y escritor cubano Aldo Menéndez, este libro ofrece precisiones históricas y una literatura clara, fácil y comprensible. Examina tanto el arquetipo cultural que representaba París en ese momento como el ascenso de Estados Unidos como paradigma de prosperidad, cambio y modernidad.
La autora recopila citas, testimonios y relatos de protagonistas, así como opiniones de contemporáneos que revelan la psicología, el temperamento, las actitudes y el talento de estos artistas, quienes abrazaron los conceptos vanguardistas y rechazaron el tradicionalismo.
Después de la publicación de este libro, será inadmisible pasar por alto la labor de los dibujantes que marcaron pautas en la escena artística cubana de 1900 a 1930. La Dra. Llilian Llanes exige un reconocimiento definitivo para ellos.
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A POOR COLLECTOR S GUIDE TO BUYING GREAT ART (edición en inglés)
El mercado del arte de hoy en día es increíblemente dinámico. Hay tantas obras, exposiciones y exhibiciones fascinantes para elegir y nuevas galerías se abren todo el tiempo. Debido a que hay tanto por descubrir y ver, muchas personas se están interesando en coleccionar arte. Pero como es imposible estar al tanto de todos los avances, convertirse en coleccionista de arte no es fácil. A Poor Collector’s Guide to Buying Great Art brinda alivio y ofrece consejos sólidos a aquellos que desean comprar arte pero no saben cómo o dónde hacerlo. Pueden tener preferencias en términos de estilos o técnicas, pero no están familiarizados con cómo funciona el proceso de compra. Tal vez ya tengan piezas específicas en mente pero aún no confían en las reglas del mercado del arte, si es que realmente existen. ¿Qué necesita saber alguien para evitar que sus gustos personales los lleven a tomar decisiones de inversión equivocadas?
En su camino para convertirse en un apasionado coleccionista de arte, el aventurero noruego Erling Kagge tuvo que aprender estas reglas y responder a esta misma pregunta. Sus años como alpinista y visitante de ambos polos sin duda le ayudaron a explorar y evaluar los extremos del mercado del arte. Afortunadamente para nosotros, su experiencia también le dio el deseo y las habilidades para transmitir su conocimiento a otros en A Poor Collector’s Guide to Buying Great Art. Este libro ilumina todos los aspectos de convertirse en un experto en la compra de arte que uno disfrutará durante muchos años, como cómo comenzar, cómo tomar en serio los propios gustos, cómo hacer una búsqueda específica de piezas, cómo aprender a evaluar precios y cómo encontrar socios confiables. La orientación práctica pero entretenida paso a paso de Kagge también incluye formas de identificar y evitar trampas y tentaciones engañosas. Como atleta extremo, sabe muy bien cómo seguir las reglas pero confiar en su instinto donde cuenta. Este conocimiento ha beneficiado a Kagge en el mercado del arte y ahora beneficiará a todos los lectores de A Poor Collector’s Guide to Buying Great Art también.
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ALHAMBRA DI GRANADA (ED. DELUXE) (ITALIANO) (edición en italiano)
El Palacio de la Alhambra, considerado como un símbolo de poder político y militar en el Reino de Granada, fue la residencia oficial de los Sultanes Nasridas durante los siglos XIII al XV. Los monarcas deseaban reflejar la grandeza de la cultura islámica a través de la construcción de magníficos palacios y jardines.
Este anhelo se materializó en una imponente fortaleza que se destacó por su refinamiento artístico y su exuberante decoración, convirtiéndose en el principal referente de la arquitectura hispano-musulmana. Cada rincón de la Alhambra respira historia y belleza, atrayendo a visitantes de todo el mundo que quedan maravillados por su majestuosidad.
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ALMACEN: EL LUGAR DE LOS INVISIBLES
Sumérgete en un universo completamente nuevo en esta exposición que se presenta como un paisaje artístico. Aquí se exhiben alrededor de 300 esculturas y objetos artísticos, algunos de ellos nunca antes vistos y guardados en el almacén del museo. Este lugar, que en la imaginación del público evoca una bodega oscura y una reserva de tesoros secretos, es en realidad un universo paralelo de arte que abarca desde la Edad Media hasta el siglo XVIII, con estilos y formatos variados.
Esta muestra inmersiva ofrece a los visitantes una experiencia única, gracias a una instalación escénica que permite contemplar las obras de una manera nueva, íntima y libre. Hasta el momento, estas piezas eran invisibles para el público, pero ahora cobran vida para responder a los interrogantes sobre el significado del museo, su colección, sus enigmas, paradojas y metas.
La exposición se articula en torno a principios de libre juego e imaginación formal, explorando las posibilidades de la fabricación en serie y la multiplicidad escultórica. Además, se presentan contrapuntos basados en dualismos, tales como el suelo y el cielo, y recursos utilizados por los escultores para reflejar disociaciones espaciales.
‘Almacén. El lugar de los invisibles’ desafía las convenciones expositivas tradicionales y las jerarquías académicas al permitir que los espectadores contemplen las obras desde una nueva perspectiva, dando protagonismo a artistas anónimos, fragmentos dispersos y singularidades que normalmente quedan en la sombra.
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ARTE DEL SIGLO XIX
El XVI Curso de la Cátedra Goya de la IFC, celebrado en octubre de 2012, fue un evento lleno de aprendizaje y conocimiento. Durante esta edición, se impartieron varias lecciones que dejaron una huella duradera en los asistentes.
Una de las lecciones destacadas fue la importancia de la creatividad en el arte. Los expertos destacaron cómo la originalidad y la innovación son elementos esenciales para destacarse en el mundo artístico. Además, se enfatizó la importancia de la experimentación y el atrevimiento para romper barreras y explorar nuevas formas de expresión.
Otra lección importante fue la necesidad de conocer la historia del arte. Los ponentes hicieron hincapié en la importancia de estudiar y comprender las obras de los grandes maestros, ya que esto proporciona una base sólida para el desarrollo artístico. Además, se destacó cómo el arte del pasado puede influir y enriquecer la creatividad contemporánea.
Además, se abordó la importancia de la técnica en el arte. Los expertos compartieron sus conocimientos sobre diferentes técnicas y materiales, y cómo su dominio puede potenciar la expresión artística. Se hizo hincapié en la práctica constante y la dedicación para perfeccionar las habilidades técnicas.
Por último, se discutió la relevancia de la crítica constructiva en el desarrollo artístico. Los asistentes aprendieron a recibir y utilizar el feedback de manera positiva, comprendiendo que la crítica puede ser una herramienta valiosa para el crecimiento personal y profesional.
En resumen, el XVI Curso de la Cátedra Goya de la IFC fue un evento enriquecedor que dejó importantes lecciones sobre la creatividad, la historia del arte, la técnica y la crítica constructiva. Estas enseñanzas son fundamentales para todo aquel que desee adentrarse en el mundo del arte y desarrollar su propio estilo único.
