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1000 STENCIL
Stencil (del lat. Scintilla, chispa, centelleo) es una técnica de impresión que ha encontrado en la Argentina 2000 las condiciones óptimas de luz y temperatura para proliferar por las calles. Se ha convertido en el medio de expresión más propio de artistas urbanos, artesanos y militantes. Este método utiliza una herramienta fluorescente para transmitir múltiples propuestas y mensajes con diferentes objetivos.
A través de su poder de expresión, el stencil ha logrado legitimizarse en todo el país, aunque no haya sido legalizado. Su capacidad para re-hacer, re-formular, re-significar, reproducir, re-contextualizar y re-inventar el rostro de la ciudad ha convertido las calles en el foco de re-acciones espontáneas.
Después de 5 años de relevamiento, hemos recopilado una base de 4500 imágenes y presentamos aquí la versión definitiva de este hito de la cultura popular argentina.
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180 GRAUS. NO COMMENT NO PHOTO (ESTOIG 2 VOL) (edición en catalán)
El trabajo de Mabel Palacín se centra en especular sobre la relación que mantenemos con las imágenes, en cómo nos relacionamos con ellas, cómo las interpretamos, entendemos y reaccionamos frente a la realidad-imagen.
Palacín aborda esta temática desde diferentes perspectivas, explorando la influencia de las imágenes en nuestra percepción del mundo y en nuestra construcción de la realidad. A través de su obra, busca cuestionar y reflexionar sobre la manera en que las imágenes moldean nuestra forma de ver y entender el entorno que nos rodea.
En su proceso creativo, Palacín utiliza una variedad de técnicas y medios, desde la fotografía hasta la instalación y el video. Estas diferentes formas de expresión le permiten explorar las múltiples dimensiones de la relación entre realidad e imagen, invitando al espectador a cuestionar y reflexionar sobre su propia experiencia visual.
Una de las principales preocupaciones de Palacín es la manipulación de las imágenes y cómo esta puede influir en nuestra percepción de la realidad. A través de la experimentación con técnicas como la sobreexposición, la superposición y el collage, busca desestabilizar nuestra visión convencional de las imágenes y abrir espacios para nuevas interpretaciones.
Además, Palacín también se interesa por la relación entre las imágenes y la memoria. Explora cómo las imágenes pueden evocar recuerdos y emociones, y cómo nuestra interpretación de las mismas puede estar influenciada por experiencias pasadas. A través de su trabajo, nos invita a reflexionar sobre cómo construimos nuestra propia identidad a partir de las imágenes que nos rodean.
En resumen, el trabajo de Mabel Palacín nos invita a reflexionar sobre nuestra relación con las imágenes y cómo estas moldean nuestra percepción de la realidad. A través de su exploración creativa, nos desafía a cuestionar nuestras propias interpretaciones y a abrirnos a nuevas formas de ver y entender el mundo.
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A BARCELONA (edición en catalán)
A Barcelona recoge ochenta imágenes en color que forman parte de un proyecto fotográfico personal de Rafael Badia, iniciado en 1998. Este retrato subjetivo de la capital catalana nos muestra una visión única de la evolución del espacio urbano. Un lugar donde la piedra y la luz se encuentran, donde el monumento y la pintada conviven, lo efímero y lo intemporal se entrelazan.
Este libro se enmarca en la tradición documental de la fotografía de calle, una corriente que tuvo sus inicios en París y Nueva York a mediados del siglo pasado. Además, incluye poemas escritos especialmente para esta obra, siendo el primer trabajo literario de Rafael Badia en lengua catalana.
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A OLLADA DO DESEXO: OBRA FOTOGRAFICA 1933-1973 (edición en gallego)
La obra fotográfica de Blanco Amor
Galaxia nos presenta la obra fotográfica de Blanco Amor, que según él mismo dejó escrito, supera los 3.000 negativos. En el libro «A ollada do desexo» se encuentra una selección de casi 200 fotos que incluyen retratos, autorretratos, composiciones paisajísticas, vistas y fotos documentales del autor de «A Esmorga».
Eduardo Blanco Amor, además de ser escritor y periodista, tuvo una intensa actividad como fotógrafo a lo largo de su vida. Capturó testimonios gráficos en todas sus travesías, desde Andalucía y Marruecos antes de la Guerra Civil, hasta Chile durante su exilio en América. Destacó como retratista, inmortalizando a García Lorca, Aitana Alberti, figuras de la Segunda República, emigrantes en Buenos Aires, entre otros, además de observar y captar la Galicia de su época con profundidad y originalidad.
