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CONCEPTOS FUNDAMENTALES DEL LENGUAJE ESCULTORICO
En este texto se abordan temas como el análisis del tiempo y del movimiento, la forma, el espacio, la materia y los problemas del lenguaje y la comunicación presentes en todos los campos artísticos. Estos temas nos invitan a reflexionar sobre nuestra pertenencia a un mundo que percibimos en volumen, una experiencia preciosa que a veces debemos «reconocer».
La colección que presentamos consta de una serie de tratados y manuales que abarcan los diversos conocimientos necesarios para los estudios universitarios de Bellas Artes. Estos materiales han sido adaptados para cumplir con las exigencias de los planes educativos establecidos en la Unión Europea.
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LLUIS XIV VESTIT DE REI. L ESCAPÇAMENT DEL COS MISTIC (edición en catalán)
En el invierno de 1685, surge una nueva disputa en el seno de la Petite Academie. Se trata de las inscripciones que deben acompañar a las pinturas de la Grand Galerie en el Palacio de Versalles (hoy conocida como la Galería de los Espejos). Las inscripciones redactadas por Charpentier y publicadas en el Mercure Galant no han gustado en absoluto a Racine y Boileau. Bajo una mirada actual, son muchas las cosas que pueden resultar sorprendentes. La Francia de Luis XIV supone la culminación de un proceso ya visible a finales del siglo XV, pero también inaugura un nuevo orden que se manifiesta en la literalidad del signo.
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INVESTIGACIÓN DOCUMENTACIÓN INNOVACIÓN ARTE ACTUAL VOL. 1
sta una estética más contemporánea y vanguardista.
Durante la década de los sesenta, la experimentación tecnológica tuvo un impacto revolucionario en el Arte. Los artistas comenzaron a explorar nuevas formas de expresión utilizando las últimas tecnologías disponibles. Esta nueva forma de crear arte rompió con las convenciones tradicionales y abrió las puertas a una era de creatividad sin límites.
La influencia de la experimentación tecnológica se hizo evidente tanto en la figura del artista como en el método creativo. Los artistas dejaron de ser vistos como meros creadores y se convirtieron en científicos del arte. Utilizaron la tecnología como una herramienta para explorar nuevas ideas y conceptos, desafiando las barreras tradicionales del arte.
La estética clásica también experimentó un cambio significativo durante este período. Los modelos de tradición idealista y romántica fueron reemplazados por una estética más contemporánea y vanguardista. Los artistas adoptaron un enfoque más experimental y comenzaron a utilizar materiales y técnicas no convencionales en su trabajo.
La experimentación tecnológica permitió a los artistas explorar nuevas formas de representación y comunicación. Utilizaron medios como la fotografía, el video y el arte digital para transmitir sus ideas de una manera innovadora. Estas nuevas formas de arte desafiaron las nociones tradicionales de belleza y estética, abriendo un nuevo mundo de posibilidades creativas.
En conclusión, la experimentación tecnológica durante la década de los sesenta tuvo un impacto transformador en el Arte. Cambió la forma en que los artistas se concebían a sí mismos y revolucionó el método creativo. Además, esta experimentación llevó a una evolución en la estética clásica, adoptando una perspectiva más contemporánea y vanguardista. Este período marcó el comienzo de una nueva era de creatividad y exploración artística.
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PINTURAS PECULIARES, ESCULTURAS EXTRAVAGANTES Y OTRAS CURIOSIDADES DE LA HISTORIA DEL ARTE
El arte es una expresión única de la creatividad humana, capaz de cautivar y sorprender a quienes lo contemplan. En este sentido, existe una vertiente del arte que se adentra en lo curioso y estrafalario, explorando temas y técnicas fuera de lo común.
En la exposición «El enigma de la Mona Lisa desnuda, El artista que pintó el fondo marino, Los ángeles mosqueteros del Nuevo Mundo, Los misteriosos retratos de hombres en llamas o La legión de hombres lobo del Ejército romano», se reúnen más de cien obras magníficas seleccionadas por su sorprendente belleza, rareza y las cautivadoras historias que las rodean.