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ARTE EN TIEMPOS DE GUERRA
Las XIV Jornadas Internacionales de Historia del Arte, celebradas en el Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC en 2008, exploraron el impacto del conflicto en el arte bajo el título «Arte en tiempos de guerra». Durante el evento, se expusieron diversas investigaciones que analizaron cómo la creación artística se ve influenciada por los eventos bélicos, demostrando que el arte no puede escapar de su entorno y se ve profundamente afectado por las situaciones de guerra y los conflictos socio-políticos.
El estudio se enfocó en cómo la guerra ha repercutido en el arte, los artistas y el patrimonio en general. El análisis se dividió en tres secciones temáticas que abordaron diferentes aspectos de esta relación compleja: La imagen de la guerra, El artista y la guerra, y La guerra y el patrimonio artístico.
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ARTE ESCRITA
En el arte del último siglo, el entrecruzamiento de texto, imagen y mujeres ha permitido abrir nuevas líneas de reflexión sobre la historia del arte contemporáneo. Este libro ofrece una serie de ensayos que examinan este encuentro desde la perspectiva de los estudios de género.
La primera parte de la obra se centra en el estudio del encuentro entre el lenguaje visual y escrito en las creaciones de artistas vanguardistas como Marianne Moore, Claude Cahun, Ketty La Rocca y las artistas de diversos colectivos feministas italianos de la década de los setenta. Este análisis revela la riqueza y complejidad de la interacción entre texto e imagen en estas obras.
La segunda parte del libro aborda la relación entre el arte y la literatura a través del estudio de figuras como la lectora, la escritora y la espectadora, así como la presencia de la mujer en la publicidad. Se explora cómo estas figuras influyen en la construcción de significados en el ámbito artístico y cultural.
Finalmente, la obra incluye dos ensayos visuales que demuestran la aplicación de obras lingüístico-visuales por parte de artistas pertenecientes a un grupo de investigación. Este ejercicio revela cómo la palabra y la imagen se convierten en el fundamento de la búsqueda de nuevas formas de expresión de la subjetividad femenina, desafiando las representaciones culturales dominantes y construyendo relatos alternativos sobre la historia del arte del último siglo.
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ARTE TRANSGRESOR
Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales.
En estas páginas encontrará fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepción y el legado de 50 obras transgresoras.
Desde Las bañistas (1853), de Gustave Courbet, hasta la Fuente (1917), de Marcel Duchamp, Antropometría sin título (1960), de Yves Klein, La cena (1974-1979), de Judy Chicago, pasando por el Cristo del pis (1987), de Andres Serrano, y El amor está en la papelera (2018), de Banksy. Aquí hallará egos enormes, feministas ortodoxas, reclusos superdotados, espiritistas, anticonsumistas, activistas, satíricos y mucho más.
Al contar la historia del arte contemporáneo a través de obras que fueron verdaderamente disruptivas y explicar el contexto en el que se creó cada una, este libro pone de relieve la esencia del arte contemporáneo. Cuestiona y desafía las expectativas de forma constante. Como dijo Pablo Picasso: «Todo acto de creación es, ante todo, un acto de destrucción».
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ARTE Y CULTURA DE INDIA: PENINSULA DEL INDOSTAN, HIMALAYA Y SUDES TE ASIATICO: DE LA A A LA Z
Enciclopedia del Arte Indio:
Una guía esencial para entender la riqueza artística de la India.
Esta enciclopedia, estructurada como un diccionario, presenta 488 entradas detalladas sobre el arte indio tanto en la península del Indostán como en otros lugares del mundo.
Diseñada para estudiantes e investigadores, esta obra proporciona el contexto y las referencias necesarias para comprender cada término, al mismo tiempo que despierta la curiosidad por descubrir nuevas perspectivas.
Con el viajero y el lector principiante en mente, se incluyen topónimos y datos específicos que facilitan la inmersión en el fascinante mosaico cultural de la India.
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ARTE, MAGIA E ILUSIÓN
El presente análisis se centra en el estudio de la influencia y repercusión de los fenómenos asociados a las ilusiones ópticas cognitivas y fisiológicas en diversas producciones visuales, como el arte, el diseño, la arquitectura, el cine o la moda, entre otros.
Se ha establecido que las ilusiones ópticas no solo afectan la transmisión de la información, sino también el propio mensaje visual. Estos fenómenos condicionan la interacción entre la imagen y los procesos perceptivos, determinando qué mecanismos se ponen en juego.
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ARTES Y ARTISTAS
Antes de la Primera Guerra Mundial, la obra de Picasso ya era aceptada y coleccionada en la capital checa. Este temprano interés se debió en gran parte al coleccionista y teórico del arte Vincec Kramár, quien fue uno de los primeros en reconocer el valor del trabajo del artista español. Además, muchos artistas checos que visitaron París en los inicios del cubismo quedaron fascinados por la obra de Picasso y contribuyeron a difundirla en Praga.
Este interés por la obra de Picasso se mantuvo a lo largo de los años, incluso durante el periodo de la Segunda Guerra Mundial. A pesar de las dificultades y los conflictos políticos, las obras del artista continuaron siendo valoradas y admiradas en la capital checa. Durante el régimen comunista, casi todas las obras de Picasso que se encontraban en Praga fueron transferidas a la Galería Nacional, donde se conservan hasta el día de hoy.
En 1960, Vincec Kramár decidió donar su colección de obras de Picasso a la Galería Nacional de Praga. Esta donación fue de gran importancia, ya que permitió que el conjunto de los «Picassos de Praga» se convirtiera en una de las colecciones más importantes del mundo. Estas obras son clave para el estudio del período cubista y continúan siendo objeto de admiración y estudio por parte de expertos y amantes del arte en todo el mundo.
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ARTISTAS: SU VIDAS Y SUS OBRAS
Artistas. Sus vidas y sus obras es una increíble exploración de más de 80 artistas famosos y sus fascinantes vidas. Este increíble libro narra las inspiradoras historias detrás de las obras más famosas del mundo y sus creadores, incluyendo sus influencias, amistades y rivales.
Descubre las vidas de artistas tan icónicos como Raphael, Hogarth, Van Gogh, Warhol y Kiefer. Cada artista cuenta con una biografía ilustrada a todo color que revela sus obras visionarias, sus técnicas y también las personalidades que los convirtieron en leyendas.
Artistas. Sus vidas y sus obras es el regalo ideal para los amantes del arte, tanto jóvenes como adultos. Es una mirada única y fascinante a las vidas de estos creadores, que sin duda dejará una impresión duradera en quienes lo lean.
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ATLAS ILUSTRADO. ARTE AFRICANO
Todas las vertientes del arte han tenido y tienen en África una expresión auténtica y original. Este arte no está hecho para ser contemplado desde fuera, sino que es una expresión íntima de sus habitantes, que ellos viven desde su interior, porque conocen su significado.
Este arte no busca el retrato, ni la anécdota ni el detalle, sino lo que esa figura representa y simboliza. No es un objeto de adorno, sino que cumple una función social.