El objetivo del libro es difundir una obra fotográfica de alta calidad estética, creativa y variada, que refleja la atención de Blanco Amor por la naturaleza, las personas, los efectos de la luz y la composición de la imagen. Su mirada expresa el deseo de abrazar el mundo y contemplarlo desde su propia vivencia.
Las fotografías recopiladas en este libro son el resultado de una actividad a la que se entregó de manera deliberada, con una clara intención estética y documental. Son la manifestación de su necesidad de comprender el mundo en el que vivió, integrándolo en su vida y tratando de explicarlo desde su concepción de la realidad.
Una obra eminentemente artística, fruto del interés del autor por las tendencias fotográficas de su época y por la historia de la fotografía, reflejando corrientes como el expresionismo, pictorialismo y reportaje.
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AGUSTIN JIMENEZ Y LA VANGUARDIA FOTOGRAFICA MEXICANA
Agustín Jiménez, nacido en la Ciudad de México en 1901 y fallecido en 1974, fue una figura destacada en el auge de la vanguardia fotográfica durante las décadas de los 20 y 30. El inicio de este movimiento en México se puede atribuir a la llegada de Edward Weston y Tina Modotti al país. La relación entre los artistas locales y extranjeros permitió que ambos rompieran barreras estéticas.
Jiménez se destacó por su habilidad para crear una versión autóctona del pictorialismo romántico, así como por su innovación técnica y experimentación formal. Durante los años veinte y treinta, colaboró estrechamente con la prensa ilustrada mexicana y se involucró con la incipiente industria cinematográfica nacional. Inicialmente, trabajó como fotógrafo de foto fija y posteriormente como cinematógrafo, colaborando con destacadas figuras como Sergei Eisenstein, Adolfo Best Maugard y Fernando de Fuentes.
Esta coedición entre RM y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México presenta una selección importante de fotografías de Jiménez con un marcado carácter vanguardista.
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ALBUR DE AMOR
Teresa Serrano (México D. F, 1936) es una destacada artista visual iberoamericana con una extensa carrera internacional. Su obra artística es única, con trabajos que abarcan diversas disciplinas plásticas. Aunque tiene intereses variados, su enfoque principal se centra en perspectivas y discursos sobre el género, desde una óptica feminista.
Este proyecto expositivo individual sobre la artista Teresa Serrano, presentado en el CAAM, se ha elaborado a partir de una selección de sus obras audiovisuales y fotográficas, agrupadas en diferentes áreas temáticas.
En esta ocasión, sus trabajos se centran en videos y películas, y se dividen en secciones relacionadas con problemáticas como la violencia de género, la tensión y la agresividad, el control y la posesión del otro, las obsesiones y los miedos personales, el aislamiento versus la comunicación, y la deconstrucción y parodia de los estereotipos corporales e identitarios femeninos. Finalmente, también se abordan los nuevos caminos: los cambios, deconstrucciones y reconstrucciones.
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ALEXANDER APOSTOL
Descubre la obra de Alexander Apóstol, un fascinante libro editado por La Fábrica Editorial. Este libro, con el código de ISBN 978-84-17769-95-6, forma parte de la colección de Cocina / Ilustrados. Sumérgete en las páginas de esta obra que te llevará a un viaje visual y conceptual único.
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ALLAN SEKULA: COLLECTIVE SISYPHUS
ALLAN SEKULA. COLLECTIVE SISYPHUS es un libro fascinante que ha sido editado por FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES. Este libro, escrito por varios autores (AA.VV), nos invita a sumergirnos en el mundo del famoso fotógrafo Allan Sekula.
ALLAN SEKULA. COLLECTIVE SISYPHUS, con su código de ISBN 978-3-96098-690-4, es una obra extensa que consta de 240 páginas. A lo largo de estas páginas, el lector se encontrará con una amplia recopilación de fotografías y ensayos que exploran temas como la relación entre el arte y el capitalismo, la globalización y el trabajo en la industria.
Allan Sekula, reconocido por su enfoque crítico y comprometido con la sociedad, nos invita a reflexionar sobre la condición humana y los problemas contemporáneos a través de su obra. Sus fotografías capturan momentos cotidianos y retratan la realidad social de una manera única.
En ALLAN SEKULA. COLLECTIVE SISYPHUS, los diferentes autores que contribuyen a esta obra nos ofrecen una visión completa de la trayectoria y el legado de Sekula. Sus escritos nos permiten comprender mejor su enfoque artístico y su compromiso político.