En esta muestra, tesoros oscuros y olvidados comparten espacio con obras maestras reconocidas, todas ellas con historias secretas que contar. Desde frescos medievales sobre el Juicio Final hasta esculturas que parecen gritar, pasando por manuscritos mágicos y arquitectura imposible, cada obra es un tesoro por descubrir.
Entre las rarezas artísticas se encuentran santos con cabeza de perro y el primer retrato de un caníbal. Además, se exhiben obras de arte robadas, marginales, fantasmales y vengativas. También hay muestras de arte pintado en el fondo del mar, así como escandalosas falsificaciones y engaños. El arte de los sueños y pesadillas también tiene su lugar, al igual que las pinturas crípticas que aún esperan ser descifradas.
Desde el arte rupestre prehistórico hasta los retratos pintados mediante inteligencia artificial, este libro se basa en una profunda investigación y una abundante variedad de imágenes que sorprenden en cada página. En última instancia, esta obra pretende rendir homenaje al infinito poder y la creatividad de la imaginación humana en el ámbito artístico.
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PINTURA EN DANZA. LOS ARTISTAS ESPAÑOLES Y EL BALLET (1916-1962)
Este libro aborda un análisis exhaustivo de la trayectoria de los artistas plásticos españoles en el ámbito de la danza, abarcando un periodo que va desde 1916 hasta 1962. La obra se encuentra estructurada en tres períodos fundamentales: la Edad de Plata, la Guerra Civil española y el exilio de 1939.
En cada uno de estos períodos, se vislumbra una rica y destacada producción artística que pone de manifiesto el arduo trabajo llevado a cabo en redes creativas interdisciplinarias. Estas redes se basaban en el constante intercambio entre las artes plásticas y las artes escénicas, generando una fusión única y enriquecedora.
La Edad de Plata, primer período analizado en el libro, se caracterizó por una efervescencia artística sin igual. Durante este tiempo, los artistas plásticos españoles encontraron en la danza un medio de expresión idóneo para explorar nuevas formas de representación y experimentar con diferentes técnicas. Este período sentó las bases para la evolución de la danza española en las décadas posteriores.
La Guerra Civil española, por su parte, supuso un punto de quiebre en la historia del arte español. A pesar de las dificultades y la adversidad, los artistas plásticos encontraron en la danza una vía de escape y una forma de resistencia. A través de sus obras, lograron transmitir sus vivencias y emociones, dejando un legado artístico que captura la esencia de aquellos tiempos turbulentos.
El exilio de 1939 marcó un antes y un después en la vida de muchos artistas españoles. En busca de nuevas oportunidades y libertades, estos talentosos individuos llevaron consigo su pasión por la danza y su deseo de seguir creando. En tierras extranjeras, lograron difundir el arte español de la modernidad y la vanguardia a nivel internacional, dejando una huella imborrable en la historia del arte.
En resumen, este libro nos invita a adentrarnos en el fascinante mundo de la danza española entre 1916 y 1962, explorando las diferentes etapas que marcaron su evolución. A través de sus páginas, descubriremos la importancia de las redes creativas interdisciplinarias, que permitieron el florecimiento de una producción artística única y trascendental en el siglo XX.
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ONDE VIVE A ARTE NA AMERICA LATINA / WHERE ART LIVES IN LATIN AMERICA (edición en inglés)
El arte contemporáneo ha evolucionado de diversas maneras en los últimos años, y el libro que presentamos tiene como objetivo explorar las diferentes formas en que se expone y muestra en la actualidad. Ya no es solo en los museos tradicionales donde se puede apreciar el arte, sino que han surgido otros formatos que han revolucionado la manera de pensar y hacer arte contemporáneo.
En las últimas décadas, han surgido nuevas instituciones y espacios que se han convertido en referentes para el desarrollo del arte contemporáneo en América Latina y en el mundo. Estas incluyen fundaciones, residencias artísticas, espacios de arte independiente y parques de esculturas, entre otros.