Este libro ilustrado es un acercamiento a este arte. Es una ventana que nos permite adentrarnos en la riqueza cultural y simbólica de las creaciones artísticas africanas. A través de sus páginas, descubriremos los distintos estilos y técnicas utilizadas en la escultura, la pintura y la cerámica, entre otras manifestaciones artísticas.
Las obras de arte africanas nos hablan de la historia y la tradición de sus pueblos. Cada figura, cada máscara, cada objeto tiene su propio significado y nos revela aspectos de la vida cotidiana, las creencias y los rituales de las diferentes culturas africanas.
En este libro, podremos apreciar la belleza y la fuerza de estas obras, así como su profundo simbolismo. A través de las imágenes y las descripciones, nos sumergiremos en la esencia del arte africano, comprendiendo su importancia y su impacto en la sociedad africana.
Desde las esculturas de madera hasta las coloridas pinturas rupestres, cada página de este libro nos invita a explorar y apreciar la diversidad y la originalidad del arte africano.
Además, encontraremos información sobre los artistas y los contextos culturales en los que se desarrollaron estas creaciones. Así, podremos comprender mejor el significado y la trascendencia de cada obra de arte.
En definitiva, este libro ilustrado nos acerca a un universo artístico único y fascinante. Nos invita a descubrir y valorar la autenticidad y la originalidad del arte africano, así como a reflexionar sobre la importancia del arte como expresión cultural y social.
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BAUHAUS WEIMAR: DESIGN FOR THE FUTURE (edición en inglés)
En abril de 1919, Walter Gropius fundó la Bauhaus en Weimar, Alemania. Hasta 1925, año en que se trasladó a Dessau, este fue el lugar de encuentro para una amplia gama de ideas a menudo contradictorias, utopías y experimentos que formaron la base de la reputación de la institución. Con más de 400 ilustraciones, este libro muestra los logros de la Bauhaus de Weimar, siendo la primera vez que se les da una cobertura tan extensa en una publicación. El enfoque principal se centra en las obras destacadas de los estudiantes de todos los talleres, desde los estudios en el famoso curso introductorio impartido por Johannes Itten, hasta los bocetos de diseño que se han convertido en clásicos en la actualidad.
Otra sección está dedicada a las importantes colecciones de la Bauhaus de Weimar, especialmente la colección autorizada del mundo en las Kunstsammlungen zu Weimar, que contiene más de 8000 exhibiciones. Por último, se dan vida a los «lugares originales» de la Bauhaus en Weimar, como los edificios de la escuela de arte de Henry van de Velde y el monumento de Walter Gropius a los que murieron en la Revolución de 1848. Gracias a la gran cantidad de material, parte de cual se publica por primera vez en este libro, emerge un mundo colorido y pluralista que contradice la idea común de una sola Bauhaus.
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BLANCO
El color blanco, como lo conocemos, solo existe en nuestra percepción. Es inútil buscarlo, ya que no se puede encontrar. En cambio, debemos encontrar la forma de sentir la blancura. A través de este proceso, nos daremos cuenta de que hay diferentes tonalidades de blanco que no percibimos normalmente.
En la cultura japonesa, podemos encontrar una sorprendente diversidad de blancuras. Finalmente, entenderemos palabras como «silencio» o «espacio vacío» y seremos capaces de distinguir los significados ocultos que contienen.
A medida que nos sumerjamos en la comprensión del blanco, nuestro mundo se volverá más brillante y las sombras más notables.
Kenya HARA
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BREVE HISTORIA DEL ARTE
Una nueva y revolucionaria introducción al mundo del arte occidental, que aborda de manera exhaustiva los movimientos, estilos y aportes más destacados desde la prehistoria hasta nuestros días. Se realizan análisis en profundidad de las obras de arte más influyentes creadas por los artistas más revolucionarios, explorando los temas, materiales y métodos utilizados por ellos. Además, se explora una amplia variedad de invenciones, ideas, influencias y enfoques de artistas de todas las épocas.
Esta innovadora introducción ofrece un análisis detallado de cincuenta obras clave, que van desde las pinturas rupestres de Lascaux hasta las instalaciones contemporáneas, estableciendo conexiones con los movimientos artísticos más importantes, los temas más relevantes y las técnicas más destacadas utilizadas en el arte.
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BREVE HISTORIA DEL NEOCLÁSICO
Con Breve historia del Neoclásico, conocerá de forma rigurosa y amena los grandes acontecimientos políticos, económicos y sociales que marcaron el inicio de la Edad Contemporánea. Este periodo fue testigo del fin del Antiguo Régimen, la primera Revolución Industrial, la independencia de las colonias de América, la Revolución Francesa, el imperio napoleónico y la guerra de la Independencia en España.
Además, en esta obra también se explorará el desarrollo del arte Neoclásico, que surgió influenciado por el pensamiento ilustrado y el redescubrimiento de las ruinas de la Antigüedad Clásica. Este movimiento artístico se extendió rápidamente por toda Europa y el continente americano.
Paralelamente, se analizará la pintura de un genio universal, Francisco de Goya, cuya obra impresionante se desarrolló en el contexto neoclasicista de la segunda mitad del siglo XVIII y trascendió tanto en el ámbito cronológico como artístico durante toda la centuria siguiente.
Este libro es imprescindible para obtener una información completa y detallada sobre los primeros tiempos de la Edad Contemporánea, momentos de gran trascendencia cultural e histórica que marcaron el origen de las formas de gobierno liberal y democrático.
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CALIPHS AND KINGS: THE ART AND INFLUENCE OF ISLAMIC SPAIN (edición en inglés)
Esta exhibición trae por primera vez a Washington aproximadamente noventa objetos de la colección de la Hispanic Society of America en Nueva York. Enfatizando los temas de longevidad, continuidad y transmisión en las artes decorativas y ciencias islámicas de la España medieval, la exhibición presenta obras que datan desde la época de la conquista árabe de la Península Ibérica en el siglo VIII hasta la fase final de la vida musulmana en España en el siglo XVI.
Objetos de Córdoba del siglo X ilustran la creación de una estética de corte única bajo el califato omeya que fue ampliamente copiada tanto por gobernantes musulmanes como cristianos en los siglos siguientes. Obras posteriores muestran la cultura ecléctica, estética, intelectual y política que resultó de las conquistas cristianas en los siglos XI al XV de las ciudades de al-Andalus (España musulmana).
Durante los siglos XIV y XV, artesanos musulmanes trabajando tanto en el Reino musulmán de Granada como para patrocinadores cristianos, la Corona, la nobleza y la Iglesia, y ocasionalmente patrocinadores judíos en ciudades como Sevilla, Toledo, Córdoba y Valencia, produjeron algunas de las cerámicas y textiles más hermosos y evocadores de la época. Estos objetos fueron exportados por toda Europa y sirvieron como modelos para las industrias de la seda y la cerámica en regiones como la península italiana.