Este libro es una joya para los amantes de la fotografía y aquellos interesados en el arte contemporáneo y la crítica social. ALLAN SEKULA. COLLECTIVE SISYPHUS nos transporta a través de las imágenes y las palabras a un mundo lleno de significado y reflexión.
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ANDALUZ
Basándose en las fotografías de Agustí Centelles, el autor nos sumerge en una noche de insomnio llena de misterio y nostalgia. En esta historia, un hombre se encuentra cuidando a un bebé mientras lucha por conciliar el sueño. En medio de su agotamiento, cree recibir la visita del fantasma de alguien que en vida fue importante para él.
El fantasma comienza a rebuscar entre las fotografías que adornan las paredes de la habitación, desencadenando recuerdos y emociones en el hombre. A medida que observan y hablan sobre las imágenes, el pasado que los unió vuelve a cobrar vida frente a sus ojos. Juntos, rememoran momentos compartidos y reviven antiguas historias hasta la llegada del amanecer.
En medio de esta experiencia, el hombre se encuentra en un territorio inestable, donde la línea entre la realidad y la alucinación se desdibuja. La memoria se convierte en un discurso resbaladizo, lleno de detalles que podrían ser reales o meras invenciones de su mente fatigada.
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ANGEL LLANOS. FOTOGRAFO (edición en gallego)
Ángel Llanos es el profesional vigués de mayor trayectoria en la fotografía, a la que se ha dedicado durante más de ocho décadas, desde que por primera vez disparó una cámara a los once años. Incluso durante la Guerra Civil mantuvo la actividad, integrado en el gabinete fotográfico del Cuerpo de Ejército de Galicia.
Además, su archivo se enriqueció con las placas heredadas de su abuelo y de su padre, pioneros en el mundo del retrato y el reportaje. La historia de Vigo durante más de un siglo fue plasmada en fotos por esta familia, material del que ofrecemos una amplia muestra, junto a la biografía de Llanos, con muchos perfiles de interés.
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ANNIE LEIBOVITZ AT WORK (edición en inglés)
En su libro más vendido, Leibovitz se dirige a jóvenes fotógrafos y lectores interesados en el trabajo de los fotógrafos. Sin embargo, cualquier lector interesado en la historia contemporánea quedará fascinado por su relato de uno de los cuerpos de trabajo más ricos en el canon fotográfico.
Los temas que aborda incluyen el fotoperiodismo, el trabajo en estudio, la fotografía de bailarines y atletas, el trabajo con escritores y la transición de la fotografía analógica a la digital. Esta edición revisada y actualizada, originalmente publicada en 2008, vuelve a poner a disposición de los lectores el aclamado libro de Leibovitz.
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ANNIE LEIBOVITZ: THE EARLY YEARS, 1970-1983 (ESPAÑOL, INGLÉS, ITA LIANO)
Annie Leibovitz, una de las fotógrafas más destacadas de nuestro tiempo, inició su carrera en la década de 1970, en un momento tumultuoso y frenético en Norteamérica. Durante esta época, las fronteras entre los periodistas y las celebridades aún no estaban claramente definidas, lo que le permitió tener un acceso privilegiado a estos personajes.
Esta extraordinaria colección de imágenes documenta el desarrollo artístico de Leibovitz y la evolución de una época crucial en la historia. A lo largo de más de medio siglo, ella ha capturado imágenes definitorias de la cultura contemporánea. Sus retratos de políticos, artistas, deportistas, personalidades del mundo de los negocios y la realeza conforman una galería que ha dejado una huella imborrable en la conciencia colectiva, tanto por la singularidad de sus temas como por su estilo único e inimitable.
Publicado en colaboración con la Fundación LUMA de Arles, el libro «Annie Leibovitz – The Early Years: 1970-1983» nos transporta a los primeros años de la protagonista como fotógrafa. El volumen comienza con un momento de revelación artística: una imagen capturada de manera espontánea que inspiró a Leibovitz a seguir su camino en la fotografía en lugar de la pintura, que era su principal enfoque de estudio en el San Francisco Institute of Art. A partir de esa instantánea, esta meticulosa y personalmente seleccionada colección de imágenes, que incluye hojas de contacto y Polaroids, nos ofrece un vívido documento del desarrollo de Leibovitz como joven artista y del devenir de una época crucial.