El libro ofrece al lector una selección de 35 de estos espacios en América Latina. Cada uno de ellos representa una forma única de pensamiento y vanguardia en el arte contemporáneo latinoamericano. A través de imágenes de cada espacio y entrevistas exclusivas con los directores y curadores, el libro nos sumerge en estas instituciones ineludibles y originales.
Estos lugares son verdaderos polos de pensamiento y vanguardia, que no solo representan el estado del arte en la región, sino que también influyen en el panorama artístico global. Son espacios donde se exploran nuevas ideas, se promueven diálogos y se presentan obras de artistas contemporáneos de renombre.
El libro nos invita a sumergirnos en estos espacios y descubrir la riqueza y diversidad del arte contemporáneo latinoamericano. Cada página nos acerca a una experiencia única, repleta de creatividad y reflexión.
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EL CAMÍ DELS OCELLS (edición en catalán)
La pau espiritual del satori se alcanza a menudo con los pasos más pequeños. La esencia suele esconderse en gestos diminutos. Este delicado libro, dirigido a pequeños y grandes, señala la manera de emprender el vuelo a través de once meditaciones bellamente ilustradas.
Ona Cepero es la ganadora del último Premio Eva Toldrà de Ilustración, galardón que elige anualmente el mejor proyecto de final de carrera entre todas las escuelas de arte y diseño del país. Este año celebramos el décimo aniversario del premio, que con obras como «La sombra de la Dora», «La respuesta silenciosa» o «Cartografía anatómica de las legendarias islas corpóreas», reivindica el talento emergente y valora la excelencia académica de los ilustradores del futuro.
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ICONOGRAFIA DEL ARTE CRISTIANO: INTRODUCCION GENERAL
Resumen del índice:
Prefacio.
Introducción.
Primera parte: La iconografía de la biblia:
– Las fuentes de la iconografía bíblica.
– El simbolismo universal.
– La evolución de la iconografía bíblica.
Segunda parte: La iconografía de los santos:
– El reclutamiento de los santos.
– La formación de las leyendas hagiográficas.
– El culto a los santos.
– Las imágenes de los santos.
– Las etapas del arte cristiano moderno.
Índice de nombres.
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CARAVAGGIO: REALISM, REBELLION, RECEPTION (edición en inglés)
Este volumen considera el «realismo» revolucionario de Caravaggio desde una variedad de perspectivas, presentando nuevas vías de investigación por parte de una pluralidad de destacados académicos. En primer lugar, avanza en nuestra comprensión de la relación de Caravaggio con la «nueva» ciencia de la observación defendida por Galileo. En segundo lugar, examina de nuevo la naturaleza teórica y los medios artísticos del «realismo» aparentemente directo de Caravaggio. En tercer lugar, amplía los horizontes de la investigación sobre el complejo entorno intelectual y social de Caravaggio entre las culturas alta y baja.
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BALTASAR LOBO
a elegancia de las formas.
Baltasar Lobo, nacido en Zamora en 1910, es ampliamente reconocido como el escultor más destacado de su ciudad natal y uno de los más destacados del siglo XX a nivel internacional. Su obra, caracterizada por su estilo único y su enfoque en la figura humana, ha dejado un legado duradero en el mundo del arte.
A lo largo de su carrera, Lobo rompió con los estilos academicistas predominantes de su época y se centró en crear esculturas que capturaran la esencia de la figura humana en movimiento. Su enfoque en la simplicidad y la elegancia de las formas le permitió crear obras que transmiten una sensación de equilibrio y armonía.
La obra de Lobo se destaca por su capacidad para representar la belleza y la fragilidad de la forma humana. Sus esculturas, en su mayoría de pequeño formato, transmiten una sensación de delicadeza y serenidad. A través de la suavidad de los contornos y la suavidad de las líneas, Lobo logra dar vida a sus figuras, capturando momentos de gracia y movimiento.
Además de su enfoque en la figura humana, Lobo también exploró temas como la maternidad, la familia y la feminidad. Sus esculturas de madres con sus hijos o de parejas en abrazos amorosos reflejan una profunda sensibilidad hacia las relaciones humanas y la conexión emocional.