Obras de particular relevancia incluyen una píxide de marfil del siglo X de Madinat al-Zahra (Córdoba), una alfombra armorial del siglo XV de Letur (Murcia) hecha para María de Castilla, reina de Aragón, y dos exquisitas Biblias hebreas iluminadas del siglo XV.
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CAMPUS: IMAGENES DE LA JUSTICIA
La Fundación Arte Viva Europa y la Comunidad de Madrid se han unido para presentar una nueva exposición educativa en la Real Fábrica de Tapices. Hasta finales del mes de marzo, los visitantes podrán disfrutar de «Campus. Imágenes de la Justicia», un apasionante recorrido por la historia de la justicia como órgano regulador del comportamiento humano.
Rogelio Pérez-Bustamante, Catedrático de Historia del Derecho de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, ha sido el encargado de idear esta exposición, que cuenta con más de cien imágenes diferentes. A través de ellas, se exploran los distintos aspectos de la justicia a lo largo del tiempo.
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CARLOS V Y LAS ENSEÑANZAS UNIVERSITARIAS. PATRIMONIO Y MEMORIA HISTORICA
La obra del emperador Carlos V en el ámbito educativo fue de gran importancia durante su gobierno. Uno de sus proyectos destacados fue la creación de la Universidad de Granada, a la que se sumaron las fundaciones de las universidades de Lima y México. Además, el emperador también intervino en instituciones educativas ya establecidas, como Salamanca, Zaragoza y Alcalá de Henares. Incluso se encargó de dotar de edificios a centros como el de Barcelona, y mostró preocupación por otras instituciones docentes tanto en la península ibérica como en América, que en conjunto formaban el sistema educativo de la monarquía. Esto incluía, por supuesto, los territorios del Sacro Imperio Romano Germánico.
El propósito de este libro es reivindicar la obra del emperador Carlos V a través de los elementos visuales, especialmente al identificar los bienes artísticos y materiales que aún existen como testigos de su legado. Contamos con la participación de expertos en la historia de las diversas universidades y colegios que funcionaron en esa época, quienes nos brindan un relato histórico riguroso y valoran los objetos y significados culturales relacionados con el monarca.
Con esta obra, deseamos contribuir a la importancia que representa para Granada y para la historia educativa la celebración de los quinientos años de la Real Cédula del emperador, la cual estableció la fundación de la universidad en 1526. También queremos destacar la Bula del papa Clemente VII en 1531, que sentó las bases para la construcción de nuestra Universidad.
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CARTAS DE LOS ARTISTAS: DE LEONARDO DA VINCI A DAVID HOCKNEY
Una cautivadora colección de reflexiones y misivas cuidadosamente seleccionadas, escritas por grandes artistas, te espera. Este tesoro está organizado temáticamente y abarca notas y mensajes sobre el amor, el trabajo, la vida cotidiana, el dinero, los viajes y el proceso creativo.
Las cartas se presentan en su estado original, junto con sus transcripciones. Además, se incluyen datos de fondo que nos brindan información y nos sitúan en el contexto de cada carta. Algunas de estas joyas literarias ocupan varias páginas, y se han conservado errores ortográficos y signos de puntuación poco convencionales o incluso ausentes, con los mínimos aportes editoriales entre corchetes.
En las transcripciones, encontrarás membretes hechos a mano o impresos, que añaden un toque especial a cada carta. Salvador Dalí, Frida Kahlo, Michelangelo Buonarroti, Vincent van Gogh, Rembrandt van Rijn, Andy Warhol, Marina Abramović, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, David Hockney, Yayoi Kusama, Henry Moore, Gustav Klimt y Georgia O’Keeffe son solo algunos de los numerosos artistas incluidos en esta fascinante colección.
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CATEDRALES
Descubre las historias desconocidas que se esconden tras los grandes templos de España. ¿Sabías que en la catedral de Sevilla reposa un enorme cocodrilo disecado? ¿O que el Papamoscas de Burgos no es el único de su especie? ¿Y qué decir del Santo Grial, custodiado en la catedral de Valencia? ¿O que el arquitecto de la catedral de Granada es considerado el Miguel Ángel español?
Hoy en día, solemos contemplar los imponentes templos de las ciudades españolas como museos silenciosos e impolutos, pero esta percepción dista del verdadero propósito de estas magníficas construcciones. Las catedrales no solo eran lugares dedicados a Dios, sino también espacios de encuentro, negocios, diversión para los más pequeños y auténticas extensiones techadas de las calles y plazas de las ciudades.
Miguel Sobrino nos invita a adentrarnos en una fascinante narración biográfica de veinticinco catedrales españolas más destacadas, a través de ilustraciones únicas realizadas por él mismo. En su relato, se reivindica el valor humano de estos monumentos, los cuales siguen transformando el horizonte de las ciudades que los albergan, demostrando que la realidad de las catedrales es mucho más cautivadora que su leyenda.
Este libro incluye más de 400 ilustraciones inéditas que te sumergirán en un viaje único por la historia y los secretos de estos impresionantes templos.
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CATHARES: LA TERRE ET LES HOMMES (edición en francés)
Un episodio trágico en la formación de la unidad francesa fue la represión de la herejía cátara, que dejó una profunda marca en la historia. Este oscuro capítulo, ilustrado con fotografías de ciudades, fortalezas y paisajes del país cátaro, merece un análisis detallado.
La herejía cátara se extendió por el sur de Francia en los siglos XI y XII, desafiando la autoridad de la Iglesia Católica. Los cátaros creían en un dualismo radical, considerando que el mundo material era obra del diablo y buscaban la liberación espiritual a través del rechazo de los placeres terrenales.
Esta creencia desafió directamente la doctrina católica y pronto se convirtió en una amenaza para la Iglesia y la corona francesa. La respuesta fue una brutal represión que buscaba eliminar a los cátaros y erradicar su herejía de la región.
Las fotografías de las ciudades cátaras muestran los vestigios de un pasado glorioso pero también destrucción, evidencia de los violentos enfrentamientos que tuvieron lugar. Las fortalezas, una vez impenetrables, ahora son ruinas deterioradas que nos recuerdan la brutalidad de aquellos tiempos.
Los paisajes del país cátaro también cuentan una historia triste. Los campos y montañas que alguna vez fueron testigos de la vida y la resistencia cátara ahora evocan la tragedia de una comunidad perseguida y diezmada.
Este episodio de represión y persecución religiosa fue un hito en la formación de la unidad francesa, pero también un recordatorio de la crueldad humana. Las fotografías capturan tanto la belleza del país cátaro como la sombra de su trágico pasado.
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COLLECTING MURILLO IN BRITAIN AND IRELAND (edición en inglés)
ogiando su talento. Murillo se convirtió en uno de los pintores más reconocidos de su época, y su influencia perdura hasta nuestros días.
Nacido en Sevilla, Murillo comenzó su carrera artística como aprendiz de un pintor local. Pronto demostró su habilidad y pasión por el arte, lo que le llevó a perfeccionar su técnica y desarrollar su propio estilo único.