En sus primeros años, Leibovitz trabajó como colaboradora y luego como jefa de fotografía en la revista Rolling Stone. Sus reportajes fotográficos cubrieron eventos políticos, culturales y contraculturales, como las protestas contra la guerra de Vietnam, el lanzamiento del Apolo 17, la campaña presidencial de 1972, la dimisión de Richard Nixon en 1974 y la gira de los Rolling Stones en 1975. Desde entonces, al igual que en la actualidad, Leibovitz ganó la confianza de las personalidades más destacadas de la época. Las páginas de este libro rebosan de rostros familiares, como Muhammad Ali, Mick Jagger, Keith Richards, Ken Kesey, Patti Smith, Bruce Springsteen, Joan Didion y Debbie Harry, así como John Lennon y Yoko Ono, capturados en el momento en que se abrazaron icónicamente, solo unas horas antes de que Lennon fuera asesinado.
A lo largo de todo el libro, los retratos y reportajes se entrelazan con imágenes de automóviles y conducción, e incluso con una serie de fotografías de policías de tráfico de California. En muchos sentidos, es una celebración de la vida en la carretera, de los ritmos frenéticos, los encuentros fortuitos y las oportunidades para la reflexión que este estilo de vida ofrece. Además, con el meticuloso trabajo de archivo que hay detrás, también es un homenaje a una época pasada y a una Leibovitz que estaba comenzando su carrera. Esta colección de imágenes nos invita a reinterpretar su obra en profundidad, gracias a la perspectiva del tiempo.
«Algunas fotos se han vuelto tan icónicas que muchos han olvidado quién las tomó… Un recordatorio del valioso servicio que Leibovitz nos ha brindado al documentar de manera impecable los momentos y las personas más importantes de las últimas tres generaciones».
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AURELIA IMMORTAL
La obra de Javier Viver se enfoca en la existencia de un ser peculiar: la aurelia aurita, una medusa que posee la capacidad de regenerarse infinitamente. El artista se propone documentar, a través de fotografías, el ciclo vital de esta especie, motivado por un interés científico y metafísico en un fenómeno natural que invita a reflexionar sobre la posibilidad de la inmortalidad.
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BILL BRANDT (CATALAN) (edición en catalán)
Bill Brandt (Hamburgo, 1904-Londres, 1983) es reconocido como uno de los pioneros de la fotografía moderna. A lo largo de su carrera, se destacó por su enfoque en la observación del entorno que lo rodeaba, priorizando aspectos estéticos sobre documentales y mostrando una constante fascinación por lo peculiar.
La exposición que se llevó a cabo en octubre de 2020 en el Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, es acompañada por este catálogo. En él, se pueden encontrar textos especializados y reproducciones de todas las obras presentadas, gentileza del Bill Brandt Archive y la Galería Edwynn Houk de Nueva York. Contiene alrededor de doscientas imágenes vintage positivadas por Brandt, organizadas en secciones temáticas que abarcan casi cinco décadas de su trayectoria artística.
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BLEDA Y ROSA
Este es un libro de gran formato y cuidada edición que presenta una recopilación completa de las principales series fotográficas creadas hasta ahora por Bleda y Rosa. Por primera vez, se reúnen en un solo volumen las obras Campos de fútbol, Campos de batalla, Ciudades, Origen y los cuatro proyectos que conforman Arquitecturas.
Este libro es considerado la primera publicación retrospectiva dedicada a la obra de estos reconocidos artistas, quienes fueron galardonados con el Premio Nacional de Fotografía 2008. Su trabajo ha sido ampliamente reconocido y valorado en el ámbito de la fotografía contemporánea.
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BUCEAR LA HERIDA
A través de las imágenes de la herida y la herida de las imágenes, Javier Iáñez y Manuel Padín se adentran en las nuevas posibilidades de vida de la fotografía. Quieren destacar su poder para crear paisajes nuevos, incluso en situaciones imposibles. Quieren que estas imágenes asuman la fuerza de sus imperfecciones y el eco de sus lamentos. Quieren bucear en las heridas y mostrárnoslas, desafiando la tormenta.
Bucear la herida. Paisajes (im)posibles de la imagen en la era postfotográfica es como un manual de supervivencia. Nos enseña cómo sumergirnos en las profundidades de los océanos (audio)visuales que nos rodean en el mundo contemporáneo. Iáñez y Padín reflexionan sobre el estado actual de la imagen. Analizan todas sus heridas y grietas, pero también exploran las oportunidades que ofrece para crear nuevas realidades.