A lo largo de su carrera, Lobo recibió numerosos reconocimientos y premios por su trabajo. Sus esculturas se exhiben en museos y galerías de todo el mundo, y su legado perdura en la memoria de aquellos que aprecian su enfoque único y su talento innato.
Baltasar Lobo, con su estilo distintivo y su enfoque en la figura humana dinámica, dejó una huella imborrable en el mundo del arte. Su obra continúa inspirando a artistas y amantes del arte en todo el mundo, y su legado perdurará como uno de los grandes escultores del siglo XX.
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RECONSTRUCCION DEL CORO PETREO DEL MAESTRO MATEO
El coro del Maestro Mateo, una obra de gran importancia para el patrimonio artístico internacional, fue construido alrededor del año 1200. Sin embargo, lamentablemente fue demolido en 1603. A pesar de esto, muchas de sus piezas fueron aprovechadas en diferentes obras, tanto dentro de la misma Catedral como en otros lugares.
Algunas de estas piezas fueron utilizadas como simple material de construcción, mientras que otras tuvieron un carácter ornamental. Destacan especialmente las figuras que decoran la fachada de la Puerta Santa, así como las que se encuentran en el Museo Catedralicio y el Museo Arqueológico Nacional.
Afortunadamente, a lo largo del tiempo se han ido recuperando muchas de las esculturas y fragmentos escultóricos que formaron parte del Coro. Estos hallazgos sucesivos han animado el deseo de reconstruir, en la medida de lo posible, esta obra tan significativa.
Investigadores y académicos ilustres ya habían manifestado su deseo de preservar el coro, evitando así su pérdida definitiva. Gracias a estos esfuerzos, se ha logrado rescatar parte de la historia y la belleza artística que representa el coro del Maestro Mateo.
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RETRATO EN LAS COLECCIONES REALES
La colección destaca por la importancia del género retratístico, el cual se comprende fácilmente al considerar que los grandes artistas de cada época han sido reconocidos retratistas de la Monarquía Española. Esto ha llevado a que las magníficas obras de estos pintores excepcionales formen parte de los fondos de Patrimonio Nacional.
En esta exposición, se podrán apreciar las creaciones de reconocidos artistas como Juan de Flandes, Sánchez Coello, Rubens, Velázquez, Goya, Sorolla, Dalí y Antonio López. Cada uno de ellos ha dejado una huella imborrable en el mundo del arte con sus habilidades para capturar la esencia y la personalidad de sus modelos en sus retratos.
La presencia de Juan de Flandes en la exposición nos permite disfrutar de la delicada belleza y la maestría técnica de sus obras. Sus retratos transmiten una sensación de realismo y detalle excepcional, capturando la vida y la personalidad de sus sujetos.
Sánchez Coello, por su parte, se distingue por su elegancia y refinamiento en la representación de la nobleza española. Sus retratos reflejan la sofisticación y la distinción de sus modelos, dejando una huella imborrable en la historia del arte.
La presencia de Rubens en la exposición nos transporta a un mundo lleno de energía y vitalidad. Sus retratos exhiben una fuerza y una dinamicidad que atrapa la atención del espectador, revelando su habilidad para capturar la esencia y la personalidad de sus sujetos.
Velázquez, uno de los pintores más reconocidos de la historia del arte, nos deleita con su maestría en el género retratístico. Sus obras transmiten una profundidad emocional y una perfección técnica incomparables, convirtiéndolo en uno de los grandes maestros de la pintura.
Goya, por su parte, nos sorprende con su estilo único y su capacidad para capturar la esencia de sus modelos. Sus retratos reflejan la psicología y las emociones de sus sujetos de una manera realista y conmovedora, dejando una huella imborrable en la historia del arte.
Sorolla nos transporta a un mundo lleno de luz y color. Sus retratos transmiten una sensación de vitalidad y alegría, reflejando la personalidad y la belleza de sus modelos de una manera única.
Dalí, con su estilo surrealista, desafía los límites de la realidad en sus retratos. Sus obras nos sumergen en un mundo de sueños y fantasía, explorando la profundidad de la psique humana de una manera única e impactante.