Sus obras se caracterizan por la representación de temas religiosos y la exaltación de la belleza humana. Murillo tenía la capacidad de capturar la ternura y la emotividad en sus pinturas, lo que le valió el apodo de «el pintor de los ángeles».
Uno de sus cuadros más famosos es «La Inmaculada Concepción», donde retrata a la Virgen María rodeada de ángeles y con una expresión de serenidad y pureza. Esta obra maestra ha sido admirada y estudiada por generaciones de artistas y amantes del arte.
Murillo también se destacó en la pintura de escenas de la vida cotidiana, retratando a niños mendigos y campesinos con gran realismo y sensibilidad. Sus cuadros transmiten la humanidad y la dignidad de los personajes representados, mostrando un profundo compromiso social.
A lo largo de su carrera, Murillo recibió numerosos encargos de la Iglesia y de clientes privados, lo que le permitió vivir cómodamente y consolidar su reputación como uno de los grandes maestros del arte barroco.
Desafortunadamente, la vida de Murillo fue truncada prematuramente por una caída de un andamio mientras trabajaba en una comisión importante. Aunque su muerte fue una gran pérdida para el mundo del arte, su legado perdura a través de sus obras y su influencia en generaciones de artistas.
Hoy en día, las pinturas de Murillo se exhiben en museos de todo el mundo y continúan cautivando a quienes las contemplan. Su habilidad para transmitir emociones a través de sus pinceladas y su atención al detalle siguen siendo una fuente de inspiración para los artistas contemporáneos.
En resumen, Bartolomé Esteban Murillo fue un pintor excepcional cuyo talento y estilo únicos lo convirtieron en una figura destacada en la historia del arte. Su legado perdura hasta nuestros días, y su contribución al mundo del arte no puede ser subestimada.
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CONCEPTOS FUNDAMENTALES DE LA HISTORIA DEL ARTE
La historia del arte se basa en conceptos fundamentales que permiten ordenar y conceptualizar la gran cantidad de hechos y datos que surgen en su estudio y evolución a lo largo del tiempo. Uno de los críticos más destacados en este campo es Heinrich Wölfflin, un crítico suizo del siglo XIX que se dedicó a realizar un análisis comparativo entre obras del Renacimiento y del Barroco.
Wölfflin llegó a la conclusión de que existen diferencias fundamentales entre estos dos estilos artísticos, las cuales formuló en pares de conceptos contrapuestos. Estas diferencias se reflejan en aspectos como lo lineal frente a lo pictórico, lo superficial frente a lo profundo, la forma abierta frente a la cerrada, la pluralidad frente a la unidad y la claridad absoluta frente a su atenuación como intento de concentrar y dirigir la percepción.
Estas diferencias no solo caracterizan el estilo personal de un artista, sino también el estilo de una época en particular. De esta manera, Wölfflin intentó establecer las pautas para una historia del arte que permita seguir la génesis de la visión moderna en todas sus manifestaciones, ya sea en la pintura, escultura, decoración o arquitectura.
El enfoque analítico de Wölfflin en su estudio del arte lo convierte en un libro clásico y de utilidad permanente. Su capacidad para proporcionar un entrenamiento en el análisis artístico no solo es valioso para los estudiosos del arte, sino también para aquellos que desean aprender a disfrutar de él.
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CUBISM AND ITS LEGACY: THE GIFT OF GUSTAV AND ELLY KAHNWEILER (edición en inglés)
Jennifer Mundy presenta un volumen que examina la formación de la colección Kahnweiler, proporcionando reproducciones a todo color de obras de artistas como Braque, Glis, Klee y Picasso.
Este volumen nos sumerge en el fascinante mundo de la colección Kahnweiler, ofreciendo una visión detallada de cómo se formó y qué artistas formaron parte de ella. Las reproducciones a todo color de las obras de Braque, Glis, Klee y Picasso nos permiten apreciar la belleza y la diversidad de estilos presentes en esta colección.
El libro nos guía a través del proceso de selección de las obras y nos muestra cómo Kahnweiler fue capaz de identificar y apoyar a artistas talentosos antes de que se convirtieran en reconocidos maestros del arte moderno. Sus decisiones audaces y su visión única le permitieron reunir una colección que se convertiría en un hito en la historia del arte.
Las reproducciones a todo color nos permiten apreciar la calidad y el detalle de las obras, sumergiéndonos en los colores vibrantes y las pinceladas audaces de Braque, Glis, Klee y Picasso. Cada página nos revela una nueva obra maestra, con su propia historia y mensaje.
Este volumen es una ventana al mundo del arte moderno y a la visión de un coleccionista visionario. Nos invita a explorar y apreciar las obras de artistas que han dejado una huella imborrable en la historia del arte. Sin duda, es una lectura obligada para cualquier amante del arte y para aquellos interesados en descubrir las historias detrás de las obras maestras.
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CULTURAL TREASURES OF THE WORLD: FROM THE RELICS OF ANCIENT EMPIRES TO MODERN-DAY ICONS (edición en inglés)
Embárcate en un recorrido guiado a través de la historia y descubre los objetos más preciosos, icónicos y celebrados jamás creados.
Reverenciados, admirados y protegidos, cada país y cultura tiene ciertos artefactos que son valorados por encima de todos los demás. Tesoros Culturales del Mundo reúne más de 200 de estos objetos, explorando las fascinantes y únicas historias detrás de cada uno de ellos.
Desde el Busto de Nefertiti hasta las Bronces de Benín, y las pinturas de la cueva de Altamira hasta los Girasoles de Van Gogh, estos artefactos y obras de arte son venerados por su belleza, artesanía o significado histórico, y a menudo los tres a la vez. Descubre cómo y por qué fueron creados, desentraña los significados ocultos y la simbología que contienen, y aprende sobre el legado cultural que han dejado atrás.
Entonces, ¿qué estás esperando? Sumérgete en este impresionante libro de historia del arte para explorar:
- Un enfoque de «visita visual» inmersiva, que combina fotografías impresionantes con un texto y anotaciones accesibles
- Casillas de información sobre influencias culturales, simbolismo y técnica que ofrecen contexto adicional
- Cubre una amplia gama de regiones, períodos y medios, incluyendo escultura, pintura, joyería, tapicería, arte rupestre, documentos, objetos sagrados y más
Un tesoro de la creatividad humana que ofrece una perspectiva fresca e inolvidable sobre civilizaciones y sociedades, Tesoros Culturales del Mundo es el regalo perfecto para amantes de galerías y museos, y viajeros de sofá en todas partes. Además de ser un gran libro de mesa de café, Tesoros Culturales del Mundo combina fotografías impresionantes con anotaciones detalladas para resaltar los elementos clave de técnica, artesanía y simbolismo, lo que convierte a este libro en un museo perfecto para cualquier persona interesada en el arte, la historia y la cultura por igual.