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CARRIE MAE WEEMS
Partiendo de una selección de las primeras series de su carrera, este proyecto presenta un recorrido por la trayectoria de Carrie Mae Weems, destacando su evolución y su impacto en el mundo de la fotografía. A lo largo de más de 40 décadas, Weems ha utilizado su práctica artística para reflexionar sobre un pasado complejo y proyectar su trabajo hacia el futuro, transmitiendo una incansable sensación de esperanza.
Carrie Mae Weems es una reconocida fotógrafa y artista visual que ha dejado una huella profunda en el mundo del arte contemporáneo. Su enfoque en la representación de la experiencia afroamericana y las narrativas históricas ha sido fundamental en su trabajo. Desde sus primeras series, ha explorado temas como la identidad, la raza, el género y la política, desafiando las normas establecidas y abriendo un diálogo valioso sobre temas sociales y culturales.
En sus fotografías, Weems utiliza una combinación de elementos visuales y narrativos para transmitir mensajes poderosos. Sus imágenes capturan momentos íntimos y cotidianos, pero también se adentran en la historia y la memoria colectiva. A través de su lente, nos invita a reflexionar sobre la relación entre el pasado, el presente y el futuro, y cómo estas conexiones influyen en nuestra comprensión del mundo.
Uno de los aspectos más destacados de la obra de Weems es su capacidad para anticiparse a su tiempo. Sus proyectos tempranos abordaron temas que aún eran tabú en el arte contemporáneo, y su enfoque innovador y valiente la llevó a convertirse en una figura influyente en la escena artística. Su trabajo ha sido reconocido con numerosos premios y ha sido exhibido en museos de renombre en todo el mundo.
A lo largo de su carrera, Weems ha demostrado una habilidad excepcional para capturar la complejidad de la experiencia humana. Sus fotografías nos invitan a cuestionar nuestras propias percepciones y a explorar nuevas formas de ver el mundo. A través de su arte, Weems nos desafía a enfrentar las injusticias y a luchar por un futuro mejor y más inclusivo.
En resumen, este proyecto nos muestra cómo a través de su práctica artística, Carrie Mae Weems ha logrado trascender barreras y desafiar las normas establecidas. Su trabajo reflexiona sobre el pasado, el presente y el futuro, transmitiendo una incansable sensación de esperanza y un llamado a la acción. A lo largo de más de 40 décadas, Weems ha dejado una marca indeleble en el mundo de la fotografía, inspirando a generaciones de artistas y abriendo un diálogo valioso sobre la identidad, la raza y la política.
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CENTELLES IN EDIT ¡OH!: NEW YORK 2011
La exposición en el centro Rey Juan Carlos I de España en Nueva York (octubre-diciembre 2011) mostró un catálogo impresionante. En esta muestra se exhibieron 40 fotografías del renombrado artista valenciano, reconocido como uno de los pioneros del fotoperiodismo en España.
Estas fotografías fueron capturadas durante la Guerra Civil española, así como durante su exilio en el campo de concentración francés de Bram, situado cerca de la ciudad de Carcasona. La obra de este artista ofrece una mirada única y conmovedora a uno de los períodos más turbulentos de la historia española.
Además de las impactantes imágenes, la exposición también incluyó una serie de alrededor de treinta revistas internacionales que publicaron fotografías de Centelles. Estas publicaciones contribuyen a enriquecer el contexto histórico y artístico que rodea la obra de este talentoso fotógrafo.
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CHEMA CONESA: OBRAS MAESTRAS
En esta oportunidad, se presenta una nueva edición de la colección Obras Maestras, enfocada en uno de los periodistas gráficos más destacados en España. Chema Conesa, reconocido por su labor como editor y director de diversas colecciones de fotografía, ha sido comisario de algunas de las exposiciones más significativas en este país.
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CIA DE FOTO
La Biblioteca de Fotógrafos Latinoamericanos presenta un nuevo título dedicado a Cia de Foto, un colectivo fotográfico con sede en São Paulo que surgió en 2003 como resultado de la afinidad entre Rafael Jacinto y Pio Figueroa. Posteriormente, se unieron João Kehl y Carol Lopes para completar el grupo.
Cia de Foto se caracteriza por su enfoque teórico y experimental, explorando el espacio de las imágenes y desafiando su comprensión. Sus trabajos amplían fronteras y se acercan a diferentes lenguajes artísticos. Han exhibido sus obras tanto en exposiciones individuales como colectivas alrededor del mundo.
Este nuevo título de la Biblioteca de Fotógrafos Latinoamericanos es un libro coeditado en colaboración con AECID, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo.