Finalmente, la presencia de Antonio López nos permite apreciar su habilidad para capturar la realidad con una precisión asombrosa. Sus retratos transmiten una sensación de autenticidad y detalle meticuloso, mostrando su maestría en el arte de la representación.
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CÚPRICO
La exposición de Jesús Conde, Cúprico, en el Espacio «Obra Invitada» de la Antigua Escuela de Magisterio de la Universidad de Jaén fue inaugurada el 7 de febrero de 2018. La muestra estuvo abierta al público desde el 7 de febrero hasta el 1 de abril de 2018. Durante la inauguración, se presentó el catálogo editado por el servicio de publicaciones de la Universidad.
El catálogo nos muestra los treinta y siete cobres que se exhibieron en la muestra. Estas obras son un ejemplo representativo de la obra plástica del académico Jesús Conde Ayala (Archidona, 1953). Según el propio artista, esta exposición se caracteriza por recopilar experiencias y sentimientos a través de objetos atractivos que lo han acompañado a lo largo de su vida y que tienen un cierto exotismo y melancolía.
El catálogo cuenta con dos capítulos y un prontuario curricular del artista malagueño. El primer capítulo, titulado «Cámara de Maravillas», fue escrito por el catedrático Pedro A. Galera Andreu. En este capítulo se nos habla del «mundo preciosista y recóndito» que el artista consigue a través de la ordenación de sus experiencias en imágenes recopiladas en sus cobres. El segundo capítulo, redactado por el doctor Fernando Villena, lleva por título: «Jesús Conde y la Melancolía». En este apartado se analiza la idea de perfección que Jesús Conde busca transmitir a través de su obra.
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PINZELLADES DE LLIBERTAT (edición en catalán)
Pinzellades de Llibertat es un libro que rinde homenaje a los represaliados por la represión española después del referéndum del 1 de octubre de 2017. Este homenaje sentido cobra forma y fuerza a través de los veintiséis retratos del artista Pere Piquer y los poemas inéditos sobre el Proceso de independencia catalán que los acompañan, escritos por cerca de cuarenta poetas, entre los cuales se encuentran el actual Premio de Honor de las Letras Catalanas Enric Casasses, Narcís Comadira, Miquel de Palol, Vicenç Altaió, Helena Bonals o Valtonyc.
Con un prólogo del consejero de Cultura Lluís Puig y un epílogo del Muy Honorable Presidente Quim Torra, Pinzellades de Llibertat ha sido creado en honor a todas aquellas personas valientes retratadas en este mismo libro, que han sido perseguidas y han visto limitados sus derechos por haber actuado a favor de la democracia, la libertad de expresión y los derechos humanos.
Por eso, los beneficios netos de la venta de este volumen estarán destinados a la Asociación de Familiares y Amigos de los Presos Políticos.
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ICONOS: BELLEZA Y ORACION
Este libro tiene como objetivo ser un tributo a cómo los iconos nos sumergen en la hermosura de Dios, que es la clave de la contemplación. Orar no es más que eso: contemplar y enamorarse de esa divina belleza, el único antídoto que nos resguardará de la fealdad del mal y del pecado.
Aquí tenemos, por tanto, unas páginas que reúnen una selección de los iconos más representativos, con el único propósito de guiarnos a través de esa hermosura hacia una oración sencilla y contemplativa.
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BOSCH
La obra de Hieronymus Bosch (1450/60-1516), tan rica en escenas misteriosas, compuestas por figuras pintorescas e inquietantes, criaturas imaginarias y diabólicas, es un testimonio excepcional del arte de su tiempo. Marijnissen propone una reinterpretación crítica de la obra de Bosch, con el objetivo de desentrañar su mensaje. Para este apasionante estudio, se ha valido de la erudición de historiadores del arte, arqueólogos, estudiosos del folclore, lingüistas, pero sobre todo de las teorías psicoanalíticas. Una selección importante de la pintura de Bosch, presentada en su conjunto y en todos los detalles a tamaño natural, permite apreciar la complejidad de la iconografía del artista flamenco, la maestría de su técnica y la elaborada estructura de sus cuadros.