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DE BRONZINO A GIAQUINTO: PINTURA ITALIANA EN EL MUSEO CERRALBO
Catálogo de la exposición que se llevará a cabo en el Museo Cerralbo. Esta exhibición muestra una parte esencial de los tesoros del museo: la impresionante colección de pintura italiana. Esta colección está compuesta por aproximadamente cien obras de arte y es la segunda escuela pictórica más representada en el museo, después de la española.
La pintura italiana en el Museo Cerralbo es una muestra fascinante de talento y creatividad. Los visitantes podrán maravillarse con las obras de destacados artistas italianos, tales como Tintoretto, Procaccini, Bronzino, Muziano, Niccolo dell’Abate y Giaquinto. Estos maestros del pincel han dejado su huella en la historia del arte y su legado perdura en estas magníficas pinturas.
La colección de pintura italiana es un tesoro invaluable que ofrece una visión fascinante de la rica tradición artística de Italia. Cada obra de arte es una ventana al pasado, permitiéndonos apreciar la maestría técnica y el deslumbrante uso del color que caracteriza a la pintura italiana.
Desde los vibrantes paisajes hasta los retratos llenos de vida, la colección de pintura italiana en el Museo Cerralbo ofrece una experiencia visualmente cautivadora. Los visitantes podrán sumergirse en la belleza de estas obras maestras y descubrir la variedad de estilos y temas que abarca la pintura italiana.
Esta exposición es una oportunidad única para apreciar la excelencia artística de la pintura italiana y sumergirse en la historia y la cultura de este gran país. No te pierdas la oportunidad de explorar esta magnífica colección en el Museo Cerralbo y dejarte cautivar por la belleza eterna de la pintura italiana.
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DEL TALLER AL BAZAR: EL PROCESO DE PRODUCCION ARTISTICA
La relación entre el Arte y la Ciencia ha sido siempre compleja y antigua. Sin embargo, en la actualidad, esta relación enfrenta nuevos desafíos debido a la crisis de las epistemes correspondientes. Es en este contexto que surge este libro, el cual se originó a partir de unas conferencias realizadas en la Fundación Canis Majoris.
El objetivo principal de este libro es explorar los múltiples anclajes y derivaciones del Trabajo del Arte y del Trabajo de la Ciencia. Si bien su enfoque se dirige hacia un conocimiento crítico de la Salud Mental y sus diversos problemas, este horizonte no es exclusivo.
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DEL TALLER AL MUSEO
El siglo XVII en Galicia fue testigo de la construcción de varios edificios de gran importancia histórica y arquitectónica. Entre ellos, destaca el claustro de Santa María de Melón, cuya lectura integral revela detalles únicos de su diseño y simbología.
El Convento de Santo Domingo de Lugo también fue escenario de importantes obras durante esta época. La influencia de la arquitectura barroca se refleja en cada rincón de esta construcción, mostrando la destreza de los artesanos de la época.
Otro ejemplo notable es la majestuosa fachada de la iglesia del Convento de la Encarnación de la Orden de la Merced Descalza en Santiago de Compostela. Este imponente edificio combina elementos renacentistas y barrocos, creando una obra única que cautiva a todos los que la visitan.
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DESAFIO A LA ESTABILIDAD: PROCESOS ARTISTICOS EN MEXICO, 1952-193 7
Esta investigación multidisciplinaria busca establecer una conexión entre la diversidad de las artes visuales y los procesos económicos y sociales en México entre 1952 y 1967.
En las décadas de los cincuenta y sesenta, se vivió un acelerado proceso de modernización que convivió con un gran dinamismo en el campo cultural. En el ámbito artístico, esta época se conoce como la «Ruptura», término que simbolizó la producción pictórica que rompió con el muralismo mexicano.
Esta investigación muestra la multiplicidad de expresiones artísticas en la modernidad mexicana, destacando la creación de nuevas instituciones educativas y el surgimiento de espacios y manifestaciones culturales alternativas.
Este es el segundo volumen y la segunda exposición que continúa la investigación iniciada en 2008 con «La era de la discrepancia» sobre el arte mexicano contemporáneo.
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DICCIONARIO DE CONCEPTOS DE ARTE
El mundo del arte contemporáneo internacional se ha diversificado enormemente en las últimas décadas, con una amplia gama de posiciones y corrientes que han surgido. Esta proliferación ha generado un desafío tanto para los especialistas como para aquellos que no son expertos en la materia, al intentar navegar por los conceptos y teorías específicos del arte.
Para abordar esta complejidad, el presente diccionario se presenta como una herramienta invaluable para orientar al lector en este vasto terreno. Sus descripciones e interpretaciones concisas ofrecen una visión general del arte contemporáneo y de los debates que lo rodean, permitiendo una comprensión más profunda y accesible para todos los interesados en el arte actual.
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DICCIONARIO DE ICONOGRAFIA Y ARTE CRISTIANO
La iconografía y el arte cristiano forman parte de un vasto patrimonio de la humanidad, principalmente asociado al arte occidental. Este diccionario, concebido como una herramienta analítica y sintética, tiene como objetivo ofrecer una lectura histórico-crítica actualizada y relevante del arte cristiano.
Esta obra se convierte en una pieza más de un mosaico de obras que presentan de manera sistemática las figuras y expresiones del pensamiento cristiano desde sus inicios hasta la actualidad. El enfoque del análisis se centra en las obras de arte, desde los objetos litúrgicos más pequeños hasta las grandes edificaciones destinadas al culto.
No obstante, este diccionario no se limita únicamente al aspecto artístico, sino que también aborda aspectos teológicos, la vida de la comunidad eclesial, las reformas litúrgicas del siglo XX, así como la historia del arte y del cristianismo.
En conjunto, esta obra ofrece una visión global y abierta a diversas y novedosas interpretaciones de la expresión artística de la fe cristiana.
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DICCIONARIO DE TERMINOS DE ARTE
Luis Montreal y Tejada, historiador y tratadista de la Real Academia de Buenas Letras de Barcelona, ha creado un magnífico diccionario basándose en el prestigioso diccionario de arte de Reginald Haggar. Este diccionario incluye el rico vocabulario español e hispanoamericano, así como los conceptos convenientes de otras disciplinas humanísticas vinculadas al Arte.
Este libro no es solo un buen instrumento de trabajo para profesionales y galeristas interesados en cuestiones de arte, sino también una lectura interesante para estudiantes, profesores y aficionados a cualquier actividad artística.
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DICCIONARIO ILUSTRADO DE LA MUERTE
Desde tiempos antiguos, la muerte ha sido fuente de curiosas costumbres y tradiciones. Los habitantes de la isla de Delos tenían la práctica de afeitarse la cabeza en señal de duelo por la muerte de sus seres queridos, y el luto no terminaba hasta que sus cabellos crecían nuevamente a su longitud habitual. El guardia del cementerio marino de Sète enseñó a su perro a acompañar a los visitantes hasta la tumba de Paul Valéry, mientras que el emperador Adriano ordenó la muerte de su arquitecto por saber más que él de arquitectura. Por otro lado, los indios de la Guayana consumían un licor hecho con la ceniza de sus difuntos.