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CÓMO HAGO FOTOGRAFÍAS
En su libro «Cómo hago fotografías», el reconocido fotógrafo escocés David Yarrow comparte valiosos conocimientos y experiencias adquiridos a lo largo de su carrera, con el objetivo de guiar al lector hacia su propio estilo detrás de la cámara. El contenido de la obra abarca diversas lecciones sobre aspectos técnicos esenciales, tales como la composición y la perspectiva, sin embargo, lo más destacado es la filosofía innovadora que propone para afrontar el desafío de capturar el mundo que nos rodea en imágenes.
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DANNY LYON: THE SEVENTH DOG (edición en inglés)
El Séptimo Perro es una nueva monografía/libro de fotos del fotógrafo estadounidense Danny Lyon. Organizado cronológicamente, este libro de artista cuenta la historia de los 50 años de carrera de Danny Lyon como uno de los fotógrafos documentales más originales e influyentes de Estados Unidos. Revolucionario como libro de fotos en sí mismo, Lyon cuenta esta historia comenzando en el presente y retrocediendo en el tiempo hasta el comienzo de su carrera en la década de 1960, cuando fotografió el movimiento de derechos civiles estadounidense y los motociclistas de Chicago.
A través de texto e imagen – fotografías en color y blanco y negro, collages fotográficos originales, cartas y otros objetos efímeros (muchos publicados aquí por primera vez), y los propios escritos de Lyon – esta es una historia del viaje personal de Danny Lyon como fotógrafo: una historia sobre el fotoperiodismo, el paso del cine a la fotografía digital, sobre la vida y búsqueda de Lyon como fotógrafo, y sobre Estados Unidos.
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DEREK RIDGERS: PHOTOGRAPHS (edición en inglés)
Derek Ridgers es uno de los fotógrafos de retratos más destacados del Reino Unido, con una carrera que abarca cuarenta años. Es conocido principalmente por su fotografía de música, cine y cultura de clubes/callejera, habiendo capturado a personalidades desde James Brown hasta las Spice Girls, desde Clint Eastwood hasta Johnny Depp.
A lo largo de su carrera, Ridgers ha trabajado para numerosas publicaciones, entre ellas Time Out, The Sunday Telegraph, NME, The Face, Loaded, The Sunday Times, The Sunday Independent, GQ Style y Arena.
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DESIERTOS (BILINGÜE)
Quien haya vivido la experiencia de la súbita aparición de un oasis después de vagar durante semanas por el desierto, quien haya presenciado el paso de una caravana cargada de sal, o haya observado la sorprendente adaptación de animales y plantas a su inhóspito entorno, sin duda ya no puede desprenderse de la fascinación que ejercen estos inmensos y majestuosos mares de arena.
El juego de las sombras en las dunas del Sahara o el espeluznante fenómeno de las «piedras deslizantes» en el Valle de la Muerte son solo dos ejemplos de la asombrosa belleza y misterio que encierran los desiertos. Estos vastos territorios áridos y aparentemente inhóspitos albergan una gran diversidad de vida que ha logrado adaptarse a las duras condiciones.
Los animales y las plantas que habitan los desiertos han desarrollado increíbles estrategias de supervivencia. Desde camuflarse en la arena para pasar desapercibidos hasta almacenar agua en sus tejidos para resistir largos periodos de sequía, cada especie ha encontrado su manera única de enfrentar los desafíos del desierto.
La aparición repentina de un oasis después de días, semanas o incluso meses de travesía por la aridez del desierto es un momento de esperanza y alivio. El agua fresca y abundante, rodeada de vegetación exuberante, es un verdadero regalo en medio de la dureza del desierto.
Por otro lado, el paso de una caravana cargada de sal es un espectáculo impresionante que muestra la importancia histórica y comercial de los desiertos. Durante siglos, las caravanas han sido el medio de transporte principal para llevar mercancías a través de estas vastas extensiones de arena.
En definitiva, los desiertos son lugares fascinantes que nos muestran la increíble capacidad de adaptación de la vida y la belleza oculta en los paisajes áridos. Quienes han tenido la oportunidad de presenciar estos fenómenos naturales no pueden sino maravillarse ante la grandeza y la magia de estos majestuosos mares de arena.