A lo largo de la historia, la muerte ha inspirado una amplia variedad de anécdotas, datos curiosos y extravagancias. Desde diferentes argots, epitafios, jurisdicciones y últimas palabras, hasta rituales, condenas, alegorías y tradiciones, se ha formado una rica constelación de elementos en torno a este tema. Este diccionario recopila una extensa selección de términos relacionados con la muerte, que abarcan campos tan diversos como la filosofía, el arte, la antropología, la demografía y la moral.
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DIOS LO VE
Un inclasificable elogio al acto creativo que aborda cuestiones tan heterogéneas como inconciliables: del toreo de Curro Romero a las metopas del Partenón. ¿Para qué ojos fueron creadas las enormes siluetas de Nazca? ¿Por qué los grandes creadores se empeñan en resolver aspectos de sus obras que ningún ser humano puede valorar?
Con una mirada irónica, polémica y apasionada, el autor analiza este misterioso fenómeno a través de las obras maestras de la arquitectura, la pintura, el cine, la jardinería, los toros y el teatro. Deduce que sus autores actuaron como si sus trabajos pudieran ser observados por un ser superior. Y concluye: en vista del sopor que el agnosticismo contemporáneo es capaz de producir, ¿no sería mejor hacer «como si» Dios existiera y pudiera juzgar nuestras obras?
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DISPUTAS SOBRE LO CONTEMPORANEO: ARTE ESPAÑOL ENTRE EL ANTIFRANQUISMO Y LA POSTMODERNIDAD
Disputas sobre lo contemporáneo es un libro que analiza el arte contemporáneo español como un campo de tensiones. En este campo, diferentes agentes como instituciones, críticos, historiadores, comisarios y artistas, compiten por legitimidad, prestigio y poder.
Para establecer una posición en este campo, es necesario tener un relato. En otras palabras, cualquier posicionamiento requiere una narrativa histórica sólida que defina una línea de acción y otorgue funciones al arte en la sociedad actual.
A través de una serie de casos de estudio, este libro examina algunos de los principales discursos que han moldeado interpretaciones del arte español. Es importante destacar que existen otras voces y programas, pero estos casos han sido fundamentales para valorar la producción artística del pasado, legitimar la del presente y orientar la del futuro.
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DOCUMENTOS 4 DE LA PINTURA VALENCIANA MEDIEVAL (edición en valenciano)
En el inicio del año 1413, la ciudad de Valencia comenzaba los trámites para la organización de la entrada triunfal de Ferran d’Antequera como rey recién entronizado, a raíz del Compromiso de Caspe. El resultado de esa actividad es el libro que aquí se transcribe, donde se anotan los gastos generados por las festividades que la ciudad dedicó a solemnizar la visita real.
Se trata de un volumen voluminoso, conservado en el Archivo Municipal de Valencia, dedicado íntegramente a los asuntos de la recepción del rey y su familia. Este libro de cuentas presenta una ordenación sencilla pero minuciosa, que sigue día a día los gastos en salarios de los artesanos que trabajaban en los decorados, carros triunfales o vestuarios. Esto permite acercamientos tanto al mundo artesanal de una gran urbe medieval, como a cuestiones de simbolismo político y de protocolo, y a la evolución misma de las artes escénicas.
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EL ARTE DE INDIA
La visión general de la creación artística en India que se presenta en este libro va más allá de los periodos hindú e islámico. Se considera como un continuo que se extiende desde la prehistoria hasta nuestros días. De esta manera, las diferentes expresiones artísticas se entienden no como elementos aislados, sino como parte de un contexto amplio que permite comprender todas sus características distintivas y sus múltiples niveles de significado.
Este libro se convierte en una referencia fundamental para cualquier persona interesada en conocer y profundizar en una de las culturas más antiguas del planeta, que ha mantenido su relevancia hasta la actualidad. Ofrece una perspectiva completa y detallada de las diversas manifestaciones artísticas que han surgido en India a lo largo de su historia.
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EL ARTE DE LA MODERNIDAD: ESTRUCTURA Y DINAMICA DE SU EVOLUCION D E GOYA A BEUYS
El autor tiene una comprensión profunda de la evolución artística de la modernidad, la cual considera como un proceso continuo e interconectado. En lugar de ver el arte moderno como un fenómeno aislado, el autor lo vincula constantemente con sus condiciones socio-históricas y psicológicas.
En su obra, el autor dedica varios capítulos a explorar la evolución política, científica y cultural de los siglos XIX y XX. A medida que discute estos aspectos, también analiza la estructura y el dinamismo psíquicos que fundamentan el proceso creativo. De manera clara y convincente, el autor expone los procesos involucrados en la creación artística.
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EL CONJUNTO PALACIEGO DE LOS CONDES DE ARANDA EN LA VILLA DE EPIL A
El estudio del conjunto palaciego de los condes de Aranda en la villa de Épila es abordado en este libro desde un punto de vista histórico y artístico. Este recinto monumental, compuesto por el palacio condal y el convento de la Purísima Concepción, tiene sus raíces en el bajo medievo, pero se configuró como tal durante el segundo cuarto del siglo XVII.
En esa época, se llevó a cabo la creación del convento y una profunda reforma del palacio, lo que lo convierte en uno de los conjuntos de arquitectura civil y religiosa más relevantes de Aragón en ese siglo. Este conjunto destaca por su carácter innovador, ya que introdujo tempranamente algunas de las características propias del modelo palacial barroco y se vinculó con soluciones arquitectónicas cortesanas innovadoras.
El palacio condal y el convento de la Purísima Concepción han sido testigos de diversos acontecimientos a lo largo de los siglos. Desde comienzos del siglo XV hasta la primera década del siglo XXI, han sido testigos mudos de la historia y del arte que los rodea.
Este libro busca explorar y dar a conocer la importancia de este conjunto palaciego, tanto desde un punto de vista histórico como artístico. A través de una cuidadosa investigación, se analizan los detalles arquitectónicos, los estilos y las influencias que marcaron su construcción y evolución a lo largo del tiempo.
Se pretende también resaltar la relevancia de este conjunto en el contexto de la arquitectura aragonesa y su contribución al desarrollo de nuevas tendencias estilísticas. Además, se profundiza en la relación entre el palacio condal y el convento de la Purísima Concepción, y cómo su interacción dio lugar a una simbiosis única entre la arquitectura civil y religiosa.
En definitiva, este libro constituye una mirada detallada y completa al conjunto palaciego de los condes de Aranda en la villa de Épila. A través de sus páginas, se descubrirán los secretos y maravillas de este lugar histórico y artístico que ha dejado una huella imborrable en la historia de Aragón.
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EL DRAGO EN EL JARDIN DEL EDEN: LAS ISLAS CANARIAS EN LA CIRCULACION TRANSATLANTICA DE IMAGENES EN EL MUNDO IBERICO, SIGLOS XVI-XVII
EL DRAGO EN EL JARDN DEL EDEN LAS ISLAS CANARIAS EN LA CIRC es un libro de la colección FUERA COLECCION, escrito por el autor MASON, PETER y publicado por IBEROAMERICANA VERVUERT. Este libro cuenta con un código de ISBN 978-84-8489-350-9.
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EL GUSTO FRANCES
La exposición El gusto francés tiene como objetivo abordar una deuda pendiente: el análisis de la presencia del arte francés en nuestro territorio a lo largo de un período prolongado, que fue de gran influencia recíproca e interrelación entre ambos países durante los siglos XVII, XVIII y XIX.
Este proyecto se plantea de manera transversal, ya que combina aspectos de la historia del gusto con elementos de la historia del coleccionismo. Además, se entrelaza con otras disciplinas colaterales, como el estudio de las relaciones diplomáticas, los fenómenos de hibridación cultural y el análisis de la construcción de las identidades nacionales.
Desde el punto de vista estrictamente material, la muestra no establece límites y busca explorar la evolución de un cierto gusto a través de diversos territorios creativos, tales como la pintura, la escultura, los textiles, las artes suntuarias, objetos de uso cotidiano y la moda.
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EL LEGADO ARTISTICO ASIATICO: THE ASIAN ART LEGACY (BILINGUE)
El legado artístico asiático escrito en inglés y español es una obra que reúne el conocimiento y los comentarios de un grupo de expertos en sus respectivos campos. Estos investigadores, directores de museos, conservadores y especialistas, nos brindan una visión única sobre los tesoros culturales y artísticos creados en diferentes regiones de Asia.
Dentro de este compendio, encontramos información valiosa sobre las expresiones artísticas de la India, Tíbet, China, el Sudeste Asiático, Corea y Japón. Cada uno de estos lugares tiene una rica tradición artística y cultural que ha dejado una huella indeleble en la historia.
Los expertos nos llevan de la mano a través de las distintas manifestaciones artísticas de estos países, desde las pinturas y esculturas hasta la arquitectura y las artes decorativas. Con su experiencia y conocimiento, nos permiten apreciar la belleza y la importancia de estas obras maestras.
La diversidad de estilos y técnicas presentes en el legado artístico asiático es fascinante. Desde los delicados trabajos en porcelana china hasta las intrincadas pinturas de la India, cada cultura tiene su propio lenguaje artístico y una forma única de expresarse.
Además de explorar las diferentes formas de arte, los expertos también nos ofrecen su visión sobre el contexto histórico y cultural en el que estas obras fueron creadas. Esto nos ayuda a comprender mejor el significado y el valor cultural que poseen.
El legado artístico asiático escrito en inglés y español es un tesoro de conocimiento y una invitación a sumergirnos en la riqueza cultural de Asia. A través de sus páginas, podemos descubrir la historia y la belleza de estas creaciones artísticas que han resistido el paso del tiempo.
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EL MECENAZGO DE LOS DUQUES DE MONTPENSIER
EL MECENAZGO DE LOS DUQUES DE MONTPENSIER es un libro del autor Manuel Rodríguez Diaz, editado por ARCO-LIBROS. Este interesante libro explora el mecenazgo de los Duques de Montpensier, una familia noble con un gran legado cultural.
El libro ofrece un análisis detallado del mecenazgo artístico y cultural llevado a cabo por los Duques de Montpensier a lo largo de su historia. Se examinan las numerosas obras de arte y proyectos culturales que patrocinaron, así como su impacto en la sociedad de la época.
Una de las características destacadas de este libro es su enfoque multidisciplinario. El autor combina la investigación histórica con el análisis de obras de arte, documentos y testimonios de la época para brindar una visión completa del mecenazgo de los Duques de Montpensier.
El código ISBN de EL MECENAZGO DE LOS DUQUES DE MONTPENSIER es 978-84-7635-971-6. Este número identifica de manera única esta obra, facilitando su búsqueda y adquisición en librerías y bibliotecas.
En resumen, EL MECENAZGO DE LOS DUQUES DE MONTPENSIER es un libro fascinante que arroja luz sobre el mecenazgo artístico y cultural de una familia noble. Su enfoque multidisciplinario y su exhaustiva investigación hacen de este libro una lectura imprescindible para aquellos interesados en la historia del mecenazgo y el arte.
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EL PARAISO A PINCELADAS
Eduardo Barba, autor de El jardín del Prado, nos invita a un fascinante viaje a través de la pintura de jardines. Estos mágicos espacios verdes nos conectan de manera íntima con la naturaleza y, como auténticas obras de arte vivas, representan uno de los medios culturales más sofisticados de cada época. Cada jardín, desde el antiguo Egipto hasta nuestros días, encierra una concepción del mundo y es un mundo en sí mismo.
En esta ocasión, Barba nos revelará su pasión por el arte y la jardinería al descubrirnos las diferentes plantas que adornan estos jardines. Con la mirada de un jardinero apasionado, nos brindará un enfoque único y cautivador sobre la interacción entre el arte y la naturaleza en estas creaciones.
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EL PATRIMONIO CULTURAL
El presente compendio de estudios tiene como objetivo principal abordar los desafíos actuales en relación a la conservación de los bienes patrimoniales. A través de una exhaustiva investigación, se busca ofrecer nuevas perspectivas y soluciones innovadoras para su aplicación en diversos ámbitos de la sociedad.
La preservación del patrimonio cultural y natural es un tema de gran relevancia en nuestros días. La rápida evolución de la sociedad y los constantes cambios en el entorno plantean nuevos desafíos para su conservación. Es por ello que se ha llevado a cabo este compendio de estudios, con el fin de proporcionar respuestas y alternativas a los retos que enfrentamos en la actualidad.
En este compendio, se abordan diferentes aspectos relacionados con la conservación de los bienes patrimoniales. Se analizan las mejores prácticas en la gestión de sitios históricos, monumentos arquitectónicos y áreas naturales protegidas, con el objetivo de garantizar su preservación a largo plazo.
Asimismo, se exploran las nuevas tecnologías y herramientas digitales que pueden ser utilizadas en la conservación del patrimonio. Desde la digitalización de documentos históricos hasta la implementación de sistemas de monitoreo remoto, se presentan diversas soluciones innovadoras que pueden contribuir a la protección y difusión del patrimonio cultural y natural.
Otro aspecto importante que se aborda en este compendio es el papel de la sociedad en la conservación del patrimonio. Se destaca la importancia de la participación ciudadana y la educación en la promoción de una cultura de preservación. Se presentan ejemplos de proyectos comunitarios que han logrado involucrar a la población en la protección y puesta en valor de su patrimonio local.
En resumen, este compendio de estudios ofrece una visión integral y actualizada sobre la conservación de los bienes patrimoniales. A través de su lectura, se podrá adquirir conocimientos fundamentales y nuevas perspectivas que contribuirán a la protección y difusión de nuestro patrimonio cultural y natural, así como a su aplicación en diversos ámbitos de la sociedad.