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DON MCCULLIN: PHOTOGRAPHIER LA GUERRE (edición en francés)
Don McCullin, a lo largo de ses sesenta y cinco años de carrera, ha capturado con su cámara los horrores de nuestro mundo. Su estilo, marcado por la «obscuridad y terror», ha inmortalizado la actualidad, las transformaciones, las violencias, pero también los paisajes y los cambios societales. Considerado uno de los fotógrafos más importantes de nuestro tiempo, McCullin se ha destacado por documentar de cerca los grandes conflictos de la segunda mitad del siglo XX: Vietnam, Chypre, Biafra, Irlanda del Norte, Libano, entre otros.
Además de su trabajo en zonas de conflicto, McCullin se ha dedicado durante medio siglo a explorar las divisiones identitarias y sociales en su Gran Bretaña natal. Ha retratado los barrios marginales de Londres, la desindustrialización, la crisis de los sin techo, los desfavorecidos de la era Thatcher y los excluidos de la globalización. Como experto paisajista, ha sabido capturar la belleza y la tragedia en igual medida, ya sea en los campos ingleses convertidos en escenarios de guerra o en las ruinas de Palmyre, en Siria.
Alain Frachon y Michel Guerrin han tenido la oportunidad de adentrarse en la vida y obra de este personaje excepcional, entrevistándolo en su hogar en Somerset. Así, se revelan los entresijos de la vida y trayectoria de este periodista y artista, un escritor de la imagen y de nuestra historia colectiva.
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DOS MIL PALABRAS. TRECE FOTOS
Las fotografías de Amaia Hodge son reveladoras y contienen una emoción profunda, de la cual ella misma a veces no es consciente. Su obra artística se centra en el paso del tiempo y cómo esta fuerza misteriosa puede alterar y transformar los lugares que ella retrató en una época anterior.
Amaia Hodge encuentra fascinante cómo el transcurso del tiempo puede afectar tanto la belleza como la decadencia de los paisajes y escenarios que captura con su lente. A través de sus fotografías, ella busca mostrar cómo esa materia indefinible puede estropear algunos lugares, mientras que en otros, logra resaltar su belleza y esplendor.
La artista se sumerge en la exploración de la relación entre el tiempo y los lugares, y cómo esta interacción puede generar una gama de emociones en aquellos que observan sus obras. Amaia Hodge logra plasmar en sus fotografías la melancolía, el asombro y la nostalgia que puede provocar el paso del tiempo en los paisajes y en las estructuras arquitectónicas.
Para Amaia Hodge, cada imagen es una ventana al pasado, una oportunidad de explorar la historia y el significado de cada lugar. Su objetivo es capturar la esencia y la atmósfera única de cada sitio, para que el espectador pueda sentir la conexión emocional que ella misma experimentó al tomar la fotografía.
A través de su trabajo, Amaia Hodge nos invita a reflexionar sobre la fugacidad de la vida y la impermanencia de todas las cosas. Sus fotografías nos recuerdan que todo está sujeto al paso del tiempo y que, aunque pueda causar daño, también puede embellecer y transformar de maneras sorprendentes.
En resumen, las fotografías de Amaia Hodge son un testimonio visual de la relación entre el tiempo y los lugares, mostrando cómo esta interacción puede evocar una amplia gama de emociones en el espectador. Su obra nos invita a contemplar la belleza y la fragilidad de nuestro entorno, recordándonos que todo está en constante transformación.
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EAMONN DOYLE
Esta exposición dedicada a la obra de Eamonn Doyle (Dublín, 1969) presenta el trabajo más reciente del reconocido fotógrafo irlandés, famoso por su «Trilogía de Dublín». La muestra destaca la visión personal del artista sobre la capital irlandesa, capturando el drama y el ritmo de la ciudad, su luz, su textura y sus habitantes. Además, también se incluye la serie conocida como «K», que recopila imágenes de figuras espectrales encontradas en la costa oeste de Irlanda y en el paisaje de Extremadura.
De esta manera, «K» se convierte en una serie conceptual que busca explorar las fuerzas internas que nos habitan, así como una reflexión sobre la muerte, el amor y los elementos vitales que conectan todas las cosas. A través de estas imágenes, el artista nos invita a sumergirnos en un viaje introspectivo y a cuestionar nuestra propia existencia.
Con esta exposición, la Fundación MAPFRE reafirma su compromiso de promover la producción de obras específicas en España por parte de destacados artistas internacionales. El objetivo es acercar al público español las últimas tendencias en fotografía contemporánea y ofrecer una mirada única y enriquecedora sobre el mundo que nos rodea.
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EL FOTOGRAFO COMPLETO
Este libro de Tom Ang es sin duda el más ambicioso hasta la fecha. En cada capítulo, el reconocido fotógrafo nos guía a través de diez estilos y temas que tienen una gran popularidad, como la moda, la vida salvaje, los viajes y los deportes.
Como es de esperar en las obras de Ang, las lecciones que se presentan son accesibles para el lector y proporcionan una experiencia de aprendizaje magnífica. Su entusiasmo contagioso nos invita a poner en práctica lo que hemos aprendido y a actuar por nuestra cuenta.
En cada uno de los bloques, el autor ofrece un enfoque realmente único. Nos brinda iniciación, ideas, consejos y técnicas específicas para cada género fotográfico, al mismo tiempo que nos anima a experimentar, pensar por nosotros mismos y practicar las nuevas habilidades adquiridas.
Cada bloque también incluye el trabajo de dos fotógrafos muy diferentes en el género correspondiente. A través de fotografías detalladas y paso a paso, nos muestran la planificación, el escenario y las sesiones en las que se crearon 20 imágenes espléndidas especialmente para este libro.
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EL LÁPIZ DE LA NATURALEZA
En esta serie de retratos, Yvonne Venegas desafía la idea de lo femenino como una cualidad innata y la fotografía como un registro objetivo de su esencia. El poder de la naturaleza se desvanece ante el lápiz de la realidad, revelando la influencia de la mirada en el acto fotográfico y cómo esta está siempre condicionada por las relaciones de género entre el sujeto que observa y el sujeto observado.
La serie de retratos femeninos y autorretratos de Venegas también aborda la cuestión histórica de la mirada masculina, que ha construido ciertas representaciones de feminidad a través de encuadres, gestos y poses que supuestamente reflejan una feminidad «natural» o «esencial». La historia de la fotografía canónica está plagada de ejemplos en los que los fotógrafos han utilizado el cuerpo y la identidad femenina para objetivar y sexualizar a las mujeres, generando placer a partir de la mirada.
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EL PRINCIPIO DE ARQUIMEDES
El libro de Marta Mas nos sumerge en un viaje de emociones a través de poesías y fotografías que narran su doloroso quiebre amoroso. «Pienso en el pánico que me da que sólo me quede este dolor. Después de todo lo que hemos sido, amor. Sólo queda este veneno». Es un relato de un año marcado por la pérdida, un viaje forzoso hacia la reconstrucción del hogar tras la desaparición de quien representaba ese papel tan crucial en su vida.
Dejar ir no es un proceso que dure solo un año, pero debemos encontrar el valor para comenzar de nuevo, aún en la oscuridad. Este viaje de nuestros amores huérfanos es, en realidad, un camino compartido por muchos otros. Es hora de reencontrarnos con nosotros mismos y aprender a vivir en primera persona. ¡Bienvenidos!
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ÉLEGIES
«Élegies» es un libro que recopila una amplia muestra de la trayectoria del artista Jorge Fuembuena, reconocido ganador del X Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler. Nacido en Zaragoza en 1979, Fuembuena actualmente reside y trabaja en Madrid. A lo largo de su carrera, ha sido galardonado con numerosos premios tanto a nivel nacional como internacional.
‘Élegies’ es también el catálogo de una exposición del mismo nombre, en la cual Fuembuena nos invita a reflexionar sobre el paso del tiempo, la muerte, la inocencia y lo divino. Estos temas se entrelazan constantemente en su obra, creando una experiencia artística única.
El libro incluye ensayos reveladores que nos adentran en la práctica artística de Fuembuena, escritos por destacados profesionales como Alejandro Castellote, el comisario de exposiciones François Cheval y el cineasta Carlos Saura, quien lamentablemente falleció pocos días antes de la publicación de este libro.
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EMMANUEL HONORATO VAZQUEZ: UN MODERNISTA EN LOS ANDES
El legado visual de Emmanuel Honorato Vázquez, el fotógrafo más emblemático de Ecuador, ha estado oculto desde su temprana muerte en 1924. Sin embargo, este libro se encarga de rescatar su valiosa obra.
La historia de Emmanuel Honorato Vázquez es una combinación trágica de belleza extraordinaria. En su época, una sociedad conservadora hubiera preferido que su trabajo desapareciera, pues despreciaba al hombre contestatario, bohemio y anticlerical, con una incontenible pasión por la vida.
Esta obra sirve como una breve introducción al fervor creativo de este genial artista, así como a un momento histórico en el que América Latina despierta con claridad al torbellino de la modernidad.